tag:blogger.com,1999:blog-21437166661220392892024-02-19T04:30:30.240+01:00Opera XXUnknownnoreply@blogger.comBlogger83125tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-56500638948089666912014-07-03T20:35:00.002+02:002014-07-03T20:35:38.724+02:00Toulouse: Daphne (Richard Strauss)<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.classiquenews.com/wp-content/uploads/2014/06/strauss-capitole-toulouse-daphne-575.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.classiquenews.com/wp-content/uploads/2014/06/strauss-capitole-toulouse-daphne-575.jpg" height="176" width="320" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Euskal Herritik oso hurbil,
kotxez bi ordutara besterik ez, Tolosako Capitole opera antzokia dugu non
eskeintza izugarri erakargarria aurki dezakegun. Honen barruan Richard
Straussen <i>Daphne</i> izan dugu, ezohiko
izenburua Europako eskenatokietan eta gure urteroko bidaia egiteko aitzaki ezin
hobea zena. Azken emaitza, arazotxo batzuk salbu, interesgarria izan da. <i>Daphne</i> honekin Tolosak 2013/2014ko
operaldiari amaiera eman dio.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Emaitza ona eskuratu ahal izateko
oinarri sendoa edukitzea giltza da eta kasu honetan Tolosako Capitolek baditu
bai orkestra nabarmena (hemen titularren artean honako izen klasiko eta distiratsuak
agertzen dira, hots, André Cluytens, Georges Prêtre, Michel Plasson edota
egungoa dena, Tugan Sokhiev) bai abesbatza txalogarria, bere zuzendaria Alfonso
Caiani delarik. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Daphne honetan proposamen
eszenikoa <b>Patrick Kinmoth</b>ena zen.
Eskenatokiaren erdian harri erraldoia kokaturik, bere gainean edo inguruan
garatzen zen drama. Pertsonaien jantziak klasiko itxura omen zeukaten eta
mitologiarekin lotura bermatu nahi zuen zuzendari eszenikoak. Hala ere, azken
emaitzak xinpletasun gehiegi duela esango nuke; gauza bat da proposamen
eszenikoa ez molestatzea, beste bat ezer ez aportatzea.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Protagonista <b>Claudia Barainsky</b> sopranoa izan da eta zeozer badago leporatzerik,
hunkitzeko puntu bat falta zaiola izango litzateke. Hala ere bere Daphne nahiko
ona izan da. <b>Andreas Schager</b>ek
Apollo bereganatu zuen, alegia tesitura ia abestuezina eta oso dramatikoa.
Andreas Schagerek badu ahotsa eta pertsonaairen sentimenduetan sartzeko gauza
izango balitz, alegia, ahotsaren kolore desberdinak aterako balitu bere emaitza
askoz hobeagoa –eta sakonagoa- izango litzateke. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Anna Larsson</b> kontraltoak ere bazuen oso tesitura konplikatua, kasu
honetan grabeegia zirudielako baina suediar honek ederki abestu zuen bere
zatia. <b>Franz Joseph Selig</b> baxua izen
handiko abeslaria da baina arratsalde honetan nahiko eskasa nabaritu nuen bere
partehartzea: ahotsa ez zen zabaltzen eta pertsonaiari duintasun nahikorik ez
zion eman. Hala ere arazorik handiena <b>Roger
Honeywell</b> tenorearen partehartzea izan zen. Beraz ezin gauza ederrik esan:
bere arazo teknikoak agerian gelditu ziren Leukipos pertsonaiaren
interpretazioan, errepartoan akats bakarra izan delarik.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Beste pertsonai guztiak (batzuk,
bere itxura ikusita, Peter Jacksonen film batetik zuzenean etorriak zirela
ziruditen) ederki bete ziren eta nik azpimarratuko nituzke bi emakumezko
zerbitzariak, alegia, <b>Marie-Benedicte
Souquet</b> eta <b>Hélène Delalande</b>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Harmut Haenchen</b> arduradun nagusia izan zen eta nire gustoko lana
egin zuen zuzendari beteranoak. Ohikoa da bere partehartzea Tolosako antzokian
eta entzulegoak ederki eskertu zion lana. Neretzat, behintzat, <i>Daphne</i>k ez du Richard Straussen beste
operek daukaten kalitatea eta bere irakurketa ederra izan zen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Fitxa teknikoa</u>: Richard
Straussen <i>Daphne</i> (1938), Claudia
Barainsky (Daphne, sopranoa), Franz-Josef Selig (Peneios, baxua), Anna Larsson
(Gea, kontraltoa), Andreas Schager (Apolo, tenorea), Roger Honeywell (Leukipos,
tenorea), Tolosako Abesbatza eta Orkestra, Harmut Haenchen (zuzendaritza), Tolosa,
2014ko ekainaren 29a. <br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.francemusique.fr/sites/default/files/styles/image_ppale_full/public/asset/images/2013/08/capitoletoulouse.jpg?itok=mZ0Z28ad" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.francemusique.fr/sites/default/files/styles/image_ppale_full/public/asset/images/2013/08/capitoletoulouse.jpg?itok=mZ0Z28ad" height="178" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
A solo tres horas en coche de la
frontera de Irun, el Capitole de Toulouse suele ofrecer propuestas operísticas
más que interesantes, como lo era esta <i>Daphne</i>,
de Richard Strauss. <i>Daphne</i> es un
título que ha tenido escaso recorrido en los escenarios europeos y la
escenificación en Toulouse bien que merecía el viaje anual. El resultado, con
algún pero, solo puede considerarse positivo en lo que ha sido, curiosamente,
la última función de la temporada 2013/14.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para conseguir tal resultado es
importante constatar que el Capitole tiene unos cuerpos estables de alta
calidad, tanto la masa orquestal (han sido sus titulares nombres de prestigio como
André Cluytens, Georges Prêtre, Michel Plasson o el actual, Tugan Sokhiev) como
el coro, al que dirige Alfonso Caiani por lo que con esta base y un reparto
solvente están abiertas de par en par las puertas a una buena representación.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En esta <i>Daphne</i> la propuesta escénica, excesivamente clásica, era de <b>Patrick Kinmoth</b>, que colocaba una
enorme roca central dentro de una gruta como elemento unitario de la acción. En
torno o encima de ella se desarrollaba el drama. El vestuario trata de ser fiel
a un estereotipado pasado mitológico. El resultado final es de excesivo simplismo,
donde por no molestar termina dándose la sensación de falta de imaginación.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La protagonista fue <b>Claudia Barainsky</b> que, sin terminar de
emocionar por falta de expresividad, nos mostró una Daphne solvente. <b>Andreas Schager</b> asumió la tesitura
endiablada de Apollo y lo hizo con suficiencia aunque falto de finura. El
material está ahí, solo le falta saber adaptarlo a cada una de las situaciones emocionales
del personaje. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Anna Larsson</b> también tenía ante sí una tesitura compleja, por
grave, en el papel de Gea y hay que decir que el resultado final fue notable. <b>Franz
Joseph Selig</b> no supo responder a su prestigio internacional quedando su prestación
en segundo nivel por falta de proyección y de dignidad vocal. Sin embargo el
principal problema fue el tenor <b>Roger
Honeywell</b>, que se dio de bruces con sus deficiencias técnicas para abordar
el lírico Leukipo. Una pena pues fue el único borrón de la tarde. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El resto de personajes, más allá
de alguna caracterización, más cercana el cine de Peter Jackson que a la Daphne
clásica fue solventemente cubierto, destacando en ello las sirvientas <b>Marie-Benedicte Souquet</b> y <b>Hélène Delalande</b>.<b> <o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Harmut Haenchen, </b>habitual en el Capitole<b>, </b> llevó el timón con rigor y superó los existentes momentos
faltos de inspiración de esta ópera; sin embargo todo llegó a buen puerto, ante
la satisfacción general del público. No puedo obviar que Daphne no tiene, en mi
opinión, la brillantez de otras obras del mismo Richard Strauss y sin embargo la lectura de Haenhen me pareció interesante.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Ficha técnica</u>: <i>Daphne</i>, de Richard Strauss (1938), con
Claudia Barainsky (Daphne, soprano), Franz-Josef Selig (Peneios, bajo), Anna
Larsson (Gea, contralto), Andreas Schager (Apolo, tenor), Roger Honeywell
(Leukipos, tenor), Coro y Orquesta del Capitole, de Toulouse, Harmut Haenchen
(dirección), Toulouse, 29 de junio de 2014.</div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-27281281496915243632014-05-25T19:17:00.000+02:002014-05-25T20:08:51.858+02:00Euskalduna: Turandot (Giacomo Puccini)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.beckmesser.com/wp-content/uploads/2014/05/TURANDOT.-ABAO.-2014-000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.beckmesser.com/wp-content/uploads/2014/05/TURANDOT.-ABAO.-2014-000.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Giacomo Pucciniren <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/2013/05/turandot.html">Turandot </a></i>izan
da aurtengo Bilboko denboraldiaren azken opera. Hamabi urtetan opera hau (eta
beti Nuria Esperten bertsio eszenikoan) hiru aldiz taularatu da Euskalduna
Jauregian eta egoera ekonomikoa kontutan hartuta, ulertzeko ada OLBE baita
ekoizpen honen jaberen bat.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Turandot </i>honekin LXII. operaldiari
amaiera eman zaio eta orohar grisa kolore nagusia izan bada Pucciniren opera
honen emanaldia entzun eta gero zaia dirudi kolore honetatik aldentzea, nahiz
eta ahots interesgarri bat disfrutatu. Ahots hau <b>Martina Serafin </b>soprano
austriarrarena izan da; noizbehinka indarra eza erakutsi arren Serafinek
erakutsi digu jakin badakiela abestea zer den eta estilo eta gustoa dituela. Bere
sarrerako aria ez zen distiratsua izan baina Franco Alfanoren zatian erosoagoa ikusi
nuen eta tenorearekin duo luzeari ekin zionean bere estiloarekiko egokitasuna
nabarmendu zen. Txalogarria bere interpretazioa non printzesa izotzazkoa ez den,
haragizkoa baizik.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Printze ezezaguna <b>Marcello
Giordani </b>zen eta espero genituen arazoak aurkitu genituen, hots, grabeak
entzungaitzak, fraseo ez zainduta, nota zentralak nahiko emisio eskasarekin
zabalduak eta agudo batzuk distiratsu eta indartsuak. Calaf <i>Nessun dorma</i> baino
askoz gehiago da, eta aria hau <i>Vinceró!!</i> baino gehiago baina Giordanirentzat
badirudi bizpahiru agudo onek emanaldi osoa justifikatu egiten dutela. Niri,
behintzat, ez.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Davinia Rodriguez</b> kanariarrak
goxoki ederra zeukan esku tartean, Liu baita arrakasta bermatzeko baliabide
segurua. Zoritxarrez bere lehen ekitaldia aspergarriegi eta lotsatiegi izan
zen, zaila baitzen bere ahotsa entzutea. Dagokion protagonismoari bizkarra eman
nahi ziola zirudien. Hirugarren ekitaldian berriz gauzak hobeagoak izan ziren;
hala ere Liu pertsonaiari entzulegoa hunkitzea eskatu behar zaio eta neure
aburuz kasu honetan emozio honetatik nahiko urrun gelditu ginen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Alessandro Guerzoni</b>k bere ahotsa
erakutsi zigunean kakofoniaren munduan geundela pentsatu nuen. Zaila da Timuren
lehen ekitaldiko partehartzea txarragorik egitea; hirugarren ekitaldiko eszenan
bere kantua onargarriagoa izan zen baina baten batek eskuko programan bere etorkizunezko
emanaldiak irakurri eta zur eta lur gelditzeko arrazoi nahikoa izango luke.
Batzuk ajente zoragarriak dute, benetan!! </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Hiru ministroek ederki bete zuten bere lana. </span><b>David
Menéndez</b>ek, <b>Jon Plazaola</b>k eta <b>Vicenç Esteve</b>k jakin izan zuten ahotsak
koordinatzea eta bere bigarren ekitaldiko lehen zati osoa ederki borobildu
zuten. Altoum Enperadoreak oso leku altu eta desegoki batetik abestu behar du
Nuria Esperten ekoizpenean eta noizbehinka ia ezinezkoa zen <b>Alberto Nuñez</b>en ahotsa
nabarmentzea. Amaitzeko, <b>Fernando Latorre</b>k bete zuen bere konpromiso laburra
(mandarina).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>John Mauceri</b> estatubatuarrak
Nafarroako Orkestra Sinfonikoa zuzendu zuen eta bere bolumena eztabaidagarria
izan arren orohar Nafarroako Orkestraren partehartzea ona izan zen; berriz,
etxeko abesbatzaren arazoak nabariegiak izan ziren: enpaste falta, ahost solte,
koordinazio eza,… Gaur egun abesbatza honetan arazoak daudela uste dut
ebidenteegia dela esango nuke. Ikuslegoaren harrera ona izan zen
baina deliriotik oso urrun. <i>Turandot </i>honek bat egin du Bilboko operaldiaren
ibilbidearekin non, arestian aipatzen genuen bezala, grisa kolore nagusitu den.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Fitxa teknikoa</u>: Giacomo
Pucciniren <i>Turandot </i>(1926), Martina Serafin (Turandot, sopranoa), Marcello Giordani
(Calaf, tenorea), Davinia Rodriguez (Liu, sopranoa), Alessandro Guerzoni
(Timur, baxua), David menéndez (Ping, baritonoa), Jon Plazaola (Pang, tenorea),
Vicenç Esteve (Pong, tenorea), Alberto Nuñez (Altoum enperadorea, tenorea),
Fernando Latorre (mandarina, baritonoa), OLBEko Abesbatza, Nafarroako Orkestra
Sinfonikoa, John Mauceri (zuzendaria). Bilbo, 2014ko maiatzaren 20a.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://static.deia.com/images/2014/05/14/import_16976573_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://static.deia.com/images/2014/05/14/import_16976573_1.jpg" height="179" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/2013/05/turandot.html">Turandot</a></i>, de Giacomo Puccini ha
sido la ópera con la que se ha dado final a la temporada de ópera de Bilbao. En
doce años es la tercera vez que se programa, siempre con la puesta en escena de
Nuria Espert y teniendo en cuenta la situación económica es de entender esta
apuesta de la ABAO por una producción propia.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Con esta <i>Turandot </i>ha finalizado
la LXII temporada y si, en general, el color gris ha sido el mayoritario
durante la misma a <i>Turandot </i>le ha sido casi imposible desvincularse de esta
tendencia. Ello a pesar de tener una voz interesante, la de la soprano
austríaca <b>Martina Serafin</b> que aunque en momentos (su aria de entrada) enseñó
debilidades por lo menos demostró que sabe qué es cantar y hacerlo con gusto y
estilo adecuado. Su <i>In questa reggia</i> no fue brillante pero en el dúo final,
obra de Franco Alfano, le vimos lucirse con su adecuación estilística. Interpretación
brillante en la que la princesa más que de hielo es terrenal.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El príncipe desconocido lo
encarnaba <b>Marcello Giordani</b>, que nos dio lo que esperábamos: graves
inexistentes, fraseo poco cuidado, notas centrales de escasa proyección y
algunos agudos brillantes. Lo que ocurre es que Calaf es mucho más que el
<i>Nessun dorma</i> y que esta aria es más que el <i>Vinceró!!</i> final. Lo que parece es
que para Giordani unos pocos agudos valen una noche, con lo que discrepo
radicalmente.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La canaria <b>Davinia Rodríguez</b>
tenía entre manos un caramelo como es la Liu, papel de éxito casi seguro. En mi
opinión su primer acto fue bastante triste, demasiado plano y timorato y en el
que su voz apenas se escuchaba. En el tercer acto las cosas mejoraron aunque en
mi opinión Liu, que ha de emocionar al espectador, estuvo lejos de hacerlo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En cuanto sonó la voz de
<b>Alessandro Guerzoni</b> me pareció asistir a una sesión de cacofonía. Es difícil
cantar peor su primer acto y aunque en el tercero mejoraron las cosas uno no
puede sino sorprenderse cuando en el programa de mano lee su próximas
actuaciones y teatros. ¡¡Algunos agentes son, en verdad, excelentes!!</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Los tres ministros (<b>David Menéndez</b>,
<b>Jon Plazaola</b> y <b>Vicenç Esteve</b>) completaron con acierto su trabajo pues supieron
acertar en la correcta coordinación de las voces. La primera escena del segundo
acto lo realizaron de forma notable. <b>Alberto Núñez</b>, el emperador Altoum
colocado en las alturas del Palacio Euskalduna, apenas fue perceptible por tal
situación y, finalmente, <b>Fernando Latorre</b> cumplió como mandarín. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El estadounidense <b>John Mauceri</b>
dirigió a la Orquesta Sinfónica de Navarra y aunque el volumen es discutible
hay que asumir que su papel fue notable; sin embargo la crisis del coro de casa
quedó de nuevo en evidencia con fallos notables: falta de empaste, voces y
sonidos sueltos, falta de coordinación,… Hoy por hoy este coro está lejos del
seguro que era antaño y puede suponer u problema en el futuro. La reacción del
público fue buena pero lejas del delirio. Esta <i>Turandot </i>se ha identificado con
la temporada que, como decíamos arriba, ha sido bastante gris.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Ficha técnica</u>: <i>Turandot</i>, de Giacomo Puccini (1926), Martina Serafin (Turandot, soprano), Marcello Giordani (Calaf, tenor), Davinia Rodriguez (Liu, soprano), Alessandro Guerzoni (Timur, bajo), David Menéndez (Ping, barítono), Jon Plazaola (Pang, tenor), Vicenç Esteve (Pong, tenor), Alberto Nuñez (emperador Altoum, tenor), Fernando Latorre (mandarín, barítono), Coro de la ABAO, Orquesta Sinfónica de Navarra, John Mauceri (dirección musical). Bilbao, 20 de mayo de 2014.</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-43831273137329829282014-05-18T11:00:00.003+02:002014-05-18T11:00:47.124+02:00Don Perlimplin<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.scanner.it/live/images/perlimplin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.scanner.it/live/images/perlimplin.jpg" height="208" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br />
</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br />
</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Don Perlimplin</i>en testuak jaoi zenetik musika eskatzen zuela zirudien, Federico García Lorcak berak bere antzerki lana aurkeztu zuenean bere obra musikan oinarritzen zela aipatu baitzuen. Idazleak musikari garrantzi handia eman zion estreinaldian eta hainbat musikarien partehartzea eskatu zuen. Gauzak horrela, lojikoa zen antzerki-lana konpositore batentzat inspirazio iturria bihurtzea eta horrela izan zen Bruno Maderna italiarraren kasua.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Musikaegile italiar honek irratirako opera egin nahi zuen (berez, <i>Don Perlimplin</i>en estreinaldia 1962an, RAIren estudioetan egin zen) eta testu hau egokia iruditu zitzaion. On Perlimplinek, edadeko gizona, Belisa gaztearekin ezkontzeko konpromisoa adostu du azken honen amarekin. Gizona emaztegaia baino askoz zaharragoa da eta nahiko argi dago ezkontekideen arteko maitasunik ez dagoela. Itxurikeriak ez du gehiegi iraunduko. Lehen gauan zehar Belisa beste gizonekin egongo da, On Perlimplin engainatuz.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Maitale guztien artean Belisak begiak jota du gizon ezezagun bat, gorriz jantzita agertzen zitzaiona. Marcolfa zerbitzariaren laguntzarekin bere etxeko jardinean hitzordua lotuko du ezezagun honekin baina hau hilik suertatuko da. Belisak maite zuen ezezaguna eta orain hil egin zaio. Hildakoari mozorroa kendu eta On Perlimplin bera dela ohartzen da Belisa. Ezkontzaren unean bere senarrak jakinarazi zion bezala, azkenean maite egin du eta etorkizunean ezin izango du beste batekin maiteminduta egon.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Argudio nahiko konbentzionala da baina Bruno Madernak obra hau gorpuzteko aukeratzen duen bide musikala, ez. Arestian aipatu dugunez, Federico García Lorcak bere jatorrizko lana musikaren lotuta ulertzen zuen eta Madernak egiten duena Federico García Lorcaren aipamen musikalak haratago eramatea da. On Perlimplin, gizon lotsatia, opera honetan ez da gizaki ahotsaren baten bidez gauzatua izango, soinu tresna baten bidez baizik, txirula hain zuzen ere. Hau da Bruno Madernaren proposamen iraultzaileena; “opera = ahotsa” eskema apurtu nahi du musikariak eta gainera ez da hemen gelditzen. Muturrera eramaten du bere ideia eta Belisaren ama tresna batek ez baizik eta lauk gauzatzen du, lau saxofoi hain zuzen ere.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bruno Madernak ere eszenari garrantzia kentzen dio (irratirako pentsatuta izatea ere bere azken asmoaren adierazpen nabarmena da) eta, berriz, hitzari lehentasuna ematen dio. Bere proposamena ausarta da eta ondorioz testua ez da abesten; esaten da. Musikak bat egiten du testuarekin baina kantoak garrantzia galtzen du. Forma iraultzaile hauek bere momentuan operari ate berriak ireki nahi zizkioten baina denboraren perspektibarekin proiektu hau ia ezertan gelditu zela ondorioztatu genezake. Horrela, <i>Don Perlimplin</i> nahi baten lekukoa eta beharbada gaur egun ezer gehiago da.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Entzun ditzagun ohiko hiru zatiak. </span>Lehendabizikoan operaren sarrera daukagu: hemen orkestrarekin batera esatariak istorioa aurkezten digu. On Perlimplinen ahotsa txirularen bidez heltzen zaigu eta hurrengo egunean bere amaginarreba izango denarena, saxofoi taldearen bidez. (1) <i>Questa é la istorioa</i> (Hau istorioa da).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bigarren zatian Bruno Madernak bi iratxoen partehartzea aurkezten digu. Iratxoek Belisaren jarrera On Perlimplini izkutatzen diote. Dena iluna dago eta ezkondu berriek bere lehen gaua ospatzen ari dira. (2) <i>Come va nell’oscuruccio?</i> (Zelan dago dela iluntasunean?).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Amaitzeko, operaren laugarren eta azken eszena, On Perlimplinen garaipenarena. Bere heriotzak bere garaipenaren irudi krudela eta sakona da. Belisak maitatzen zuen ezezaguna bere senarra zen eta kanpaien soinuek amaiera emango diote lanari. (3) <i>¡Questo é il trionfo di Don Perlimplin!</i> (Hau On Perlimplinen garaipena da!).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Bertsioa</u>: Bruno Madernaren <i>Don Perlimplin</i> (1962), Roberto Fabricciani (On Perlimplin, txirula), Marion D’Amburgo (Marcolfa eta esataria, aktorea), Sonia Bergamasco (Belisa, sopranoa), Contempoartensemble, Mauro Ceccanti (zuzendaria).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://static.guim.co.uk/sys-images/Music/Pix/pictures/2013/11/13/1384352202738/Bruno-Maderna-008.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://static.guim.co.uk/sys-images/Music/Pix/pictures/2013/11/13/1384352202738/Bruno-Maderna-008.jpg" height="192" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Desde que nació el testo <i>Don Perlimplín</i> de la mano de Federico García Lorca éste parecía destinado a ser musicado pues el mismo autor teatral dijo haberse basado en la música para el diseño de la obra además de pensar en la presencia de distintos músicos para el estreno de la misma. Era pues lógico que algún compositor acabara fijándose en este texto, como fue el caso del italiano Bruno Maderna.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Este compositor italiano pensaba en alguna obra para la radio (el estreno de <i>Don Perlimplín</i> se celebró en los estudios de la RAI en 1962) y este texto le pareció adecuado. Don Perlimplín, hombre ya maduro, ha concertado su boda con la joven Belisa en acuerdo con la madre de esta. El pretendiente es mucho mayor que ella y está claro que el amor es ajeno al acuerdo. La farsa no podrá durar demasiado. Ya en la noche de bodas Belisa será infiel a su marido.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Entre todos sus amantes Belisa está encaprichada de un desconocido que se le presenta siempre vestido de rojo. Con la ayuda de Marcolfa, su sirviente, concertará una cita con el desconocido en el jardín de su casa pero en dicho encuentro el tal señor morirá. Solo al retirar el disfraz del amante sabrá Belisa que tal desconocido no era sino su mismo marido, Don Perlimplín, cumpliéndose así el vaticinio realizado por este en el momento del acuerdo matrimonial por el cual ella acabaría amándolo y después ya no podría enamorarse de nadie más.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El argumento es bastante convencional; sin embargo el camino musical elegido por Maderna está lejos de serlo. Como apuntábamos arriba Federico García Lorca concibió su obra en relación directa con la música y lo que hace Bruno Maderna es adoptar una postura más radical ante las menciones musicales de Federico García Lorca. Don Perlimplín, hombre tímido, no es representado en la ópera por la voz humana sino a través de un instrumento, más en concreto por medio de la flauta. Esta es la propuesta musicalmente más revolucionaria de Bruno Maderna. Es tratar de romper el esquema “ópera = voz humana” yendo incluso más lejos: la madre de Belisa, quien habrá de ser la suegra de Don Perlimplín, es representada por un cuarteto de saxofones. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bruno Maderna también quita importancia al lado escénico (el hecho de que la ópera esté pensada para la radio es manifestación evidente de esta voluntad) y da relevancia a la palabra. Su propuesta es en este sentido valiente y el texto se dice, no se canta. La música se entrecruza con el texto perdiendo el canto la relevancia que en toda ópera se le supone. Estas formas revolucionarias trataron de abrir puertas nuevas a la ópera pero con la perspectiva del tiempo parecen que aquellas intenciones se han quedado en eso. Así, <i>Don Perlimplín </i>queda como testigo de una intención aunque quizás sólo queda en eso. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Escuchemos los tres habituales fragmentos. En el primero tenemos la entrada de la ópera: aquí la orquesta junto a un narrador nos presenta la obra. Aquí conoceremos la voz de Don Perlimplín, a través de la flauta y la “voz” de la suegra por medio del cuarteto de saxofones. (1) <i>Questa é la istoria</i> (Esta es la historia).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo fragmento Bruno Maderna nos presenta a los dos duendes, los que esconden a Don Perlimplín las andanzas infieles de Belisa. En la oscuridad los recién casados se supone que celebran su primera noche de casados. (2) <i>Come va nell?oscuruccio</i> (¿Cómo va en la oscuridad?).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para finalizar, la última parte de la ópera, la victoria de Don Perlimplín. Su muerte es la plasmación cruel y profunda de la victoria del amor. Belisa amaba al desconocido sin saber que era su marido y con el sonido de las campanas se da final a la obra. (3) <i>¡Questo é il trionfo di Don Perlimplin!</i> (¡Este es el triunfo de Don Perlimplín!).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>Don Perlimplin</i>, de Bruno Maderna (1962), Roberto Fabricciani (Don Perlimplin, flauta), Marion D’Amburgo (Marcolfa y narradora, actriz), Sonia Bergamasco (Belisa, soprano), Contempoartensemble, Mauro Ceccanti (dirección musical).</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-78620011644158860712014-05-08T22:47:00.000+02:002014-05-08T22:47:20.074+02:00Arriaga: El Juez (Christian Kolonovits)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.hoyesarte.com/wp-content/uploads/2014/04/EL-JUEZ12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.hoyesarte.com/wp-content/uploads/2014/04/EL-JUEZ12.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bilbo Josep Carrerasen argazkiaz
josita zegoen eta arrazoia tenore katalandarra eskenatokira bueltatzen zela
zen. Bere etorrera Arriaga Antzokiaren eskutan zegoen eta oinarria <b>Christian
Kolonovits</b> musikari austriarraren opera berria zen, <i>El Juez</i> (Epailea).
Carrerasek ia hamarkada osoa zeraman opera antzestua egin gabe eta, lojikoa
denez, zalantza asko zegoen ea bere ahotsa eta gorputza nola egongo zen holako
erronka bati erantzuna egokia eman ahal izatekoteko. Nik neuk zalantzak nituen
ea Carrerasek abestuko omen zuen edo bere lana deklamazioaren bidez gauzatuko
zen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Behin opera ikusita ondorio
batzuk atera ditzakegu, besteak beste, <b>Josep Carreras</b>en ahots egoera
negargarria dela eta egoera honetan bakarrik berarentzat espreski egindako
rolari aurre egin diezaiokela. Erdiko notak amaigabeko dardar baten artean
errekonozitu daitezke baina “tenorea” dela esatea gehiegikeria delakoan nago,
ez alde agudoan ezta alde grabean bere ahotsa zabaltzeko gaitasunik galdu egin
baitu Carrerasek, zoritxarrez. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hala ere ezin ukatu Arriaga
Antzokiak tantu ederra eskuratu duela ekimen honekin; estreinaldiaren egunean kanpotik
etorritako fanak ikustea besterik ez zegoen. Prentsa orokorra irakurriz gero emanaldiaren
arrakasta itzela izan dela pentsa genezake baina oinarrizko irizpide kritikoa
erabiliz proiektuak artiskikoki kale egin duela aipatu behar dut.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Operaren alde interesgarriena
argumentuaren ideia da, epaile protagonistak eskutan duen arazoa frankismoan
zehar izandako umeen lapurketa masiboa baita. Hemen <b>Angelika Messner</b>en testuari
ausardi nahikoa onartu behar zaio; adibidez, eliza instituzioaren kontra operan
zehar ohiuak ematen direnean entzule batzuen egoneza nabaria zen, holako esaldiak
ezohikoak baitira holako espektakuluetan. Arazoa da ideia neurririk gabeko melodrama
bilakatzen da eta azkenean sinesgarritasuna galdu egiten du hasierako ideiak.
Argumento osoa <a href="http://www.teatroarriaga.com/obra.php?idioma=_eu&id_espectaculo=539#nogo">hemen </a>irakur dezakezue.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Musikari dagokionez Christian
Kolonovitsek, nire aburuz, ez du asmatu.
Bidea zilegia bada ere zaila da ulertzea zergatik XXI. mendeko opera XIX.
mendeko amaieraren parametropean egiten den. Eztabaida ez da melodia egon behar
den ala ez edota modernidadea abangoardiaren estetikaren barruan bakarrik uler daiteken;
eztabaida da ea zeozer interesgarria eskeintzeko gauza zaren ala ez eta
Christian Kolonovitsek egiten duena estetika desberdinen batuketa da. Batzutan
Hollywoodeko izarra edozein momentuan agertuko dela dirudi, beste batzutan
poparen aztarnak ebidenteegiak dira, eta abar. Alegia, obra oso eskasa. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Carrerasen partehartzeaz zeozer
aipatu dut. Errespetoagatik nik hemen utzi nahi dut nire balorazioa. Beste
abeslarietaz hitzegiteko orduan aipagarriena <b>Jose Luis Sola</b> nafarraren lana
izan zen. Emanaldian zehar errez imajinatzen nuen Carrerasen sufrimendua
Solaren ahotsaren erreztasuna entzuterakoan. Bere zatia oso zaila da, interbalo
askorekin baina Solak ederki bete zuen
bere lana. Ahots lirikoa du eta zaintzen badu bere ibilbidea interesgaria izan
daiteke.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Sabina Puértolas</b>en arazo bakarra
rolarekiko egokipena izan zen, bere ahotsa lirikoegia baita Kolonovitsek idatzi
dion eskaera dramatikoarentzat. Uste dut soprano honek oso argi duela zer
nolako paperak egokitzen zaizkion eta abentura hau ohiartzun mediatikoagatik oso
erakargarria egiten zaiola onar dezakegu baina bere mundu lirikoa beste bat da. Bideo honetan Sola eta Puértolasen arteko duoa daukagu, (1) <i>Tantos recuerdos, solo al mirar</i> (Hainbeste oroimen, begiratzerakoan). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/22yfIuWo60M?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ama Nagusia, <b>Ana Ibarra</b>, paper garrantzitsua da ere eta abeslari honek, beti
bezala, ederki bete zuen bere zatia. <b>Carlo Colombara</b>k ederki bete zuen
bere papera, Morales, oso pertsonai desatsegina, errukirik gabeko faxista baita.
Frankismoaren amaigabeko aldarrikapena egiten du eta beldurrezkoa zen Moralesek
garai hauetarako bueltatzeko beharra nola abesten zuen, Frankok dena lotuta eta
ondo lotuta utzi zuela gogoraraziz. Papel laburrenetan maila nahiko altua izan
zen eta azpimarratuko nuke bi mojak, <b>María José Suárez</b> eta <b>Itziar de Unda</b>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>David Giménez</b>, zuzendaria, edipurdiko
orkestra batekin lana egin behar zuen eta eszena, <b>Emilio Sagi</b>rena, gauza handirik
erakutsi gabe, baliogarria izan zen bere helburua bete ahal izateko.
Entzulegoaren erantzuna positiboa izan zen, burua galdu gabe.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Fitxa artistikoa</u>: Christian Kolonovitsen <i>El Juez</i> (2014), Josep Carreras
(epailea, tenorea), José Luis Sola (Alberto García, tenorea), Sabina Puértolas
(Paula, sopranoa), Ana Ibarra (Ama Nagusia), Carlo Colombara (Morales, baxua),
María José Suarez (lehen moja, sopranoa), Itziar de Unda, (bigarren moja,
sopranoa), Milagros Martín (emakume zaharra, sopranoa), Rossini Abesbatza, BIOS
Orkestra, David Giménez (zuzendaria). Arriaga Antzokia, 2014ko apirilaren 29a.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.hoyesarte.com/wp-content/uploads/2014/04/EL-JUEZ10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.hoyesarte.com/wp-content/uploads/2014/04/EL-JUEZ10.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bilbao estaba repleto de fotos de
Josep Carreras y la razón era su vuelta a los escenarios. Su vuelta estaba
promovida por el Teatro Arriaga y la base era la propuesta musical de <b>Christian
Kolonovits</b> y su nueva ópera, El juez. Carreras llevaba casi una década alejado
de los escenarios operísticos y las dudas en torno a sus capacidades era más
que lógicas tanto en lo relativo a su voz como en su estado físico. Yo mismo
reconozco mis dudas pensando que lo de Carreras podía estar más cerca de la
declamación que del canto.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Una vez vista la obra podemos
sacar varias conclusiones, entre ellas que la voz de <b>Josep Carreras</b> está en
estado penoso y que solo puede afrontar un papel especialmente escrito para su
situación vocal. En las notas centrales, que se cantan en un permanente
temblor, aun se reconoce al antiguo tenor pero es evidente que las zonas aguda
y grave son inexistentes. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
No se puede negar que el Teatro
Arriaga se ha apuntado un tanto de prestigio con esta iniciativa; prueba de
ello es la asistencia de muchos extranjeros el día del estreno, fans del tenor
catalán que asistían solo por él. El morbo era saber cómo estaría su voz. La
voz generalista habla de éxito indiscutible de Josep Carreras pero cualquier análisis
crítico ha de desechar semejantes lecturas. Artísticamente el proyecto no ha
cuajado.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Lo más interesante de la obra,
indudablemente, es la idea original del libreto, es decir, el robo de niños
organizado durante el franquismo por personajes ligados al poder político y a
la iglesia católica. Hay que reconocer al texto de <b>Angelika Messner</b> cierta
valentía al poner en boca de los cantantes frases muy duras contra la iglesia
como institución y que provocaron movimientos de insatisfacción en más de un
espectador. El problema es que la buena idea se torna melodrama sin credibilidad
a base de retorcer el desarrollo de los acontecimientos. <a href="http://www.teatroarriaga.com/obra.php?idioma=_es&id_espectaculo=539&mes=4&ano=2014">Aquí </a>puede leerse un
resumen del argumento. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por lo que se refiere a la música
Christian Kolonovits, en mi opinión, no ha acertado. El camino elegido es
legítimo pero se me hace difícil entender porque una ópera del siglo XXI se
hace bajo parámetros de finales del siglo XIX. No creo que la discusión
sea “melodía sí o no” o si la modernidad
solo puede entenderse con lenguaje de vanguardia; lo de Christian Kolonovits es
una suma de estéticas que no acaba creando una nueva. En ocasiones parece que
en cualquier momento surgirá una estrella de Hollywood en el escenario, en
otras se adivinan huellas de la música pop, etc. En definitiva, una obra
insuficiente.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Sobre la intervención de Carreras
ya he apuntado lo suficiente y por respeto, me quiero detener aquí. Sobre os
otros cantantes subrayar el gran momento vocal del tenor navarro <b>José Luis Sola</b>;
no me cuesta imaginar el sufrimiento de Carreras al ver en directo la facilidad
del canto del navarro, que ante una partitura repleta de dificultades enseñó
una voz lírica con la que, si la cuida, puede hacer una carrera muy
interesante.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El problema de <b>Sabina Puértolas</b>,
una cantante solvente, fue su falta de adecuación al papel, excesivamente
dramático. Creo que esta soprano tiene muy claro cuál es su repertorio aunque
supongo que era difícil rechazar la proyección mediática de este proyecto. En el vídeo arriba colocado podemos escuchar un breve duo entre Sola y Puértolas, (1) <i>Tantos recuerdos, solo al mirar</i>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La Madre
Superiora de <b>Ana Ibarra</b> fue, como es habitual en esta cantante, realizado de
forma más que adecuada. <b>Carlo Colombara</b> completó buena
labor en el ingrato papel del fascista Morales, un personaje repugnante en su continua
reivindicación del fascismo. Daba miedo verle glosar el pasado y reclamar la
vuelta del terror, recordando que el dictador lo dejo todo atado y bien atado.
En los papeles menores subrayar la labor de <b>María José Suarez</b> e <b>Itziar de Unda</b>
como ambas monjas.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>David Giménez</b> dirigió con mimo a
una mediocre orquesta y la puesta en escena de <b>Emilio Sagi</b>, austera fue
eficiente. La reacción del público en mi función fue de aprobación sin llegar
al delirio. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Ficha artística</u>: <i>El Juez</i>, de Christian Kolonovits (2014), Josep Carreras (juez,
tenor), José Luis Sola (Alberto García, tenor), Sabina Puértolas (Paula,
soprano), Ana Ibarra (Madre Superiora, soprano), Carlo Colombara (Morales, bajo),
María José Suarez (primera monja, soprano), Itziar de Unda, (segunda monja,
soprano), Milagros Martín (anciana, soprano), Coro Rossini, Orquesta BIOS, David
Giménez (dirección musical). Teatro Arriaga, 29 de abril de 2014.</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-12013914521982950742014-04-28T23:38:00.000+02:002014-04-28T23:38:14.352+02:00Gran Teatre del Liceu: Skazániye o nevídimom grade Kítezhe i deve Fevrónii (Nicolai Rimsky-Korsakov)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://media.timeout.com/images/resizeBestFit/101227859/660/370/image.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://media.timeout.com/images/resizeBestFit/101227859/660/370/image.jpg" height="175" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Aurtengo Bartzelonara egindako
bisitaren aitzakia Nikolai Rimsky-Korsakov eta berak egindako <i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial;">Skazániye o
nevídimom grade Kítezhe i deve Fevrónii </span></i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-style: italic;">(Kitezhen hiri
ikusezina eta Fevronia neskatoaren kondaira) </span>izan da. Neretzat berria ziren
ez bakarrik opera, konpositorea baita ere. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera honek bi kondaira uztartzen
ditu eta honekin batera benetako eta fikziozko munduak lotzen ditu. Eszenikoki esijentea
da oso eta <b>Dimitri Tcherniakov</b>en proposamena pizgarria zen, ikusita zer nolako
ohiartzuna izan dute gozin honek egindako beste lan batzuk. Kasu honetan
Tcherniakoven proposamena bikoitza dela ondoriozta generzake; bikoitza diot bi
eredu desberdin erabiltzen dituelako eszena zuzendariak: bata non natura
nagusitzen den (lehen eta azken ekitaldiak) eta bestea, apurtzailea eta –neurri
batean- probokatzailea non akzioa gaurkotu egiten den eta tatariar eta
errusiarrak gaurko balizko gatazkaren protagonistak bezala aurkezten diren. Ezohikoa
bada ere ohial nagusia altxatu eta berehala ikusleak txaloka hasi ziren, naturaren argazki ederra
aurkitu baigenuen. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Operaren protagonista nagusia Fevronia
da. Neska honekin Rimsky-Korsakov nahiko zalantzagarria da: batzutan neskatoa panteismoaren
adeirazpena dirudi, naturarekin harreman zuzena duena; beste batzutan, berriz,
erlijioaren mitoa bilakatzen da, otoitzaren bidez hiriaren salbatzioa
eskuratzen duena. Hasieran Fevronia naturaren zatia da; bukaeran ispiritua
bihurtu da. Liceun Fevronia <b>Svetlana Ignatovich</b> izan da eta onartuz bere
rolaren zailtasuna haundia dela zeozer faltatu zitzaion bere ahotsean gaua
borobiltzeko. Beharbada ahotsa zabaltzea eta indar gehiago rolaren eskakizuna
bete ahal izateko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bere maitalea, Vsevolod printzea,
heroia izan behar da eta <b>Maxim Aksemov</b>ren ahotsa bigarren plano batean gelditu
zen behin baino gehiagotan. Ahotsa polita da baina orkestra gainditzea erronka
zaia bihurtu zitzaion Aksemovi. Berriz, Grixka mozkortia, <b>Dimitri Golovnin</b>en
ahotsean, ongi marraztu zen. Pertsonai honek garrantzi handia eskuratzen du
operan zehar eta Golovnin ongi antzestu zuen bere gainbehera, txoratu arte.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Abeslaririk handiena <b>Eric
Halfvarson</b> izan zen, zalantza barik. Erregistro grabea, benetakoa, tranparik
gabekoa, kontzertante guztietan galtzen ez zen ahotsa. Oso interesgarria. Baxu
honekin batera beste historiko batzuk, bazeuden, Mariinskyren eskolakoak hain
zuzen ere: <b>Gennadi Bezubenkov</b> (ederki abestu zuen bere zati laburra) eta
<b>Vladimir Ognovienko</b> (tatariarraren nagusia zena). Opera luze honek abeslari
asko eskatzen ditu eta azpimarratzekoa izan zen txori mitolojikoen ahotsak <i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial;">Skazániye o
nevídimom grade Kítezhe i deve Fevrónii</span></i> (<b>Larissa Iudina</b> eta
<b>Margarita Nakrasova</b>) eta bi nobleak, alegia, <b>Josep Fadó </b>eta <b>Alex Sanmartí</b>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Abesbatzaren interpretazioa bikaina
izan zen; asko dago kantatzeko eta Tcherniakovekin ere asko interpretatzeko.
Bigarren eta hirugarren ekitaldientan abesbatza mikrotaldetan banatzen da eta bakoitzak
bere zeregina zuen. Abesbatza ez zen formarik gabeko masa, talde txikien bilkura
baino. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Liceuko orkestra <b>Josep Pons</b>en
eskutan zegoen eta orohar bere lan ona izan zela esan dezakegu. Beharbada orkestrari
kolore “errusiarra”ren eza lepora genizaioke baina argi dago Ponsek ongi landu
duela opera hau.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Emanaldia</u>: Nikolai
Rimsky-Korsakoven <i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial;">Skazániye o nevídimom grade Kítezhe i deve Fevrónii </span></i>(1904),
Eric Halfvarson (Yuri printzea, baxua), Maxim Aksemov (Vselovod printzea,
tenorea), Svetlana Ignatovich (Fevronia, sopranoa), Dimitri Golovnin (Grixka,
tenorea), Gennadi Bezubenkov (musikaria, baxua), Alexander Tsymbaliuk (ofizial tatariarra,
baxua), Vladimir Ognovienko (ofizial tatariarra, baxua), Bartzelonako Liceuko
Orkestra eta Abesbatza, Josep Pons (zuzendaria). Bartzelona, 2014ko apirilaren
26a.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://kedin.es/uploads/event/image/2013/12/26/15/238519/_La_Leyenda_de_la_Ciudad_Invisible_de_Kitezh__en_el_Liceu_de_Barcelona.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://kedin.es/uploads/event/image/2013/12/26/15/238519/_La_Leyenda_de_la_Ciudad_Invisible_de_Kitezh__en_el_Liceu_de_Barcelona.jpg" height="146" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La visita a Barcelona de este año
tenía como objetivo Nikolai Rimsky-Korsakov y su ópera <i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial;">Skazániye o
nevídimom grade Kítezhe i deve Fevrónii </span></i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-style: italic;">(La leyenda de
la ciudad invisible de Kitezh y de la doncella Fevronia). En mi caso era novedad
no solo la ópera son también el mismo compositor.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-style: italic;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Esta ópera recoge en sí dos
leyendas rusas, integrando tanto el mundo real como el de ficción. Muy exigente
la puesta en escena de <b>Dimitri Tcherniakov</b> siendo su presencia un aliciente más
para el viaje, conocida su capacidad de sacudir con sus propuestas escénicas el
panorama operístico. En este caso podemos describir su propuesta como dual pues
el director de escena emplea dos mundos aparentemente contrapuestos para
desarrollar la acción: en los actos extremos, primero y cuarto, el mundo de la
naturaleza, dentro del más puro clasicismo; en los actos centrales la idea es
novedosa y provocadora, trayendo al hoy en día la escena al representar el conflicto
militar entre rusos y tártaros. Algo inhabitual fue el aplauso del público nada
más ser levantado el telón principal al comienzo de la ópera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La protagonista de la ópera es la
muchacha Fevronia. Rimsky-Korsakov juega a la ambigüedad con este personaje: en
ocasiones parece ser expresión del panteísmo basado en la naturaleza; en otras,
un mito del cristianismo que entrega su vida por su ciudad y la salva a través
de la oración. Al comienzo Fevronia es parte de la naturaleza; al final es
espíritu. En el Liceu Fevronia fue interpretado por <b>Svetlana Ignatovich</b> que
asumió este rol tan largo y duro y la que le faltó un punto de fuerza vocal
para acabar de redondear la noche. Quizás falta de proyección, quizás falta de
fuerzas al final pero sin terminar de responder a las muchas exigencias del
papel.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Su amante, el príncipe Vsevolod,
ha de ser personaje heroico y la voz de
<b>Maxim Aksemov</b> quedó en demasiadas ocasiones en segundo plano, más de las
necesarias. La voz es bonita aunque superar la importante masa orquestal
resultó complicado en demasiadas ocasiones. Sin embargo el borrachín Grixka, en
la voz de <b>Dimitri Golovnin</b> quedó perfectamente dibujado. Este personaje va
asumiendo mayor importancia según avanza la ópera y la interpretación de la caída
de Golovnin hasta la locura fue muy eficiente.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El mejor cantante fue, sin duda,
<b>Eric Halfvarson</b>, un bajo de verdad con registro grave imponente y sin mentiras,
que no se perdía en los concertantes. Una gran interpretación. Con este bajo
señalar otros dos históricos de la escuela de Mariinsky, a saber, <b>Gennadi
Bezzubenkov</b> (cantó muy bien su breve parte del músico) y <b>Vladimir Ognovienko</b>
(jefe de los tártaros). En esta larga ópera es numeroso el número de solistas y
quiero subrayar los que en mi opinión fue lo más destacable, es decir, <b>Larissa
Iudina</b> y <b>Margarita Nakrasova</b> como los pájaros mitológicos y los dos nobles en
las voces de <b>Josep Fadó</b> y <b>Alex Sanmartí</b>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La interpretación del coro fue
sobresaliente. En la obra hay mucho que cantar y con Tcherniakov mucho que
interpretar. La masa coral es descompuesta en múltiples pequeños grupos, cada
uno con su quehacer escénico. Así el coro más que un grupo es la suma de muchos
pequeños grupos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La orquesta del Liceu en manos de
<b>Josep Pons</b> estuvo a buena altura. Quizás le faltaba un punto de color “ruso”
pero poco se le puede reprochar a Pons.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Función</u>: <i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial;">Skazániye o
nevídimom grade Kítezhe i deve Fevrónii</span></i><span style="background: white; color: #252525; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-style: italic;">, de Nicolai
Rimsky-Korsakov<i> </i></span>(1904), Eric Halfvarson (príncipe Yuri, bajo),
Maxim Aksemov (príncipe Vselovod, tenor), Svetlana Ignatovich (Fevronia,
soprano), Dimitri Golovnin (Grixka, tenor), Gennadi Bezubenkov (músico, bajo),
Alexander Tsymbaliuk (oficial tártaro, bajo), Vladimir Ognovienko (oficial tártaro,
bajo), Orquesta Sinfónica y Coro del Liceu de Barcelona, Josep Pons (dirección
musical). Barcelona, 26 de abril de 2014.</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-13540926126439470922014-04-20T11:01:00.000+02:002014-04-22T17:58:01.548+02:00Trouble in Tahiti<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-ph0SacRXfFA/T5QfyhM9uQI/AAAAAAAAFZs/zGI8baDiLhQ/s1600/Trouble-In-Tahiti-Photo-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-ph0SacRXfFA/T5QfyhM9uQI/AAAAAAAAFZs/zGI8baDiLhQ/s1600/Trouble-In-Tahiti-Photo-1.jpg" height="228" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera labur honetan, bere iraupena hiru ordu laurdenak besterik ez da, Leonard Bernsteinen aztarna musikalak nabariak dira. Konpositoreak bikote arrunt baten gainbehera kontatzen digu, hots, nola eguneroko bizitza gauza izan daiteken amodioa zapuzteko eta nola gu, gizakiok, gauza ez garen eguneroko arazoei aurre egiteko: errutinak, ilusio eza, itxaropen falta,… badira elementu nahiko amodioa desagertarazteko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Trouble in Tahiti</i> (Arazoa Tahitin) egoera ekonomiko ona duen bikote baten erretratua da. Urteak elkarrekin egon eta gero kamusada heldu da eta honekin batera gezurrak eta autoengainuak. Sam, senarra, atsegiña da oso bere lanean eta bezeroak zaindu eta mimatu egiten ditu; bere aisialdian eskubaloia praktikatzen du eta gaur egun lanari zein kirolari bikotekideari baino denbora gehiago ematen die. Dinah, bere emaztea, etxekoandre perfektua izateko aukera guztiak edukita, etxean alboratua sentitzen da. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Dinahk bere senarrari arreta eza leporatzen dio: lana garrantzitsuagoa da, kirola garrantzitsuagoa da eta susmoak ditu Samen bizitzan beste emakume batzuk bera baino garrantzitsuagoak izan daitezkela. Dinahk ez dio benetazko egoerari aurre egin eta Bernsteinek ametsen munduan kokatzen du ia beti emaztea eta ondorioz, operan zehar bere ametsen berri daukagu non beldurrak, ezegonkortasunak, inpotentziak eta amorruak gauzatzen diren.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Eguerdi batean biak kalean elkartuko dira kasualitatez; aukera ona elkarrekin bazkaltzeko eta tentsioak arintzeko baina biek gezurretan ibiltzea nahiago izango dute, nahiz eta bakoitzak jakin bestea zertan dabilen. Aitzaki kaxkarrak asmatu eta gero balizko bazkaria ezertan geldituko da. Dinah zinemara joango da amodiozko film traketsa ikustera, <i>Trouble in Tahiti</i> hain zuzen ere.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Egun bereko gauan Sam saiatzen da arazoaz hitzegiten. Dinahk ametsen munduan jarraitzea nahiago du. Samen proposamena hurrengo egunean elkarrekin zinemara joatea izango da ea maitasunari beste aukera ematen diezaioketen. Zer joango dira ikustera? <i>Trouble in Tahiti</i>, noski. Dinahk baietz dio, bere bakardadean arratsalde horretan ikusi egin duela senarrari esan gabe.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera osoan zehar Leonard Bernsteinek hirukotea erabiliko du abesbatza-narraitzaile bezala. Hirukote hau (sopranoa, tenorea eta baxu-baritonoa) 50 hamarkako erritmo modernoetan oinarrituko da bere musika eta ekintza bakoitzaren balorazioa egingo du, entzulegoarekin harremana iraunkorra bermatzen. <span lang="EN-US">Bitxia bada ere urte batzuk beranduago konpositoreak <i>Trouble in Tahiti</i> osoa beste opera handiago batean sartu zuen, <i>flash-back</i> moduan, <i>A Quiet Place</i> (Leku lasaia) operan hain zuzen ere. <i>Trouble in Tahiti</i> azken opera honen bigarren aktua izango da.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Lehen zati musikalean operaren hasiera dugu. Hemen hirukote narratzailea dugu eta agerian gelditzen zaizkigu bere erritmoak eta asmoak. Hemen historiaren aurkezpena egiten digute. (1) <i>Doo, doo, day mornig sun</i> (Du, du, egunsentiko eguzkia) <br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br /></span>
<span lang="EN-US">Bigarren zatian Sam eta Dinahren bapateko kaleko aurkitzea dugu. </span>Zalantzak, biok duda-nudatan, azkenean gezurrak asmatu eta bakoitza bere lekutik joango da. (2) <i>Well, of all people</i> (Ongi, jende guztia).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Amaitzeko, operaren amaiera: egun berean, afaria amaitu eta gero bikotea hizketan ari da eta elkarrizketa amaitzean aukera berri bati emango diote beraien etorkizunari, ahots-hirukoteak erritmo alaiak abesten dituen bitartean. (3) <i>Evening shadows </i>(Ilunsentiko itzalak).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Leonard Bernsteinen <i>Trouble in Tahiti</i> (1952), Nancy Williams (Dinah, mezzosopranoa), Julian Patrick (Sam, baxu-baritonoa), Antonia Butler (sopranoa), Mark Brown (baxua), Michael Clarke (tenorea), Columbiako Haize Taldea, Leonard Bernstein (zuzendaria).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En esta breve ópera, de apenas cuarenta y cinco minutos, el estilo musical de Leonard Bernstein es evidente. La obra cuenta el proceso de degradación de una pareja normal y corriente, cómo el día a día va desgastando la relación hasta hacer desaparecer el amor y como nosotros, los seres humanos, somos incapaces muchas veces de hacer frente a la realidad: la rutina, la falta de ilusión, de esperanza,… son elementos que hacen desaparecer el amor de nuestras vidas.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Trouble in Tahiti</i> (Problema en Tahiti) es el retrato de una pareja pudiente. Los años de convivencia les han llevado al desencanto y con ello, a las mentiras y el autoengaño. Sam, el marido, es agradable en su trabajo y con sus clientes, a los que mima; en su tiempo libre practica el balonmano y a estas alturas de la relación el trabajo y el deporte son más importantes que su compañera. Dinah, su esposa, tiene todo para ser la ama de casa perfecta; sin embargo se siente relegada. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
A su marido le reprocha falta de atención: el trabajo es más importante, el deporte es más importante y tiene sospechas de que otras mujeres también son más importantes en la vida de Sam que ella misma. Dinah no quiere hacer frente a la realidad y se refugia en el mundo de los sueños, que Bernstein dibuja con maestría. Así, Dinah aparecerá siempre imaginando un mundo irreal en el que dolor, miserias, impotencia y rabia quedan arrinconadas.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Una mañana ambos se encontrarán en la calle por casualidad; una oportunidad única para limar tensiones comiendo juntos. Sin embargo, ambos se mentirán para evitarlo a pesar de ser cada uno de ellos consciente de las mentiras del otro. Inventarán excusas poco creíbles y la posible comida quedará en nada. Dinah terminará en el cine, viendo una película, <i>Trouble in Tahiti</i>, que cuenta una historia de amor.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Esa misma noche Sam trata de hablar de la situación. Dinah prefiere su mundo ficticio. Sam propondrá ir juntos al cine el próximo día, intentando dar al amor una nueva oportunidad. ¿Qué película verán? Por supuesto, <i>Trouble in Tahiti</i>. Dinah aceptará la propuesta sin reconocer que, en su soledad, la acaba de ver esa misma tarde.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
A través de toda la ópera Leonard Bernstein mantiene en escena un trío vocal en el papel de narrador, soprano, tenor y bajo-barítono que utilizará ritmos modernos propios de los años 50 para acompañar y comentar los distintos sucesos de la pareja protagonista. Este trío vocal será el puente entre el oyente y la ópera. A modo de curiosidad años años después el compositor incluyo <i>Trouble in Tahiti</i> completa y a modo de <i>flash-back</i> en su nueva ópera <i>A Quiet Place </i>(Un lugar tranquilo), ocupando nuestra obra de hoy el segundo acto de esta última.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El primer fragmento musical es el comienzo de la ópera. El trío vocal que juega el papel de narrador nos enseña su estilo musical y su ritmo, así como nos orienta sobre el devenir de la historia que está a punto de comenzar. (1) <i>Doo, doo, day mornig sun </i>(Du, du, sol matutino). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo descubrimos el encuentro casual de Sam y Dinah en la calle: dudas, titubeos y finalmente las mentiras necesarias de ambos para evitar coincidir en la comida, yendo finalmente cada uno por su lado. (2) <i>Well, of all people</i> (Bien, todos nosotros).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para terminar, la última escena de la obra. Al final del día, y después de cenar la pareja se enfrenta por fin al problema y tras una breve conversación deciden darse una nueva oportunidad mientras el trío vocal entona ritmos alegres y nos comenta la situación. (3) <i>Evening shadows</i> (Sombras del atardecer).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>Trouble in Tahiti</i>, de Leonard Bernstein (1952), Nancy Williams (Dinah, mezzosoprano), Julian Patrick (Sam, bajo-barítono), Antonia Butler (soprano), Mark Brown (bajo), Michael Clarke (tenor), Conjunto de Viento de Columbia, Leonard Bernstein (dirección musical).</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-90372513408652123992014-04-17T16:16:00.003+02:002014-04-17T18:36:43.669+02:00Théâtre du Capitole 2014/2015<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.classictoulouse.com/images/opera/originales/capitole-salle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.classictoulouse.com/images/opera/originales/capitole-salle.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Tolosako Capitole Antzokiaren
denboraldi berriaren aurkezpen ofizialak nituen itxaropen guztiak gainditu egin
ditu, behintzat bere izenburuei erreparatzen badiegu. Kostata aurkituko dugu
beste denboraldia hain orekatua eta ausarta. Beste batzuk gaur egun pairatzen
dugun krisi ekonomikoa betiko izenburuen amaigabeko errepikapena justifikatzeko
erabiltzen duten bitartean hemen, Tolosan, antzokiaren zuzendaritzak operak
dituen estetika, mugimendu eta sentikortasun desberdinen ispilua izatea erabaki
du eta hau eskertzekoa da, benetan. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Blog honen lantzen dituen mendeei
dagokienez Tolosak apostu sendoa egiten du. Arrazoi nahikotxo ematen dizkigu
Capitolek Tolosaraino joateko eta hurrengo hilabetetan zehar denboraldi honen
lekukoa izaten saiatuko gara. Kronologikoki hauek dira XX eta XXI. mendetako
Tolosak aurkezten dizkigun operak.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Lehenengo aukera berezia da oso,
Capitolek programa berean Benjamin Brittenen bi opera eskeiniko dizkigulako.
Lehendabizikoa <i>Owen Wingrave</i> (1971) izango da, jatorriz telebistarako egin zen
opera eta konpositore zoragarri honen azkenaurrekoa. <span lang="EN-US">Honekin batera eta ezohiko programa osatuz, <i>The
Turn of the Screw</i> (Azkoinen bira, 1954). </span>Zaia benetan eskaintza hain
erakargarria egitea gaur egungo edozein antzoki-operan. Bi opera hauek Benjamin
Brittenek misterioaren inguruan bi irakurketa desberdin deskribatzen dizkigute
baina ideia iraunkor batekin: iraganaren mamuak. Lehenengoan bakezaletasunaren
ideiarekin lotuta, bigarrenean, umeen balizko errugabetasunarekin. Opera hauek
aurtengo azaroan zehar antestuko dira eta blog honetarako lehentasuna izango
dira. Hona hemen operaren hasiera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/TAKf6o-ArJw?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Abenduan zehar, Gabonetako
egunetan hain zuzen ere, Amadeu Vivesen <i>Doña Francisquita</i> (1923) antzestuko da.
Zarzuela hau tamaino handiko obra da eta Madril erromantikoaren deskribapen
zehatza da. Oso gutxi taularatzen da estatu espainirratik kanpo eta arrarotzat
har daiteke Tolosan egotea.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hala ere, izenbururik ezohikoena
Wolfgang Mittereren <i>Massacre </i>(Txikizioa, 2003) izango da, gaur egungo operaren
adierazpenik interesgarria. Mittererek XVI. mendean egondako hugonoten
txikizioan oinarritzen da indarkeriaz eta indarrez beteriko opera garatzeko.
Obra hau bost abeslari eta bederatzi musikarientzako opera da eta elektronikoak
garrantzi handia duelarik. Ahotsei eskatzen zaiona asko eta zaila da. Opera hau
datorren urteko apirilan zehar ikusi ahal izango dugu. Bere ezaugarriak nabarmenki nozitzen dira hurrengo bideoan.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/d_urFgWNj0I/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/d_urFgWNj0I&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="https://youtube.googleapis.com/v/d_urFgWNj0I&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hurrengo izenburua Sergei
Prokofieven <i>Obrucheniye v monastïre </i>(Ezteiak
momastegian, 1946)) entzungai izango dugu Capitolen. Orain dela bost urte
aukera izan nuen opera hau leku berean ikusteko eta Prokofieven opera komiko
hau benetan interesgarria da, Sevillan, eta amodiozko nahasketa eta korapiloak
kontatzen dizkigu, tradizio buffaren barruan lerrokatua. Azpimarratzekoa da
Tugan Sokhiev zuzendari musikala izango dela. Ikus dezagun opera honen eszena bat.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/_Lo2s2UocrE/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/_Lo2s2UocrE&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="https://youtube.googleapis.com/v/_Lo2s2UocrE&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Amaitzeko, Giacomo Pucciniren
<i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Turandot">Turandot </a></i>(1926), blog honetan dagoeneko aurkeztuta dagoena. Tolosako Capitolek
altua jarri du listoia. Neretzat ez dago beste operaldia hain interesgarria eta
erakargarria. Neurri handi batean, eredugarria ere. Informazio gehiago: http://www.theatreducapitole.fr/1/saison-2014-2015/saison-2014-2015-1564.html?lang=fr</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.opera-online.com/media/images/avatar/opera_house/154/xl_avatar.jpg?1311344592" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.opera-online.com/media/images/avatar/opera_house/154/xl_avatar.jpg?1311344592" height="239" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El teatro Capitole, de Toulouse ha
conseguido superar las expectativas que tenía ante la presentación de la nueva
temporada de ópera, por lo menos en lo que se refiere a los títulos anunciados.
Difícilmente encontraremos una temporada de estas características tan
equilibrada y valiente. Mientras otros se escudan en la tan cacareada crisis
económica para justificar la repetición ad nauseam de los títulos de siempre
otros como Toulouse ofrecen óperas que recogen las distintas estéticas, corrientes y sensibilidades que en
el mundo de este arte conviven, hasta terminar siendo espejo en el que más de
uno habría de mirarse.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por lo que a los siglos que
trabaja este blog el teatro de Toulouse hace una apuesta seria. De hecho, se
nos dan varias razones para viajar hasta la ciudad francesa y este blog tratará
de ser testigo de la temporada durante los próximos meses. Cronológicamente
estas son las óperas que anuncia Toulouse, correspondientes a los siglos XX y
XXI.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La primera oportunidad es
realmente especial pues el Capitole anuncia un programa Britten doble espectacular:
<i>Owen Wingrave</i> (1971), ópera realizada en origen para la televisión y <i>The Turn
of the Screw </i>(Una vuelta de tuerca, 1954). Propuesta tan valiente como atractiva la de
este teatro. En estas dos óperas Benjamin Britten nos introduce en el mundo del
misterio a través de dos lecturas distintas y una idea constante: la
importancia de los fantasmas del pasado. En la primera ópera uniéndolo al ideal
del pacifismo, en la segunda, con la supuesta inocencia del mundo infantil.
Estas óperas se ofrecerán el próximo noviembre y trataremos de no perdérnoslas. Arriba puede verse en vídeo el inicio de la primera de las óperas mencionadas.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En diciembre, más exactamente en
las fechas de navidad el Capitole ofrece la obra de Amadeu Vives <i>Doña
Francisquita</i> (1923), zarzuela de tamaño grande y que describe el Madrid
romántico. Título infrecuente fuera del estado español y novedad interesante,
por lo tanto, para el público de Toulouse. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
De todas formas, el título más
infrecuente será <i>Massacre </i>(Masacre, 2003), de Wolfgang Mitterer, manifestación
interesante de la creación más actual. Mitterer nos narra la masiva ejecución
de hugonotes ocurrida en las guerras de religiones durante el siglo XVI y es
una ópera llena de violencia y fuerza. Esta obra es para cinco voces, nueve
instrumentistas y electrónica, constatando las enormes exigencias pedidas a las
voces. <i>Massacre </i>podrá verse el próximo mes de abril. Las particularidades de esta obra pueden percibirse en el segundo vídeo arriba ofrecido.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El siguiente título que podrá
escucharse en el Capitole será <i>Obrucheniye
v monastïre </i>(Esponsales en el monasterio, 1946). Hace cinco años tuve la
oportunidad de conocerla en el mismo recinto y puedo certificar el interés de
esta ópera cómica del compositor soviético, situada en Sevilla y que nos narra
las complicaciones sentimentales de una familia acomodada, dentro de la
tradición de la ópera bufa italiana. A subrayar la dirección musical del
siempre interesante Tugan Sokhiev. En la versión de Valeri Gergiev tenemos una escena de esta ópera en el tercer vídeo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para terminar una conocida ópera,
ya presentada en este blog, <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Turandot">Turandot</a></i>, de Giacomo Puccini (1926). El Capitole de
Toulouse ha puesto el listón muy alto y creo realmente difícil encontrar una
propuesta tan interesante y atractiva como esta. <span lang="EN-US">En gran medida, una</span> temporada<span lang="EN-US"> a</span> imitar<span lang="EN-US">. Más información en: http://www.theatreducapitole.fr/1/saison-2014-2015/saison-2014-2015-1564.html?lang=fr</span></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-13275576831702480882014-03-05T14:48:00.002+01:002014-03-05T14:50:52.256+01:00Gran Teatre del Liceu 2014/2015<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://imagene.youropi.com/teatre-del-liceu1-2(p:location,156)(c:0).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://imagene.youropi.com/teatre-del-liceu1-2(p:location,156)(c:0).jpg" height="172" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
Bartzelonako Gran Teatre del
Liceuk ere bere hurrengo urteko denboraldiaren aurkezpena egin du orain dela
gutxi eta XX. eta XXI. mendetako operen agertzea txikia izan arren, ekar
ditzagun blog honetara, balizko irakurlegoari aurkezteko asmoz.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hiru dira, besterik ez, aipatutako
garaiko izenburuak. Krisi ekonomikoa dela eta jendea erakartzeko ziurragoak
diren izenburuen aldeko apostua egiten da eta “nire” bi mende beti kaltetuak
suertatzen dira. Gogora dezagun Liceuk orain dela bi urte bertan behera utzi
zituela Alexander von Zemlinskyren bi izenburu interesgarrien antzespena, <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Der%20Zwerg">DerZwerg</a></i> (Ipotxa) eta <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Eine%20florentinische%20Trag%C3%B6die">Eine florentinische Tragödie</a></i> (Tragedia florentziar bat), operazale
batzuk hegazkina, hotela eta sarrerak eskuratuta eduki eta gero.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Krisiak beti leku berean
kolpatzen omen du: imajinazioan, ausardian eta kulturaren aniztasunean.
2014/2015rako Bartzelonako denboraldia da, maila honetan, adibide esanguratsua.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hiru izenburuak hauexek dira:
Richard Straussen <i>Arabella </i>(1933), Francis Poulencen <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/La%20voix%20humaine">La voix humane</a></i> (Giza
ahotsa, 1958) eta Xabier Montsalvatgerem <i>Una voce in off</i> (Offean ahotsa, 1962),
azken bi hauek elkarturik aurkeztuko dizkigutelarik.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Arabella </i>Richard Strauss
erromantikoaren adibide esanguratsua da. Austriar inperioaren gainbeheraren
irudia da non nobleak bere aintzinako abesastasuna galdu eta gero eskontzen
merkatuan sartu behar diren. Amaiera zoriontsua da baina Strauss praktikotasunean
oinarritzen diren egokitasuna eta maitasuna nahastu egiten ditu ia azken hau
ikusezina bihurtu arte. Edo ez, noski, entzule eta ikusle bakoitzak bere
amaieraren interpretazio propioa aukeratuko duelako.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Liceuk oso erreparto
interesgarria bildu du non Anne Schwanemills, Doris Soffel eta Michael Volleren
izenak nabarmentzen diren; berriz, Antoni Ros Marbá beteranoa zuzendari
musikala izateak zalantzak pizten ditu. Opera aurtengo azaroan zehar antestuko
da. Hemen Renée Flemingen ahotsa daukagu.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/IVhGkyKFa2Y?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Beste bi izenburu elkarrekin
antzestuko dira eta oso elkartze interesgarria iruditzen zait, Francis
Polulencen <i>La voix humaine</i> eta Xavier Montsalvatgeren <i>Una voce in off</i>. Bietan
protagonista garrantzitsuenetarikoa kanpoan dago; kasu batean, Poulencenean,
telefonoaren beste aldean; Montsalvatgeren kasuan, hilda dagoen senarrak
emazteari utzitako grabazio batean. Hurrengo bideoan Carole Farleyren ahotsan operaren amaiera daukagu.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/FkW0pioD_xk/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/FkW0pioD_xk&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="https://youtube.googleapis.com/v/FkW0pioD_xk&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Lehenengoak telefonoa erabiltzen
du izkutupean bizi izandako harremanari amaiera emateko, bigarrena bere
maitasunaren sakontasuna zehazteko eta onartzeko. Biak koldarrak, urruntzea
behar dute esan behar dutena esateko. Maitasunaren amaiera eta hasiera,
maitasunaren arintasuna eta sakontasuna, kontraste ederra bi opera hauen non
gizakiaren ahotsak, alegia mezua eta esandakoaren garrantzia azpimarratzen den.
Proposamen erakargarria oso da hau. Zoritxarrez Liceuk hurrengo urteko
urtarrilean zehar hiru emanaldi besterik ez ditu eskeiniko eta zaila izango da
oso hor egotea.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Poulencen operan Maria Bayo
soprano naparra bakarlaria izango da. Berriz, Montsalvatgeren operan
nabarmentzekoa da Ángeles Blancas eta Antoni Comasen partehartzea, bigarren hau
rol honetan ohikoa bihurtu delarik, opera honen grabazio bakarrean partehartzen
du eta. Pablo González orkestra zuzendaria izango da kasu bitan. Hurrengo bideoan Antoni Comasen ahotsa daukagu.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/E7xmTMRk2Yk?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Informazio zehatzagoa lortu nahi
baduzue orrialde <a href="http://www.liceubarcelona.cat/temporada-2014-2015/temporada-2014-2015.html">honetan </a>aurki dezakezue. Hurrengo ikasturtean zehar blog
honetatik izenburu hauetaz informazioa eta kronikak zuei helarazten saiatuko
gara.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://batours.es/images/upload_slides/gran_teatre_del_liceu_04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://batours.es/images/upload_slides/gran_teatre_del_liceu_04.jpg" height="214" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
El Gran Teatre del Liceu, de
Barcelona ha presentado también, recientemente, su próxima temporada 2014/2015
y aunque la presencia de títulos de los siglos XX y XXI es escasa hemos querido
traerlos a este blog para conocimiento del hipotético lector del mismo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Tres son los títulos de los
siglos mencionados. Por mor de la crisis económica parece obligado apostar por
títulos seguros para el gran público y así, “mis” siglos quedan arrinconados
una y otra vez. Recordemos que el Liceu ya nos despojó del interesantísimo
programa doble Alexander von Zemlinsky compuesto por <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Der%20Zwerg">Der Zwerg</a></i> (El enano) y
<i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Eine%20florentinische%20Trag%C3%B6die">Eine florentinische Tragödie</a></i> (Una tragedia florentina) cuando algunos
aficionados ya teníamos vuelo, hotel y entrada abonados. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La crisis siempre golpea al mismo
a la hora de programar: a la imaginación, a la valentía y a la pluralidad. En
este sentido la temporada 2014/2015 de Barcelona es ejemplo significativo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Los mencionados tres títulos son
<i>Arabella</i>, de Richard Strauss (1933), <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/La%20voix%20humaine">La voix humaine</a></i> (La voz humana), de
Francis Poulenc (1958) y <i>Una voce in off </i>(Una voz en off), de Xavier
Montsalvatge (1962), siendo estos dos últimos presentados de forma conjunta.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Arabella </i>es ejemplo del Strauss
romántico. Muestra en esta obra la decadencia del imperio austríaco, en el que
los nobles arruinados mercadean con hijas en busca de buenos matrimonios y
dineros. Hay final feliz pero Strauss enfrenta el amor y la conveniencia práctica
de tal forma que el primero queda totalmente desdibujado en ese final. O no,
depende con qué ojos y oídos nos coloquemos ante la ópera, por supuesto. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El Liceu nos trae un reparto
interesante en el que sobresalen los nombres de Anne Schwanemills, Doris Soffel
y Michael Volle mientras que la batuta del veterano Antoni Ros Marbá es la que
más dudas despierta. La ópera se representará en noviembre de este año. Pueden escuchar arriba, en el primer vídeo, un breve fragmento de la obra en la voz de Renée Fleming.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Los otros dos títulos, <i>La voix
humaine</i>, de Francis Poulenc y <i>Una voce in off</i>, de Xavier Montsalvatge, ya queda
dicho, se interpretan juntos en una fusión que me parece muy interesante. En
ambas uno de los grandes protagonistas está colocado fuera de escenario: en el
caso de la obra de Poulenc, al otro lado del teléfono; en el segundo caso, en
una grabación dejada por el marido fallecido a su viuda. En el segundo vídeo carole Farley interpreta el final de la ópera de Poulenc.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El primero utiliza el teléfono
para dar por finalizada su relación clandestina mientras que el segundo solo a
través de la grabación es capaz de reconocer la dimensión del amor que siente
por su esposa. Ambos cobardes, necesitan de la distancia para decir lo que
quieren. El final del amor, su inicio, la levedad del amor o las profundidades
del mismo, en hermosos contraste donde la voz del ser humano, el mensaje, la
importancia de lo dicho se sitúa en primer plano. Una atractiva propuesta a la
que, por desgracia, el Liceu solo dedicará tres funciones en enero del próximo
año, siendo complicado estar presente.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En la obra de Poulenc la única
solista será la navarra María Bayo mientras que en la obra de Montsalvatge
destacan las figuras de Ángeles Blancas y Antoni Comas, este omnipresente en el
rol de tenor y participante de la única grabación de la obra. En ambos casos la
batuta estará en manos de Pablo González. En el último vídeo puedene scuchar la voz de Antoni Comas en un fragmento de la obra del compositor catalán.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<span style="text-align: justify;">Si el lector quiere más
información sobre repartos o fechas puede consultar la </span><a href="http://www.liceubarcelona.cat/temporada-2014-2015/temporada-2014-2015.html" style="text-align: justify;">página web</a><span style="text-align: justify;"> del teatro. En
el próximo curso trataremos de atender desde este blog, en las medidas de
nuestras posibilidades, algunos de estos títulos.</span>Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-51813886570572839912014-02-22T11:12:00.000+01:002014-02-22T11:18:19.204+01:00Teatro Real 2014/2015<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-uAGzvaIDMyLa1hpTdPEJ7bZoqvGmQmKZx5rNmWWjT33PYpuxYR7eJ73AfBi_N-2gvNKK9pWDgz3yClKcmEIlqwIkjxXql1Vk78WRAE4mCI8INKrpS3S8A9qhmZLVZCVTIRJyib7o4tWi/s640/teatro+real+pza+isa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-uAGzvaIDMyLa1hpTdPEJ7bZoqvGmQmKZx5rNmWWjT33PYpuxYR7eJ73AfBi_N-2gvNKK9pWDgz3yClKcmEIlqwIkjxXql1Vk78WRAE4mCI8INKrpS3S8A9qhmZLVZCVTIRJyib7o4tWi/s640/teatro+real+pza+isa.jpg" height="234" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Madrilgo Teatro Realek
2014/15rako denboraldia aurkeztu du eta blog honek XX. eta XXI. mendetako izenburuak ekarri eta aurkezten dizkizuet. Irailean hasiko den denboraldian Teatro Realek
zuzendari artistiko berria izango du, Joan Matabosch hain zuzen ere, aurrekoa zena dimitituarazi eta gero.
Eta ez dut aukera galdu nahi Teatro Realek Gerard Mortier belgiarrarekin izandako
jarrera ulergaitza salatzeko, minbiziaz jota bere azken borrokari eusten dion
momentuan kaleratu egin baitu, erakundeak sensibilidade eza izugarria erakutsiz. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Denboraldi berrian bost izango
dira bi mende hauetako operak, orain aurkeztuko dizkizuedanak. Lehenengoa
2014ko abenduan izango dugu ikusgai eta Benjamin Brittenen <i>Death in Venice</i> (Heriotza
Venezian) izango da. Opera honetan Benjamin Brittenek inspirazio eza sufritzen
duen idazle ospetsu baten bere bizitzaren errepasoa egiten du eta, honekin
batera, arte, gainbehera, plazerra eta bizitzaren aurrean bakoitzak har
dezakeen jarreraz hausnartzen du konpositoreak. Proposamen eszenikoa Willy
Deckerena da eta blog honentzat, Teatro Realek eskeintzen duen izenbururik
interesgarriena. Produkzio hau Bartzelonako Gran Teatre del Liceun ikusgai izan zen 2008an eta hemen doakizue bideo laburra. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/eCsAz-02GWw?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bigarren tituloa Mauricio
Soteloren estreinaldia izango da, <i>El público</i> (Publikoa) hain zuzen ere eta
2015eko otsaila eta martxoan antzestuko da. Federico García Lorcaren obran
oinarriturik, homosexualitatea lantzen du antzezlan honek baina ez gai hau
bakarrik, arte eta gizartearen arteko loturak aztertzen dituelako ere Lorcak eta operan
presente egongo dira. Izenburu interesgarria gaur egungo musikari batek
antzezlan klasikoa nola egokitzen duzen konprobatzeko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hirugarren eta laugarren
izenburuak elkarrekin aurkeztuko dira 2015eko ekaina eta uztailean zehar, itxuraz amankomunean gutxi daukaten Giacomo Pucciniren <i>Gianni Schicchi</i> eta
Enric Granadosen <i>Goyescas </i>(Goieskoak) zehazki. Lehendabizikoa <i>Il trittico</i> lanaren
hirugarren zatia da eta bere egiliearen maisu lana da, zalantzarik gabe. Gutxitan
komedia era hain bikaina eta azkarra planteatu da operaren historia.
Zoritxarrez Plácido Domingo tenoreohiak protagonismoa hartzerakoan eztali
egingo du obra honen garrantzia. Aipa dezagun proposamen eszenikoa Woody Allen
zinema zuzendari ospetsuak egingo duela. Bideoan Maria Callas handiaren ahotsa ekartzen dut, opera labur honen zatirik ezagunena entzun ahal izateko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/jcb6XxvEogs?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Berarekin batera beste lan
laburra, Granados katalandarraren <i>Goyescas</i>. Oso gutxitan taularatzen da opera
hau eta hau da, beharbada, arrazoi nagusia Madrilera joateko. Aurrrekoa
komediaren adibide esanguratsua baldin bada, hemen trajedia dugu, maitasuna,
zeloak eta heriotza, kontraste garbia lortzen delarik. Hemen Plácido Domingo
orkestra zuzendaria izango da eta bideoan agertzen den opera honen intermezzo ospetsua zuzendu beharko du.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/r15UJA2Ee9M?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Gure garaiko azken opera Elena
Mendoza espainiarraren <i>La ciudad de las mentiras</i> (Gezurren hiria) izango da eta
Juan Carlos Onettiren lau obra laburretan oinarrituik dago, obrak non emakumeek
protagonismo osoa eskuratuko duten. Gezurren hiria babeslekua da non
protagonistek beraien miseria eta gabeziengandik alde egiten saiatuko diren.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Informazio zehatzagoa lortu nahi
baduzue orrialde honetan (<a href="http://www.teatro-real.com/es/temporada-2014-2015/opera/">http://www.teatro-real.com/es/temporada-2014-2015/opera/</a>)
aurki dezakezue. Hurrengo ikasturtean zehar blog honetatik izenburu hauetaz
informazioa eta kronikak zuei helarazten saiatuko gara.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<o:p><br /></o:p></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://musicofilia.files.wordpress.com/2011/05/teatro_real.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://musicofilia.files.wordpress.com/2011/05/teatro_real.jpg" height="240" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<o:p><br /></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<o:p><br /></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El Teatro Real, de Madrid ha
presentado su nueva temporada 2014/2015 y en este blog quiero presentaros los
títulos correspondientes a los siglos XX y XXI. La temporada en cuestión será
la primera bajo la dirección del nuevo responsable artístico Joan Matabosch,
tras la fulminante eliminación del anterior, Gerard Mortier. No quiero perder
la oportunidad de criticar con dureza la forma en el que el Teatro Real ha
relevado de su cargo al belga, justo en el momento en el que parece librar su
última batalla contra el cáncer. Una alarmante falta de sensibilidad la del
Teatro Real.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La nueva temporada contempla
cinco títulos de nuestros siglos, los que vamos a presentar a continuación. El
primero es <i>Death in Venice </i>(Muerte en Venecia), de Benjamin Britten, a celebrar
en el próximo diciembre. En esta ópera Benjamin Britten realiza a través de un
famoso escritor falto de inspiración distintas reflexiones acerca de la
decadencia, el arte, el placer y las distintas actitudes que se pueden tomar
ante la vida misma. La propuesta escénica es de Willy Decker y para este blog
es el título más interesante de la próxima temporada. Esta misma producción pudo verse en el Gran Teatre del Liceu, de Barcelona, en 2008 y arriba dispone el lector de un breve vídeo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El segundo título corresponde a
un estreno de Mauricio Sotelo, <i>El público</i> y llegará al teatro entre febrero y
marzo de 2015. Basada en la obra del mismo título de Federico García Lorca,
trata el tema de la homosexualidad aunque no solo eso sino que Lorca también
plantea una reflexión sobre la relación entre arte y sociedad, cuestiones que
estarán presentes en la ópera. Una oportunidad interesante para poder observar
cómo se traslada a los parámetros operísticos esta obra teatral clásica.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El tercer y cuarto títulos llegarán
juntos en junio y julio de 2015 en lo
que aparentemente es una reunión atípica siendo ambos <i>Gianni Schicchi,</i> de
Giacomo Puccini y <i>Goyescas</i>, de Enric Granados. La primera, culminación de <i>Il
trittico</i>, es una verdadera obra de arte de la comedia italiana. Pocas veces se
ha alcanzado tal calidad en tan breve duración, consiguiendo Puccini una obra
brillante e inteligente. Por desgracia, el excesivo protagonismo del ex-tenor Plácido
Domingo tapará en parte la brillantez de la partitura. Conviene recordar que la
propuesta escénica está firmada por el reconocido cineasta Woody Allen. El segundo vídeo recoge una grabación de la gran Maria Callas cantando el fragmento más popular de esta ópera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Con la obra pucciniana tendremos
la oportunidad de escuchar la infrecuente <i>Goyescas</i>, del catalán Granados. Lo
poco que se pone en escenarios es razón suficiente para viajar hasta Madrid y
si la obra anterior es ejemplo magnífico de comedia aquí estamos ante el lado
trágico de la vida donde elementos habituales como amor, celos y muerte están
bien presentes. En este caso Plácido Domingo asumirá la batuta, habiendo de dirigir el famoso intermezzo presente en el tercer vídeo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La última ópera que requiere
nuestra atención será la que cierre la temporada, en pleno julio: <i>La ciudad de
las mentiras</i>, de Elena Mendoza, basada en la obra homónima de Juan Carlos
Onetti, obra en la que la mujer adquiere total protagonismo. Esa ciudad es el
refugio donde los protagonistas tratan de refugiarse de miserias y mentiras,
tratando de huir de lo inevitable.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Si el lector quiere más
información sobre repartos o fechas puede consultar la página web del teatro, a
saber, <a href="http://www.teatro-real.com/es/temporada-2014-2015/opera/">http://www.teatro-real.com/es/temporada-2014-2015/opera/</a>.
En el próximo curso trataremos de atender desde este blog, en las medidas de
nuestras posibilidades, algunos de estos títulos. </div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-44434543732698691742014-02-11T20:48:00.001+01:002014-02-11T20:54:50.396+01:00Nos<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://ts3.mm.bing.net/th?id=H.4909797366694202&pid=15.1" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://ts3.mm.bing.net/th?id=H.4909797366694202&pid=15.1" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Oso opera gutxi <i>Nos </i>(Sudurra) bezain orijinala. Dimitri Shostakovitxek antzerkia maite egiten zuen eta, aldi berean, musikagile bikaina zen, eta gaurko opera protagonista, <i>Nos </i>adibide esanguratsua da, XX. mendean zehar opera gutxi egin dira non absurdoa era hain nabarian landu den.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zer egingo genuke guk geuk, goiz batean, esnatu eta berehala, geure sudurrak guregandik alde egin duela konturatuko bagina? Argi dago hasierako planteamentua lojikatik at dagoela baina hemen datza opera honen xarma: Platon Kovaliovek bere sudurrak utzitako hutsuneaz jabetu eta berehala bilatzeari ekingo dio. Bere bizarginaren ogitarteko batean agertu omen da baina sudurra azkar mugitzen da, leku batetik bestera, eta harrapatzea ez da erreza izango.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hau gutxi balitz sudurra nortasuna eskuratzen ari da eta bere etorkizuna betiko aurpegi batean itsatsita egotea ez du gustoko; sudurrak askoz gehiago merezi duela pentsatzen du eta iheska dabil. Azkenean polizia talde batek autobus geltokian inguratuko eta harrapatu eta gero ia ezinezkoa da sudurra bere lekuan jartzea. Dana sorginkeria ote?</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Platon Kovaliov esnatzen da bere ohean eta sudurra betiko lekuan dago. Bere bizarginarengana doa eta hasiera ematen dio egun arrunt bati. Arazorik ez. Dena ametsa izan da? Nola lotu sudurraren ihesaldia eta ametsaren aukera? Pista ederra da ikustea Dimitri Shostakovitxek erabiltzen duen sasipalindromo edo bifrontea, alegia, eskubitik ezkerrera eta kontrako norabidean irakurrita hitz batek esanahi desberdiña duenean. “Sudurra” errusieraz <i>Hoc </i>(zirilikoz, “nos” ahozkatzen delarik) eta “ametsa” <i>Coh </i>(alfabeto beran, “son” ahozkatzen delarik). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Edozein kasuan <i>Nos </i>opera zoragarria da, distiratsua eta bizinahia. Opera honetan perkusioak eta metalek partiturari tinbre berezia ematen diote. Aldi berean, ahotsen erabilpena azkarra eta sutzailea da. Opera hau absurdoaren adibiderik nabarmena baina askoz gehiago delakoan nago; hemen umoreak eta birtuosismoak ere bere garrantzia bereganatzen dute. Zalantzarik gabe, arestian aipatzen genuen, XX. mendean zehar egindako operarik berezienetariko baten aurren gaudela ezin ukatu.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Gaurko hiru zati musikalak hauexek dira: lehenengoa, bigarren ekitaldiaren hasiera dugu. Sudurra alde eginda dago eta Kovalievek entzulegoari galdetzen dio ea poliziburua hortik dabilen. Komisaldegiko atezainak plateatik komisarioa ez dagoela erantzuten dio. (1) <span style="background-color: white;"><i>U sebya politsmeyster?</i> (Ba al dago hortik poliziburua?).</span><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div style="text-align: center;">
<object height="36" width="470"><param value="http://www.divshare.com/flash/audio_embed?data=YTo2OntzOjU6ImFwaUlkIjtzOjE6IjQiO3M6NjoiZmlsZUlkIjtzOjg6IjI1MTM5MDE2IjtzOjQ6ImNvZGUiO3M6MTI6IjI1MTM5MDE2LWU4NCI7czo2OiJ1c2VySWQiO3M6NzoiMjU2ODUxNyI7czoxMjoiZXh0ZXJuYWxDYWxsIjtpOjE7czo0OiJ0aW1lIjtpOjEzOTIxNDc5MjQ7fQ==&autoplay=default" name="movie"></param>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br /></span>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;">Bigarren zatian komisarioak Kovaliovi sudurra aurkitu duela
iragartzen dio. Poliziburua pozik dago bere lana ongi bete duelako eta ezin du saihestu
umorez historioa kontatzea. Kovaliovek bere sudurra identifikatzen du.
Elkarrizketa hau Shostakovitxek erabiltzen duen estiloaren adibiderik nabarmena
da: ahotsak tentsio iraunkorrean, umorea, elkarrizketa absurdoak, eta abar. (2)
<i>Zdes li zhivet kollezhkiy asesor Kovalev?</i> (Bizi al da hemen Kovaliev asesorea?)<o:p></o:p></span></div>
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;">Amaitzeko operaren azken eszena: Kovaliov esnatu da eta ohiko goizeko paseoari ekiten dio. Pozik dago, bere sudurra dagokion lekuan baitago eta Nevsky Etorbidean zehar bizilagun desberdinekin hitzegingo du. Podtochina andereak bere alabarekin ezkontzea proposatzen dio baina Platon Kovaleievek oso argi du: ezkondu? Inolaz ere ez!! (3) <i>Zdravstvuyte, Platon Kuzmich!</i> (Egun ona izan, Platon Kuzmitx).<o:p></o:p></span><br />
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<object height="36" width="470"><param value="http://www.divshare.com/flash/audio_embed?data=YTo2OntzOjU6ImFwaUlkIjtzOjE6IjQiO3M6NjoiZmlsZUlkIjtzOjg6IjI1MTM5MDMzIjtzOjQ6ImNvZGUiO3M6MTI6IjI1MTM5MDMzLTI4OSI7czo2OiJ1c2VySWQiO3M6NzoiMjU2ODUxNyI7czoxMjoiZXh0ZXJuYWxDYWxsIjtpOjE7czo0OiJ0aW1lIjtpOjEzOTIxNDc5OTI7fQ==&autoplay=default" name="movie"></param>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;">Bertsioa: Dimitri Shostakovitxen <i>Nos </i>(1930), Eduard Akimov
(Platon Kovaliov, baritonoa), Valery Belikh (bizargaina, baxua), Alexander
Lomonosov (sudurra, tenorea), Boris Tarkhov (komisarioa, tenorea), Moskuko
Ganbara Antzokiko Abebatza eta Orkestra, Gennady Rozhdestvensky (zuzendaria).<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3PVabPpJ5SSlhqWFv0v5-AfHCIAXNmZ4FYfEKaIa7O8ntvRFSa_H2e80Xx4I5asune7rDa1JdPSc6oQRtb6WD9KPJo7KouxFyFONcP2dx9Pavx9Mbo-KVYoVY6I90HtcyExqerBV1qjvg/s1600/dmitri-shostakovich-06.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3PVabPpJ5SSlhqWFv0v5-AfHCIAXNmZ4FYfEKaIa7O8ntvRFSa_H2e80Xx4I5asune7rDa1JdPSc6oQRtb6WD9KPJo7KouxFyFONcP2dx9Pavx9Mbo-KVYoVY6I90HtcyExqerBV1qjvg/s1600/dmitri-shostakovich-06.jpg" height="222" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pocas óperas más originales que <i>Nos </i>(La nariz). Dimitri Shostakovich amaba el teatro y, al mismo tiempo, era un músico brillante; por ello, la ópera protagonista de hoy, <i>Nos</i>, es uno de los ejemplos más significativos de la ópera del siglo XX donde el absurdo está presente de forma evidente. </div>
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<br /></div>
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¿Qué haríamos nosotros mismos si una mañana, nada más despertar, advirtiéramos que nuestra nariz nos ha abandonado? Es evidente que la situación planteada está fuera de toda lógica y en ello reside el encanto de la obra: Platon Kovaliov nota la ausencia de su nariz e inmediatamente comienza una frenética búsqueda. La nariz ha aparecido en un bocadillo del barbero de Kovaliov pero la nariz se mueve rápidamente y no parece fácil poder atraparla.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por si esto fuera poco la nariz va adquiriendo personalidad y se niega a admitir que su futuro esté ligado a permanecer por siempre pegada a una cara; la nariz piensa que merece mucho más y anda a la fuga. Finalmente una patrulla de policía rodea a la nariz en la estación de autobuses y, tras atraparla, es complicado colocarla en el sitio que le corresponde. ¿Está todo motivado por algún embrujo?</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Platon Kovaliov se despierta en su cama y la nariz está en su sitio. Acude a su barbero y da comienzo a un día normal. No hay problemas. ¿Ha sido todo un sueño? ¿Cómo se unen las ideas de la huida de la nariz con la posibilidad de que todo sea un sueño? En realidad estamos ante un pseudopalíndromo o bifronte, es decir, al artificio lingüístico que consiste en que una palabra tenga un sentido leída de izquierda a derecha y otro diferente en sentido contrario. Así, “nariz” en ruso se escribe –en cirílico- <i>Hoc </i>(dígase “nos”) mientras que <i>Coh </i>–en el mismo alfabeto- se pronuncia “son” y quiere decir “sueño”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En cualquier caso <i>Nos </i>es una ópera maravillosa, brillante y vitalista. En esta obra la percusión y los metales otorgan a la partitura un timbre especial. Al mismo tiempo señalar el uso inteligente y fogoso de la voz. Es esta ópera el ejemplo más adecuado de ópera del absurdo pero también es bastante más: humor y virtuosismo también están presentes. Tal y como decíamos al comienzo de la presentación esta es una de las óperas más especiales del siglo XX.<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;">Presentemos los tres fragmentos musicales de hoy: el primero es el inicio del segundo acto. La nariz ha escapado y Kovaliov, dirigiéndose al público presente en platea, pregunta por el comisario de policía. El conserje de la comisaría le responde desde el público que el comisario no está presente. (1) <i>U sebya politsmeyster?</i> (¿Está por ahí el comisario?).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;">En el segundo fragmento le anuncian a Kovaliov el hallazgo de su nariz. El comisario está satisfecho y no puede evitar cierta dosis de humos al relatar cómo se ha encontrado la nariz, ya identificada por Kovaliov. Esta conversación es buen ejemplo del estilo de Shostakovich, especialmente por el uso de la voz, en tensión permanente, con humor, diálogos absurdos, etc. (2) <i>Zdes li zhivet kollezhkiy asesor Kovalev?</i> (¿Vive aquí el asesor Kovaliev?).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;">Para finalizar, la escena final de la ópera: Kovaliov se ha despertado y da inicio al habitual paseo matutino. Está contento y con la nariz en su sitio mientras pasea por la Avenida Nevsky, hablando con distintos vecinos. La señora Podtochina le ofrece casarse con su hija pero Platon Kovaliev tiene clara su respuesta: ¿Casarse? ¡Nunca! (3) <i>Zdravstvuyte, Platon Kuzmich! </i>(Tenga buen día, Platon Kuzmich).<o:p></o:p></span></div>
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<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><br />
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial;"><u>Versión</u>: <i>Nos</i>, de Dimitri Shostakovitxen (1930), Eduard Akimov (Platon Kovaliov, baritono), Valery Belikh (barbero, bajo), Alexander Lomonosov (la nariz, tenor), Boris Tarkhov (comisario, tenor), Coro y Orquesta del Teatro de Cámara, de Moscu, Gennady Rozhdestvensky (dirección musical).</span></div>
<br />
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Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-87350026464521684992014-02-04T15:58:00.001+01:002014-02-04T16:14:08.344+01:00Teatro Real: Brokeback Mountain (Charles Wuorinen)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="http://static.chueca.com/image/6/5/26365_brokeback-mountain-en-el-teatro-real.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://static.chueca.com/image/6/5/26365_brokeback-mountain-en-el-teatro-real.jpg" height="122" width="320" /></a></div>
<br /></div>
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<br /></div>
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Mundu mailako estreinaldi baten lekukoa izatea ez da egunero gertatzen den gauza bat. Gainera proposatzen den izenburua ezaguna baldin bada eta bere egilea izen handiko konpositorea baldin bada, ez dut uste arrazoi asko behar direnik opera antzokiraino joateko. Hau da aste honetan Madrilgo Teatro Realean bizi izan dugun esperientzia, Charles Wuorinen konpositore estatubatuarrak egindako <i>Brokeback Mountain</i> (Brokeback mendia) operaren estreinaldia proposatu, kudeatu eta lortu egin baitzuen antzoki honen zuzendariak, <b>Gerard Mortier</b>ek. Operaren mundu zabal osoak bere begiak obra honen gainean jarri ditu aste honetan eta hona inpresioak kontatzera natorkizue.</div>
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<br /></div>
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Gaur egun <i>Brokebak Mountain</i> izenburua ezaguna baldin bada da bere momentuan Ang Leek egindako filmak (2005) arrakasta itzela lortu zuelako. Bion arte lanen aurrekaria Annie Proulxek egindako izenburu bereko eleberri laburra da non bi behizainek mendiaren bakardadean amodiozko harremana gauzatuko duten. Zer behizaina baino gizonezkoarenagoa? Horrela arketipoak txikitu egiten ditugu.</div>
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<br /></div>
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Neure ustetan arteen arteko lehia interesgarria da, bakoitzak oinarri berbera izanda bere hizkuntza propioa duelako, arte bakoitzak ikuspuntu desberdin batetik aurre egin diezaiokeelako istoriari. Onartu behar dut filma orain dela aste pare bat besterik ez nuela ezagutu eta hori eta gero irrikitan nengoen ikusteko ea zer nolako egitura emango zion Charles Wuorinenek bi gizonen arteko amodiozko harremanari. Emaitza gazigozoa dela ondorioztatzen dut.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ezinezkoa da gaurdanik opera honek zer nolako etorkizuna izango duen aurreikustea. Azkar usteko askok opera honen porrota iragarri dute behin entzun eta berehala (beste batzuk, azkarragoak, entzun baino lehenago holako iragarpena egin zuten, noski) baina ni ez naiz hainbesterako ausartzen. Nik uste dut <i>Brokeback Mountain</i>ek badituela ezaugarri interesgarri batzuk eta hutsuneak ere eta entzuleok eta denbora bera izango garela opera honi etorkizuna emango diogun ala ez.</div>
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Ezaugarri interesgarriak aipatzerakoan konplexurik gabeko maitasunaren aldarrikapena dela nabarmenduko nuke, gaurko gizartearen argazki erreala izatea izan daitezkeelarik. Homosexualeen eskubideak direla eta ezin ukatu aurrerapausu nabarmenak eman direla azken hamarkadetan baina ez dezagun iparra galdu: oraindik asko eta asko egiteke dago eta homofobia eta baztekerta soziala indarrean mantentzen direla kontutan hartu behar dugu. Are gehiago gizarte batzutan non balore “tradizionalek” (alegia, atzerakoaiak) eta erlijioak oraindik izugarrizko indarra daukaten.</div>
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<br /></div>
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Hutsune nabarmenena bere alde dramatiko eza dela pentsatzen dut. Azken eszena izan ezik non Ennis del Marek bere amaigabeko minari askatasun osoa ematen dion badirudi Charles Wuorinen entzulea ez hunkitzen saiatzen dela. </div>
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Abeslariei dagokienez azpimarratu nahi dut <b>Daniel Okulitch</b>en lana (Ennis del Mar), baxu-baritono adierazkorra, bere ahotsa handiegia ez izan arren. Ez zen makala ere <b>Tom Randle</b>n partehartzea (Jack Twist) eta biok ahalegin bereziak egin zituzten bere harremanari sinisgarritasuna emateko asmoz.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Beste abots guztien artean nik <b>Ryan MacPherson</b> (Jacken aita), <b>Hilary Summers</b> (tabernaria) eta <b>Hannah Esther Minutillo</b> (Lureen) azpimarratuko nituzke guztien gainetik. Eta proposamen eszenikoa nahiko ohikoa iruditu zitzaidan; egokiagoa eskenatokia biluzik zegoenean (mendi amaigabea, bideoaren bidez eskeinitiako irudietan oinarriturik), apartamentuen logelak irudikatzen zirenean baino. Eta bikaina <b>Titus Engel</b> zuzendaritza musikalean eta antzokiko talde iraunkorren lana.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Brokeback Mountain</i>ek zer nolako etorkizuna izango duen ez naiz ausartzen esatera baina estreinaldia ikustea, bizitzea, esperientzia atsegiña izan zela argi dut. Kronika hau osatzeko antzokiak berak opera honen protagonistekin egindako bideoa uzten dizuet. </div>
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<br /></div>
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<u><br /></u>
<u>Fitxa teknikoa</u>: Charles Wuorinenen <i>Brokeback Mountain</i> (2014), Daniel Okulitsch (Ennis del Mar, baxua), Tom Randle (Jack Twist, tenorea), Heather Buck (Alma del Mar, sopranoa), Hannah Esther Minutillo (Lureen, mezzosopranoa), Ethan Herschenfeld (Agirre, baxua), Celia Alcedo (Almaren ama, sopranoa), Ryan MacPherson, (Jacken aita, tenorea), Jane Henschel (Jacken ama, mezzosopranoa), Hilary Summers (tabernaria, kontraltoa), Letitia Singleton (saltzailea, mezzosopranoa), Madrilgo Teatro Realeko Abesbatza eta Orkestra, Titus Engel (zuzendaria). Madril, 2014ko otsailaren 1a.<br />
<br />
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<a href="http://www.docenotas.com/files/2013/10/113102013_brokbackmountain.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.docenotas.com/files/2013/10/113102013_brokbackmountain.jpg" height="177" width="320" /></a></div>
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Ser testigo de un estreno de carácter mundial no es algo que se viva todos los días. Y si además el título propuesto es conocido y el compositor es de cierto renombre internacional no creo que hagan falta demasiadas excusas para ir al teatro. Esto es la experiencia que vive estas semanas en el Teatro Real, de Madrid con motivo del estreno de la ópera del compositor estadounidense Charles Wuorinen <i>Brokeback Mountain</i> (Monte Brokeback) que ha propuesto, gestionado y presentado el gestor del mismo, <b>Gerard Mortier</b>. Todo el mundo operístico ha dirigido su mirada a Madrid con motivo del estreno y aquí os traigo mis impresiones.<br />
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El título <i>Brokeback Mountain</i> es hoy conocido por la versión cinematográfica realizada por Ang Lee (2005), que obtuvo enorme repercusión. El precedente de las dos obras artísticas es el relato breve homónimo de Annie Prouxl en el que relata la relación amorosa entre dos vaqueros, apartados en la soledad de la montaña. ¿Qué más masculino que el vaquero? El arquetipo queda así destruido.<br />
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En mi opinión creo interesante observar como cada arte, desde sus distintas premisas aborda un mismo material para ofrecer resultados dispares y ambos muy interesantes. He de reconocer que la película la conocí apenas días antes del estreno de la ópera y por ello estaba expectante ante la posibilidad de conocer cómo Charles Wuorinen daría forma a la historia de amor entre los dos protagonistas. Finalmente el resultado me ha dejado un sabor agridulce.<br />
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Es imposible a día de hoy saber qué futuro espera a este título. Algunos listillos ya han vaticinado un rotundo fracaso para la obra tras el estreno (algunos, aun más listos, lo hicieron antes del mismo) pero u servidor no se atreve a tanto. Creo que <i>Brokeback Mountain</i> tiene virtudes y carencias y que el público y el tiempo dictaran sentencia en su momento.<br />
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Entre las virtudes yo señalaría el abordar sin complejo alguno la reivindicación del amor al mismo tiempo que el retratar a una parte significativa de la sociedad –más o menos- actual. Es indudable que en la lucha por los derechos de los homosexuales se han dado pasos de gigante en las últimas décadas, tan evidente como que todavía queda mucho por hacer pues la homofobia y el rechazo social aun persisten, especialmente en aquellas sociedades “tradicionales” (es decir, retrógradas) y en las que la religión aun juega un papel predominante. <br />
<br /></div>
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Entre las carencias yo resaltaría la falta de pulso dramático. Con excepción de la última escena en la que Ennis del Mar da rienda suelta a su infinito dolor, en el resto pareciera que Charles Wuorinen quisiera mitigar su propia capacidad de emocionar al oyente. <br />
<br /></div>
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Por lo que a los cantantes se refiere resaltar la voz de <b>Daniel Okulitch</b> (Ennis del Mar), bajo-barítono expresivo aunque de expansión vocal limitada. Nada despreciable la labor de <b>Tom Randle </b>(Jack Twist) y a destacar el intento de ambos de dotar a su relación amorosa de la credibilidad necesaria.<br />
<br /></div>
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Entre el resto de las voces quiero subrayar el valor de las de <b>Ryan MacPherson</b> (padre de Jack), <b>Hilary Summers</b> (tabernera) y <b>Hannah Esther Minutillo </b>(Lureen). Y por lo que a la propuesta escénica se refiere he preferido, dentro de su convencionalidad, la parte dele scenario desnudo, simbolizando la inmensidad de las montañas que la parte del os apartamentos y dormitorios. Sobresalientes las prestaciones del director, <b>Titus Engel</b> y los cuerpos estables del teatro.<br />
<br /></div>
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Desconozco qué futuro aguarda a <i>Brokeback Mountain</i> pero vivir la experiencia de ver el estreno ha suido muy agradable. Como complemento a este comentario os dejo arriba un vídeo de presentación de la ópera elaborado por el mismo teatro.<br />
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<u>Ficha técnica</u>: <i>Brokeback Mountain</i>, de Charles Wuorinen (2014), Daniel Okulitsch (Ennis del Mar, bajo), Tom Randle (Jack Twist, tenor), Heather Buck (Alma del Mar, soprano), Hannah Esther Minutillo (Lureen, mezzosoprano), Ethan Herschenfeld (Agirre, bajo), Celia Alcedo (madre de Alma, soprano), Ryan MacPherson, (padre de Jack, tenor), Jane Henschel (madre de Jack, mezzosoprano), Hilary Summers (tabernera, contralto), Letitia Singleton (vendedora, mezzosoprano), Coro y Orquesta del Teatro Real, de Madrid, Titus Engel (dirección musical). Madrid, 1 de febrero de 2014. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-72239116800316156462014-01-26T14:46:00.002+01:002014-01-26T14:51:13.827+01:00Euskalduna: Adriana Lecouvreur (Francesco Cilea)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.beckmesser.com/wp-content/uploads/2014/01/ADRIANA-LECOUVREUR.-ABAO_page5_image3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.beckmesser.com/wp-content/uploads/2014/01/ADRIANA-LECOUVREUR.-ABAO_page5_image3.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ia mende laurdena pasa eta gero
<i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Adriana%20Lecouvreur">Adriana Lecouvreur</a></i> Bilbora itzuli egin zen. Azken aldian 1992. urtean izan zen
eta orduan protagonistak Mirella Freni, Jaume Aragall eta Carlos Chausson izan
ziren. Zorionez hango emanaldien lekukoa izan nintzen. Orain izen bakar batek
guztion arreta bereganatzen zuen, <b>Ainhoa Arteta</b>rena hain zuzen ere. Arteta ez
da Freni baina bere lehen Adriana entzun eta gero ez dut uste abeslari askok
berak emandako maila eskuratzeko gaitasun nahikorik izango dutenik. Arazoa da
opera honek ere, sopranoaren inguruan antolatuta egon arren, Saxoniako Maurizio
papera abesteko lehen mailako tenorea eskatzen duela eta, kasu honetan, Bruno
Riberiro portulgaldarra oso urrun gelditu zen, zoritxarrez.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Emanaldi hauekin Ainhoa Artetak Adrianaren
pertsonaia debutatu egin du eta lojikoa da pentsatzea etorkizunean rol honen
ezaugarri eta xehetasun guztiak bereganatuko dituela, alegia, oraindik eraikitze-prozesuan
murgilduta dagoela eta eskuzabaltasunez aztertu behar dela bere interpretazioa
baina esan dezagun gauaren unerik interesgarrienak berak eskeini zizkigula,
zalantza barik. Tesituragatik askoz erosoagoa dago lehendabiziko bi
ekitaldietan eta, beharbada bere <i>Io son l’umille ancella</i> interpretazioaren unerik
ederrena izan zen. Hirugarren ekitaldian Fedraren monologoari ekin zion eta
nahiz eta kritika batzuk egon niri bere deklamazioa nahiko onargarria iruditu
zitzaidan. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Arazoak sortzen dira laugarren
ekitaldian, non tesitura grabeagoa den eta Artetaren mugak ageriak gelditzen
diren. Hala ere, gau bikaina borobildu zuen soprano tolosarrak eta etorkizunean
Ainhoa Arteta Adriana aipagarria izan daitekelakoan nago.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zoritxarrez <b>Bruno Ribeiro</b>ren
maila beste bat da. Agudoetan baditu notak argi eta indartsu batzuk baina
orohar bere kantua nahiko mugatua da: afinazioarekin arazo bat baino gehiago
izan zuen eta fraseo ere nahiko baldarra iruditu zitzaidan. Berriz, <b>Luciana
D’Intino</b>k (Bouillongo printzesa) eta bereziki <b>Luca Salsi</b>k (Michonnet) ederki
bete zuten bere parteak eta entzuleen txaloak eskuratu zituzten. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Paper txikien artean <b>Francisco
Vas</b>en partehartzea nabarmendu nahi dut, bai aktore bikaina delako bai bere
kantua egokia eta zintzoa delako; berriz, <b>Stefano Palatchi</b>rena zaila da
ulertzea. Ahotsa ez da zabaltzen eta tinbrea indargabetuta dago erabat.
Amaitzeko, Komedia Frantsesaren lau aktorek lan txukuna egin zuten.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hirugarren ekitaldian <b>Igor Yebra</b>
dantzariaren partehartzea iragartzen zen eta neuretzat nahiko pobrea izan zen,
bere dantzaldia eskasa eta ohikeriazkoagatik. Berriz <b>Fabrizio Carminati</b>
zuzendariak Bilboko Orkestra Sinfonikotik soinu ederra eta abeslariekiko oreka
txalogarria lortu zuen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Lorenzo Mariani</b>k eszena
proposamena egiten zuen eta neure ustez imajinazio eza besterik ez zigun erakutsi.
Lehen ekitaldian egurrezko egitura batzuk mugitzen ziren espazio desberdinak
sortzeko baina proposamena ez zen oso eraginkorra. Eszenak molestatu zuen? Bere
ekarpena estimagarria izan da? Ezetz bikoitza.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hala ere pozgarria izan da
ezohiko izenburu hau berriro Bilboko denboraldiaren barruan entzuteko aukera
izatea. Ez daitezela pasa beste hogeitabost urte hurrengo <i>Adriana Lecouvreur</i>
entzuteko!</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Fitxa teknikoa</u>: Francesco
Cilearen <i>Adriana Lecouvreur</i> (1902), Ainhoa Arteta (Adriana Lecouvreur,
sopranoa), Bruno Ribeiro (Maurizio, tenorea), Luciana D’Intino (Bouillongo
Printzesa, mezzosopranoa), Luca Salsi (Michonnet, baritonoa), Stefano Palatchi
(Bouillongo Printzea, baxua), Francisco Vas (Chazeuilko abadea, tenorea), Marta
Ubieta (Jouvenot, sopranoa), Nuria Lorenzo (Dangeville, mezzosopranoa), Miguel
Ángel Arias (Quinault, baxua), Manuel de Diego (Poisson, tenorea), Bilboko
Operaren Abesbatza, Bilboko Orkestra Sinfonikoa, Fabrizio Carminati
(zuzendaria). Bilbo, 2014ko urtarrilaren 21a.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.abao.org/es/temporada/eventos/cartel_evento_585.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.abao.org/es/temporada/eventos/cartel_evento_585.jpg" height="189" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pasado casi un cuarto de siglo
desde su última representación, <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Adriana%20Lecouvreur">Adriana Lecouvreur</a></i> retornó a Bilbao. La última
ocasión, que tuve la fortuna de presenciar en directo, fue en 1992, con el
protagonismo de Mirella Freni, Jaume Aragall y Carlos Chausson y en esta
ocasión toda la atención giraba en torno a la actuación de <b>Ainhoa Arteta</b>. Ella
no es Mirella Freni pero pongo en duda que haya muchas sopranos capaces de
alcanzar el nivel logrado por Arteta en este papel. El problema es que siendo
esta una ópera que gira en torno a la soprano, requiere así mismo de un tenor
solvente para cantar el Maurizio de Sajonia y en este caso el portugués Bruno
Ribeiro estuvo lejos de cumplir lo requerido por el personaje.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ainhoa Arteta ha debutado con estas funciones el
papel de Adriana y ello hay que tenerlo en cuenta pues cabe deducir que, con el
tiempo, irá dotando al personaje de mayor consistencia dramática y más aprecio
por el matiz, construyendo así el personaje complejo que es. De todas formas
quiero señalar que ella nos aportó los momentos más interesantes de la velada,
sin duda alguna. Por la tesitura, Arteta estuvo más cómoda en los dos primeros
actos y su versión de <i>Io son l’umille ancella</i> fue el momento álgido de la
noche. En el tercer acto salvó el monólogo de Fedra con cierta solvencia y su
declamación me pareció acertada a pesar
de las críticas recibidas en distintos medios de comunicación. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Los problemas surgen en el acto
cuarto donde la gravedad de la tesitura deja en evidencia los límites de la
soprano. De todas formas cabe concluir que la tolosarra nos ofreció una Adriana
de altura y que, en el futuro, puede llegar a ser referencia obligada en este
papel.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por desgracia el portugués <b>Bruno
Ribeiro</b> está a otro nivel. Los agudos pueden ser brillantes y sonoros pero la
línea de canto es limitada, con un fraseo torpe y aprecié problemas con la
afinación en más de un momento. Notables <b>Lucia D’Intino</b> (princesa de Bouillon),
que dio empaque a su papel y sobre todo <b>Luca Salsi</b> (Michonnet), que brilló con
un personaje con los pies en el suelo, recibiendo los cálidos aplausos del
público.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En los papeles más breves
sobresalió <b>Francisco Vas</b>, enorme actor y solvente tenor con canto de enorme
dignidad mientras que lo de <b>Stefano Palatchi</b> es difícil de entender. La voz no
llega a la sala y queda un timbre pobre, sin brillo alguno. Finalmente los
cuatro actores de la Comedia Francesa cumplieron sobradamente su parte.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el acto tercero <b>Igor Yebra</b>
asumió la parte danzable y quiero señalar que me pareció una propuesta
realmente pobre y rutinaria. Sin embargo <b>Fabrizio Carminati</b>, director, fue una
sorpresa al conseguir de la Sinfónica de Bilbao un sonido brillante y justo
equilibrio entre planos orquestal y vocal. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La propuesta escénica es de
<b>Lorenzo Mariani,</b> que en mi opinión solo mostró falta de imaginación. Así con
unas estructuras de madera se querían crear espacios pero todo parecía
insustancial. ¿La escena molestaba? ¿Aportaba alguna novedad? Doble negativa.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Conste, de todas formas, que ha
sido una suerte poder disfrutar de esta ópera tras tantos años de ausencia y
deseo que no hayan de pasar otros
veinticinco años hasta que nos llegue la próxima <i>Adriana Lecouvreur</i>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Ficha técnica:</u> <i>Adriana
Lecouvreur</i>, de Francesco Cilea (1902), Ainhoa Arteta (Adriana Lecouvreur,
soprano), Bruno Ribeiro (Maurizio, tenor), Luciana D’Intino (princesa de
Bouillon, mezzosoprano), Luca Salsi (Michonnet, barítono), Stefano Palatchi
(príncipe de Bouillon, bajo), Francisco Vas (abad de Chazeuil, tenor), Marta
Ubieta (Jouvenot, soprano), Nuria Lorenzo (Dangeville, mezzosoprano), Miguel
Ángel Arias (Quinault, bajo), Manuel de Diego (Poisson, tenor), Coro de la
Ópera de Bilbao, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Fabrizio Carminati (dirección
musical). Bilbao, 21 de enero de 2014.</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-89174560596326665682014-01-22T13:43:00.004+01:002014-02-03T08:58:52.995+01:00Sly<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f2/Libretto_Sly_1928.jpg/200px-Libretto_Sly_1928.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f2/Libretto_Sly_1928.jpg/200px-Libretto_Sly_1928.jpg" /></a></div>
<br />
<br />
Alexander von Zemlinskyren <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Der%20Zwerg">Der Zwerg</a></i> (Ipotxa) aurkeztu genuenean “patetismoa” kontzeptua behin eta berriz aipatu genuen, opera honek ederki lantzen baitu gai hau eta, neure ustetan, entzulea emoziozko mundu batean sartuarazten du, errukia sentitu arte. Opera honek ere badu musika zoragarria eta horregatik azken urtetan izan duen berpiztea uler daiteke. Beste maila batean bada ere gai berbera jorratzen du gaurko operak, Ermanno Wolf-Ferrariren <i>Sly</i>k.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Sly </i>txantxa erraldoi baten historia da. Ingalaterrako taberna batean jende asko bildu da eta alkohola nagusitzen da Dolly agertu arte. Emakume zoragarri honek gizon guztion arreta berehala lortzen du. Beranduago, Sly pozik sartuko da tabernan diru pixka bat eskuratu duelako eta prest dago jadanik tabernan bertan gastatzeko, zorretan itota egon arren. Horregatik bere aurkako atxilotzeko agindua zabalduta dago. Lehen ekitaldi honetan protagonista nagusiak herritar xumeen alaitasuna eta arduragabetasuna dira, alegia, bakarlariek kolektiboari lekua uzten diote eta Wolf-Ferrarik Londreseko taberna arrunt baten bizitza deskribatzen digu non gehienak txiroak diren. Hemen Sly bere saltsan dago.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Taberna honetan jadanik Westmorelandeko Kontea dago: beste gizarte-klase, beste egoera ekonomikoa,… Kontea taberna honetan bere eremu naturaletik at dago baina bere helburua bere “jabetza” zaintzea da, Dolly neska ederra hain zuzen ere. Sly txundituta gelditzen da Dollyren edertasunaren aurrean baina gehiegi edaten ari da. Kontea, egoeraz jabeturik, bere txantxa erraldoia bezain krudela prestatzen hasiko da. Konteak Sly loaraziko du eta agindu zehatzak emango dizkie bere morroiei: eraman dezatela Sly bere gazteluraino, berataz burla egiteko aukera izateko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bigarren ekitaldian Sly kontearen gazteluan esnatuko da eta hango zerbitzariek berak ikusten dituen gauza guztien jabea dela sinistaraziko diote. Dollyk ere gauza bera esango dio eta azkenik Slyk, erabat gaindituta sinistu egingo du dena. Orain aberatsa, boteretsua eta, garrantzitsuena, Dollyren jabea da. Dolly eta biak maitasunaren besotan eroriko dira, Sly engainatuta dagoela ulertu arte. Hortik aurrera gaztearen beherakada gauzatuko da.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Kontearen lagunek burla egiten diote Dolly Slyrekiko errukia eskatzen duen bitartean. Beranduegi da. Sly penaz hilko da, Dolly erruduna sentituko da eta kupidarik gabeko konteak bere “jabetza” galduko du. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Entzun ditzagun gaurko hiru zati musikalak. Lehenengoan konteak Slyri aurreko egunean egindakoa gogora dezala eskatzen dio, kontearen benetako asmoa Slyk bere txantxa krudela sinistu egin duela konfirmatzea izan arren, besterik ez. <span lang="EN-US">(1) <i>Versucht, Euch des Vergangenen zu erinnern</i> (Ea, saiatu egindakoa gogoratzen).</span><br />
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
<div style="text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Bigarren zatian Dolly eta Slyren arteko maitasunezko duoa daukagu. </span>Slyren zintzotasunak Dolly gainditu egin du eta neska guztion, eta bereziki, kontearen krudelkeriaz ohartu egiten da. (2) <i>Welches tiefe Erbarmen will sich regen?</i> (Gupida al da sentitzen dudana?).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Amaitzeko, operaren azken eszena. Sly Dolly damutuaren besotartean hilko da eta Dollyren sentimentuak areagotu egingo dira. Bera ezinbesteko tresna izan da kontearen burla aurrera eraman ahal izateko baina Slyren izaera garailea suertatu da. Bere buruari zergatiak galdetzen amaitzen du opera hau Dollyk. (3) Sly, oh sag es (Sly, esaidazu).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Ermanno Wolf-Ferrariren <i>Sly </i>(1927), Hans-Dieter Bader (Sly, tenorea), Deborah Polaski (Dolly, sopranoa), Klaus Michael Reeh (Westmorelandeko kontea, baritonoa), Hannovereko Operaren Orkestra, Robert Maxym (zuzendaria).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Ermanno_Wolf-Ferrari_1906.jpg/220px-Ermanno_Wolf-Ferrari_1906.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Ermanno_Wolf-Ferrari_1906.jpg/220px-Ermanno_Wolf-Ferrari_1906.jpg" height="320" width="215" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Cuando presentamos <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Der%20Zwerg">Der Zwerg</a></i> (El enano), de Aldexander von Zemlinsky hablamos reiteradamente de patetismo, asunto que esta obra trata con enorme maestría hasta introducir al oyente, en mi opinión, en un mundo de emociones, cuestión que ha podido ser clave para el actual renacimiento de la misma. A otro nivel pero con temática similar tenemos la ópera de hoy, <i>Sly</i>, de Ermanno Wolf-Ferrari.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Sly </i>es la historia de una broma enorme. En una típica taberna inglesa se han reunido decenas de personas donde el alcohol es el rey absoluto… hasta que aparece Dolly, una joven muy hermosa. Ella será capaz de centrar la atención de todos los hombres de la taberna. Más tarde aparecerá Sly, contento por disponer de unas pocas monedas que gastar en la taberna aunque Sly esté ahogado por las deudas y pese contra él una orden de detención por esa misma razón. En este primer acto el colectivo asume el protagonismo, la alegría y la inconsciencia de los bebedores, describiendo Wolf-Ferrari una escena típica de una taberna londinense en la que gente modesta es habitual. Aquí Sly está en su salsa. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En la misma taberna también se encuentra el Conde de Westmoreland: otra clase social, otra situación económica,… y así el conde es quien está fuera de su hábitat natural aunque la razón de su presencia no sea sino cuidar a quien es de su “propiedad”, la bella Dolly. Sly está asombrado por la belleza de la joven pero está bebiendo demasiado. El conde, viendo la situación, prepara la enorme y cruel burla. Sly caerá dormido, momento en el que el conde ordenará a sus servidores le trasladen hasta unos aposentos de su castillo para consumar sus intenciones. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo acto Sly despertará en sus nuevas habitaciones y será convencido de ser el dueño de todo lo que observa, jugando en ello Dolly un papel determinante. Nuestro protagonista está superado por la situación. Ahora es rico, poderoso y, lo que es más importante, es el nuevo dueño de Dolly. Ambos se entregan al amor hasta entender Sly el tamaño de la burla. Desde ese momento comenzará su bajada a los infiernos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Al final Dolly tratará de arrancar del conde y sus amigos una miga de piedad pero ya es demasiado tarde. Sly morirá de pena en sus brazos, Dolly es víctima de su sentimiento de culpa y el implacable conde perderá su preciada “propiedad”. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Escuchemos los tres fragmentos habituales. En el primero el conde trata de hacer recordar a Sly lo hecho la noche anterior aunque en última instancia su única intención es confirmar que el joven no recuerda nada. (1) <i>Versucht, Euch des Vergangenen zu erinnern</i> (Venga, trata de recordar lo que hiciste).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo corte escucharemos el dúo de amor entre Sly y Dolly. La bondad natural del joven ha superado a Dolly y esta trata de arrancar del conde y sus amigos cierta piedad. (2) <i>Welches tiefe Erbarmen will sich regen?</i> (¿Es compasión lo que siento?). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para terminar, la última escena de la ópera. Sly morirá en brazos de la arrepentida Dolly, acrecentándose su sentimiento de culpa. Ella ha sido instrumento imprescindible para consumar la burla pero finalmente Sly resulta triunfador. La ópera finaliza entre los porqués lanzados al aire de Dolly. (3) Sly, oh sag es (Sly, dime).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>Sly</i>, de Ermanno Wolf-Ferrari (1927), Hans-Dieter Bader (Sly, tenor), Deborah Polaski (Dolly, soprano), Klaus Michael Reeh (Conde de Westmoreland, barítono), Orquesta de la Ópera de Hannover, Robert Maxym (dirección musical).</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-80218038838131672202013-12-31T08:58:00.000+01:002013-12-31T08:58:27.770+01:00L'enfant et les sortilèges<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://media.paperblog.fr/i/569/5699471/festival-daix-provence-2012-lenfant-sortilege-T-HFR7Fn.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="http://media.paperblog.fr/i/569/5699471/festival-daix-provence-2012-lenfant-sortilege-T-HFR7Fn.jpeg" width="320" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Maurice Ravel lapurtarrak bi opera besterik ez zituen egin eta biak oso interesgarriak bezain laburrak dira. Gaur hona ekartzen duguna bere bigarrena da, <i>L’enfant et les sortilèges</i> (Umea eta sorginkeriak), historioa xinple xamar daukan balore handiko opera, bere musika xarmangarria baita.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Izenik gabeko ume batek bereganatzen du erabateko protagonismoa opera honetan. Ume hau normala da, edozein ume izan zitekeen eta edozein umek egingo lituzkeen gauzak egiten ditu, gaiztokeriak barne. Ez zaio gustatzen eskolako lanak egitea, beti aitzakia ezpainetan bere betebeharrak alboratzeko, bere gauzak ez ditu zaintzen, amarekin amaigabeko borrokan,… alegia, ume normal batek egiten dituen ohiko gauzak.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Amatxo haserre dabil umeak ez diolako kasu handirik egiten eta bere gelan uzten du, zigortuta, eskolako lanak amaitzeko helburuarekin baina umeak ez du inolako asmorik egiteko. Bapatean, umea gelan dagoenean, bere inguruko gauza guztiak bizidunak bihurtuko dira eta banan banan beraiekin egindako maltzurkeriak umeari leporatu dizkiote. Honen ondorioz, besteak beste, portzelanazko artzaiek, paretako erlojuak, kikarek, matematika liburuek, katuek, lorategiko zuhaitzek, burruntziak, saguzaharrak, igelek, urtxintxak eta abar luze batek jasandako maltzurkeri guztien kexak entzun beharko ditu umetxoak, egoerak umea gainditu arte. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera hau ipuin ederra da eta fantasia nagusitzen da. Dena mutikoaren irudimenean gertatzen da eta ikusiko dugu nola hasierako harrokeria eta erronkarako griña, pixkanaka, beldurra eta tolesgabetasuna izatera pasatuko diren. Berrogeita hamabost minutuko opera labur honen hasieran erakutsitako ausardia operaren amaieran babesa lortzeko amari egindako dei errugatzailea izango da zigortutako mutikoak elementu guztien aldetik bere krudelkeriagatik jasotako kritika eta gero.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera hau gazteentzat da? Nik ezetz esango nuke. Ravelek umea eta bere irudimena erabiltzen du, ameskeriaren munduan sartzen gaitu baina entzuleok nagusiak edo gazteak izanda, berdin goza dezakegu. Gainera opera honek izugarrizko eszena aukerak irekitzen ditu fantasiazko elementuekin jolastu ahal izateko. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hauek dira opera labur honetako aukeratutako ohikoak diren hiru zatiak. Lehendabizikoa operaren hasiera da. Ama kokoteraino dago bere semearen jarreragatik eta gelatik ez ateratzeko agintzen dio, bere eskolako lanak amaitu arte. Umeak ez du inolako asmorik hauek egiteko<br />
<br />
(1) <i>J'ai pas envie de faire ma page</i> (Ez dut nire ikasgaia ikasi nahi)<br />
<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
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</div>
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<br />
Bigarren zatia kanpoko lorategian gertatzen da. Umea jadanik beldurtuta dago eta lorategiruntz abiatu da, iheska, baina kanpoan ere susto ederrak izango ditu, besteak beste labanarekin berak zauritutako zuhaitzak egindako mozketak aurpegiratuko dizkiodalako. Umeak ezin du egoera jasan.<br />
<br />
(2) <i>Ah! Quelle joie de te retrover, jardin </i>(Ah, ze poza, berrizo zu aurkitzea, lorategi!)<br />
<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Amaitzeko, mutikoaren errendizioa. Gauza gehiegi, gaitzespen gehiegi, eta umeak hausnarketaren beharra sentitzen du. Gaizki portatu dela jabetuz, bere amari deia luzatzen dio, bere besotan bakea aurkitu nahian.<br />
<br />
(3) <i>Il est bon, l'enfant, il est sage</i> (Umea ona da, umea jakintsua da).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
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<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Maurice Ravelen <i>L’enfant et les sortilèges</i> (1925), Pamela Helen Stephen (umea, sopranoa), Anne Marie Owens (ama, mezzosopranoa), Robert Lloyd (zuhaitza, baxua), Londongo Orkestra Sinfonikoa, André Previn (zuzendaria).</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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El labortano Maurice Ravel solo compuso dos óperas, ambas tan interesantes como breves. La que hoy traemos aquí es <i>L’enfant et les sortilèges</i> (El niño y los sortilegios), ópera de historia simple pero con gran valor pues su música es realmente adorable. </div>
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<br /></div>
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Un niño innominado asume todo el protagonismo en esta obra. Es un niño normal, podría ser cualquiera que conozcamos y hace lo que es habitual en un jovencito, incluidas sus correspondientes barrabasadas. No le gusta hacer los deberes, siempre con la excusa a flor de labio para dejarlos para más tarde, en continuo conflicto con su madre,… es decir, las cosas normales de un niño normal. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Su madre está hasta el moño del pequeño y decide encerrarle en su habitación hasta que no termine sus trabajos de escuela, aun sabiendo que el chaval no tiene ninguna intención de obedecer. Ya encerrado, repentinamente el niño observa como todas las cosas que le rodean adquieren vida y como una a una comienzan a reprocharle todos los males imaginables. Así, entre otros los pastorcillos de porcelana, el reloj de pared, las tazas, el libro de matemáticas, los gatos, los árboles del jardín, las libélulas, murciélagos, ranas, ardillas y demás fauna le hacen saber sus amargas quejas por las fechorías del infante hasta hacer que este se derrumbe, arrepentido.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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La ópera, dominada por la fantasía, es hermosa. Podemos pensar que Ravel coloca la acción en la imaginación del chaval y veremos cómo este pasará de la chulería y ganas de bronca mostrada al comienzo de la obra a, paulatinamente, mostrar sus miedos y su intrínseca inocencia infantil. La valentía del inicio se convierte al final de la breve ópera (apenas cuarenta y cinco minutos) en llamada suplicante a la madre en busca de protección al entender el muchacho las quejas de las cosas que le rodean por su crueldad.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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¿Estamos ante una ópera infantil? Yo diría que no. Ravel utiliza a un niño como protagonista, además del mundo de los sueños pero la obra está dirigida a todos los públicos. Además, por su mismo planteamiento es una obra que deja amplia libertad para el diseño escénico al jugar con todos los elementos fantasiosos antes apuntados. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Presentamos a continuación los tres fragmentos musicales habituales. El primero es el comienzo de la ópera donde la madre muestra su hartazgo con su hijo y decide encerrarle en la habitación hasta terminar los deberes. El niño no tiene ninguna intención de hacerle caso (1) <i>J'ai pas envie de faire ma page</i> (No quiero aprender la lección).</div>
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<br /></div>
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El segundo corte musical ocurre en el jardín. El niño está asustado y abandona su habitación cuando de repente se sobresalta al escuchar los lamentos del árbol, que ha sufrido las heridas provocadas por os juegos del niño con su navaja. La situación se torna insostenible para el muchacho (2) <i>Ah! Quelle joie de te retrover, jardin</i> (¡Ah, qué alegria reencontrarte, jardín!).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para terminar, el final de la ópera con la rendición del joven. Demasiadas cosas, demasiados reproches y el niño va entendiendo qué ha pasado. Entonces llama a su madre dispuesto a encontrar la paz que le falta en sus brazos (3) <i>Il est bon, l'enfant, il est sage</i> (El niño es bueno, el niño es sabio).</div>
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<br /></div>
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<u>Versión</u>: <i>L’enfant et les sortilèges</i>, de Maurice Ravel (1925), Pamela Helen Stephen (niño, soprano), Anne Marie Owens (madre, mezzosoprano), Robert Lloyd (árbol, bajo), Orquesta Sinfónica de Londres, André Previn (dirección musical).</div>
<br />
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Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-54547020030246698232013-12-26T08:31:00.000+01:002013-12-29T15:25:36.818+01:00Wozzeck<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://a.images.blip.tv/Edoctum-WozzeckAlbanBerg406-602.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://a.images.blip.tv/Edoctum-WozzeckAlbanBerg406-602.jpg" /></a></div>
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<br /></div>
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XX. mendeko operaren munduak sinbolo esangutasua baldin badauka, hau Alban Bergen <i>Wozzeck </i>delakoan nago. Eta balizko irakurleari zera esan nahi diot: opera hau da, neretzat, aurreko mendean egindako izenbururik handiena. <i>Wozzeck</i>en aurrean ezin objektiboa izan; are gehiago, subjektibitatea aldarrikatzen dut opera honi buruz hitzegiteko orduan, pasioz idatzi ahal izateko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<i>Wozzeck </i>gaurkotasun handiko giza drama izugarria da. Horrela, gaur egun opera hau entzuten dudanean nik behintzat ezin dut burutik kendu zenbat Franz Wozzeck dabiltza gure inguruan gaurko egoera ekonomikoagatik, pobrezia pairatzen eta, honen ondorioz, giza oinarrizko baloreak galtzen. <i>Wozzeck</i>ek duintasunaren galeraz hitzegiten digu; eta duintasuna galduta, gizakiak aldapa beherantzeko norabidea hartu eta hor, iparrik gabe, edozein astakeria egiteko gauza da. Franz Wozzeck, zoritxarreko soldadu xehea, aldi berean biktima eta borreroa da, sistema zapaltzaile baten biktima eta sistema beragatik Borrero bihurtuta, Franzek Marie, bere emaztea, hil egingo du.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Wozzeck </i>sistema militaristaren aurkako kritika zorrotza da ere non piramidearen oinarrian dauden “tresnek” ez dute sistemaren aurrean inolako eskubiderik eta bakoitzaren nortasuna desagertarazi nahi du, hiltzeko makinak sortarazteko nahian. Franz Wozzeck ere proletargoaren adierazpena da, XIX. mendearen lehen erdian gizatasunari gabeko langileriaren ordezkaria, iraultzaren beharra duen langileriaren ordezkaria.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Hasieran <i>Wozzeck </i>ere sinbolo musikala dela genion, atonaltasunaren adibiderik nabarmena baita. Arnold Schönbergek utzitako erronka eutsi zion Alban Bergek eta sistema musikal atonala tresna zoragarria bilakatzen da konpositoreak adierazi nahi dituen sentimentuak gauzatzeko: miseria, zoramena, tragedia,… eta dena era bortitz batean azalduta, krudelkeria izkutatu gabe. Opera hiru ekitalditan egituratuta dago eta ekitaldi bakoitzak bost eszena ditu, bere eskeleto osoari itxura oso simetrikoa emanez.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Joan gaitezen opera honen hiru eszena entzutera eta ikustera. Lehendabiziko zatia operaren hasiera da. Franz, soldadua, bere kapitainaren morroia da eta bizarra kentzen dio. Kapitainak soldaduaren moral eza leporatzen dio Franz aita izan baita ezkonduta egon gabe. Wozzecken erantzuna argia da: txiroa eta bertutetsua izatea zaila da oso (1) <i>Wozzeck</i>en lehen ekitaldia, lehen eszena.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Eskeinitako hurrengo eszena hirugarren ekitaldiko bigarrena da. Marie eta Franz basotik paseatzen ari dira. Franz jeloskor dabil, itsututa. Orduan gauzatuko du burutik aspaldian zebilen ideia: bere emaztea hiltzea. Mariek, txirotasun gorritik ateratzeko aukera izango ez zuela onarturik lagunen “mesedeak” onartzea erabaki egin du eta Franzek ezin dio egoera berri honi aurre egin. Berarentzako ere duintasunaren galerak badu muga (2) <i>Wozzeck</i>en hirugarren ekitaldiko bigarren eszena.</div>
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<br />
<br />
Amaitzeko, operaren azken eszena. Oso opera gutxitan aurki daiteke holako amaiera tristea, kupidarik gabekoa. Franz eta Marie desagertu dira eta umea, izenik gabeko umea bakarrik dago munduan. Imajina dezakegu zer nolako etorkizuna izango duen mutikoak; beste Franz Wozzeck izateko aukera guztiak gizarteak ez baitu babestuko. Gizartearen bazterketa beste umeen jarreran ikusten dugu, nola burla egiten dioten bere gurasoak hil egin direlako, umetxoa, gertatuaz jabetzen ez baita, bere egurrezko zalditzoan jolasten duen bitartean. Etsigarria (3) <i>Wozzeck</i>en azken eszena.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br /></div>
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<br /></div>
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<u>Bertsioa</u>: Alban Bergen <i>Wozzeck </i>(1925), Toni Blankenheim (Wozzeck, baritonoa), Sena Jurinac (Marie, sopranoa), Gerhard Unger (kapitaina, tenorea), Hamburgoko Estatuko Orkestra Filarmonikoa, Bruno Maderna (zuzendaria).</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://ts3.mm.bing.net/th?id=H.4692433361371238&pid=15.1" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://ts3.mm.bing.net/th?id=H.4692433361371238&pid=15.1" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Si hay un título símbolo dentro de la ópera del siglo XX ésta es <i>Wozzeck</i>, de Alban Berg. Y quiero advertir al hipotético lector que un servidor no será imparcial con esta ópera: es, en mi opinión, la ópera más importante del siglo. Ante <i>Wozzeck </i>no quiero ser “objetivo”; más aun, reivindico mi subjetividad para reivindicar esta obra y escribir sobre ella con pasión. </div>
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<br /></div>
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<i>Wozzeck </i>es un drama humano de gran actualidad. Por ello, cuando hoy en día escucho esta ópera no puedo quitarme de la cabeza cuantos Franz Wozzeck irá construyendo a través de la pobreza la actual situación económica y, a cuenta de ella, por la pérdida de valores elementales. <i>Wozzeck </i>nos habla de lo que supone la pérdida de la dignidad y sin ésta, el ser humano comienza una cuesta abajo en la que, sin norte alguno, se presta a hacer cualquier cosa. Franz Wozzeck, un miserable soldado raso, es víctima y verdugo al mismo tiempo, víctima de un sistema opresor y convertido en verdugo por el mismo sistema, acabando por matar a su mujer, Marie.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<i>Wozzeck </i>es también una dura crítica al sistema militarista, sistema en el cual la base de la pirámide son simples “instrumentos” al servicio del mismo, sin derechos y a los que se trata de anular como personas para convertirlas en maquinas de matar. Franz Wozzeck es también representante del emergente proletariado del XIX, representante de una clase trabajadora deshumanizada y que necesitaba de una revolución para paliar su cruda situación.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Mencionaba al principio que <i>Wozzeck </i>es símbolo musical del XX ya que se trata de un ejemplo magnífico de la ópera atonal. Alban Berg asume el reto lanzado por Arnold Schönberg hasta convertir <i>Wozzeck </i>en ejemplo perfecto de la música atonal. El atonalismo se convierte en camino perfecto para expresar la miseria, la locura, la tragedia,… y todo ello de forma cruda, expresado sin paños calientes. La ópera está estructurada en tres actos, cada uno de ellos con cinco escenas, otorgando a la ópera un esqueleto simétrico.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pasemos a la escucha y visionado de tres fragmentos de la ópera. El primero recoge el inicio de la ópera: Franz, soldado humilde, tratado por su capitán como sirviente, le afeita la barba. El capitán se siente con el derecho de recriminar a Franz el haber tenido un hijo con Marie sin estar casados. La respuesta de Wozzeck es contundente: ser pobre y virtuoso es muy difícil (1) Acto primero, escena primera de <i>Wozzeck </i>(vídeo arriba).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La siguiente escena elegida es la segunda del tercer acto. Marie y Franz pasean por el bosque; él está ciego por los celos y será entonces cuando haga realidad lo que hace tiempo le ronda en la cabeza: matar a su compañera. Marie, harta de tanta pobreza, ha comenzado a recibir “favores” de amigos y Franz es incapaz de asumir tal situación. También para él la pérdida de dignidad tiene límite (2) Acto tercero, segunda escena de <i>Wozzeck </i>(vídeo arriba).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para terminar, la escena final de la ópera. En muy pocas óperas puede encontrarse un final tan triste, sin piedad alguna. Franz y Marie han desaparecido y su hijo, niño sin nombre, está solo en el mundo. Podemos imaginar desde un principio qué tipo de futuro le espera al muchacho: será otro Franz Wozzeck porque la sociedad no le ofrecerá oportunidad alguna. El rechazo de la sociedad lo concreta Alban Berg en el rechazo y burla que los mismos niños hacen del huérfano mientras le echan en cara la pérdida de sus padres. El niño, inconsciente de su situación juega, mientras tanto, con su caballito de madera. Patético (3) Escena final de <i>Wozzeck </i>(vídeo arriba).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<span style="text-align: justify;"><u>Versión</u>: </span><i style="text-align: justify;">Wozzeck</i><span style="text-align: justify;">, de Alban Berg (1925), Toni Blankenheim (Wozzeck, barítono), Sena Jurinac (Marie, soprano), Gerhard Unger (capitán, tenor), Orquesta Filarmónica del Estado de Hamburgo, Bruno Maderna (dirección musical).</span>Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-59265071342803079202013-11-27T20:06:00.000+01:002013-11-27T20:06:05.551+01:00Eine florentinische Tragödie<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://opernmagazin.de/wp-content/uploads/2013/06/Eine_florentinische_Tragoedie_07_FOTO_HansJoergMichel-300x199.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://opernmagazin.de/wp-content/uploads/2013/06/Eine_florentinische_Tragoedie_07_FOTO_HansJoergMichel-300x199.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Izenburua irakurrita baten batek ohiko italiar estiloko tragedia baten aurrean aurkitzen garela pentsa lezake baina orduan oker ibiliko litzateke. Opera honen jatorrizko testua Oscar Wilderen eleberri labur bat da, ironiaz eta adimenaz beteriko testua da. Libretoa trebea baldin bada, zer esan Alexander von Zeminskyren musikaz? </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hau da konpositore honen aurkezten dugun bigarren opera laburra. Lehenengoa <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Der%20Zwerg">Der Zwerg</a></i> (Ipotxa) izan zen eta kasu hartan patetismoa gai nagusia baldin bazen, <i>Eine florentinische Tragödie</i> (Tragedia florentziar bat) operak erakusten diguna da zer nolako gaitasuna daukagun gizakiok (edo zer nolako hipokrisia daukagun, irakurketa biak onargarriak direlakoan nago) muturreko egoeren aurrean.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera honetan giza-klase desberdinetako pertsonen arteko gatazka daukagu; aldi berean gatazkak norabide sentimentala eta sexuala hartzen du, txanpon bereko bi aldeak balira bezala. Horrela, Guido printzeak Simone merkatariaren urrunaldiaz baliatuz azken honen emaztearekin harremanetan dabil baina Simone etxeratu da eta printzea bere emaztearekin aurkitu du. Biak, Guido eta Bianca, hizketan ari dira baina hasieratik Simone jabetzen da bere ohorea kaltetua dagoela. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hortik aurrera gizonen arteko elkarrizketa hasiko da, elkarrizketa adimentsua, orijinala, zorroztasunaz beterik; eta bitartean, Biancak Guidori egiten dion eskaera: erahil diezaiola bere senarra, biok betiko elkarrekin egoteko. Hasierako jokoa bihurrituko da eta azkenean gizon biok ezpatak atera eta borrokatzen hasiko dira. Biancak bere bihotzak diktatzen diona ohikukatuko dio printzeari: <i>hil ezazu nire senarra!!</i> Baina bizitza galduko dueña Guido izango da.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Orduan eta bakarrik orduan Biancak bere senarrarekiko miresmena erakutsiko du: <i>zergatik ez didazu inoiz esan hain indartsua zinenik? Eta zuk, Biancak, zergatik ez didazu inoiz hain ederra zarenik?</i> Horrela opera amaitzen da. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hasieran genion hau ez dela ohiko hiruki baten maitasun historioa; hemen libreto mamitsua dugu, ideia zorrotzak, hitz-joko borobilak eta amaiera ikaragarria. Eta guzti hau gorpuzten Alexander von Zemlinskyren musika: lerro melodiko luzeak, amaigabeko <i>in crescendo</i> musikala azken eszenaraino eta iraupen laburra, ordu bete inguru. Aipatutako <i>Der Zwerg</i> operarekin batera programa bikoitza ederra osatzeko modukoa.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Entzun ditzagun gure ohiko hiru zatiak. Lehenengoan opearen orkestrarako preludioa dugu non Zemlinskyren idazkera musikala nabarmentzen den. </span><br />
<span lang="EN-US"><br /></span>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span lang="EN-US">(1) <i>Preludioa</i>.</span></div>
<div style="text-align: center;">
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
Bigarren zatian Bianca eta Guido hitzegiten ari dira. Emakumeak bere senarrari buruzko kritika zorrotzak adierazten ditu senarra ondoko gelan dagoen bitartean. Printzeak behar ez duen laute bat erosi dio merkataria baina, lotsagabea, Biancaren aurrean bakarrik joko duela esaten du, Simone zirikatzeko nahian </div>
<br />
<div style="text-align: center;">
(2) <i>Wie er gleich einem schalen Krämer spricht!</i> (Dendari zaharkitu bat bezala hitz egiten du!)</div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Bukatzeko, operaren amaiera. Simone merkatariak Guido hil egin du. Orain emaztea hil egin nahi duela dirudi baina emazteak senarra besarkatu eta bere indar fisikoarekin sortu zaion harridura jakinaratzen dio. Senarrak barkatzen dio, bere edertasuna goraipatuz.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
(3) <i>Und jetz zu dir!</i> (Eta orain, bestearengana!)</div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Alexander von Zemlinskyren <i>Eine florentinische Tragödie</i> (1917), David Kuebler (Guido, tenorea), Donnie Ray Albert (Simone, baritonoa), Deborah Voigt (Bianca, sopranoa), Koloniako Orkestra Filarmonikoa, James Conlon (zuzendaria).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/_9etVnS4R1As/R99MeGi5q7I/AAAAAAAACb8/3SRSbQnSWRU/s1600/1871ZemlinskySchoenberg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/_9etVnS4R1As/R99MeGi5q7I/AAAAAAAACb8/3SRSbQnSWRU/s1600/1871ZemlinskySchoenberg.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Una vez leído el título de la ópera habrá quien piense que nos encontramos ante la típica tragedia al estilo italiano pero de ser así, yerra. El origen del libreto de la ópera es un texto de Oscar Wilde lleno de inteligencia e ironía y si el texto es hábil, ¿qué cabe decir de la música de Alexander von Zemlinsky?</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Esta es la segunda ópera breve que presentamos de este compositor. La primera fue <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Der%20Zwerg">Der Zwerg</a></i> (El enano) y si en ella el tema central es el patetismo en la ópera que hoy nos ocupa, <i>Eine florentinische Tragödie</i> (Una tragedia florentina) se nos narra la habilidad que tenemos los humanos (o cabe pensar en la hipocresía pues intuyo que ambas lecturas son aceptables) de adaptarnos a circunstancias complejas.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En esta ópera tenemos un conflicto entre personas de distintas clases sociales y, al mismo tiempo, un conflicto sentimental, siendo ambos problemas las dos caras de una misma moneda. Así, el príncipe Guido aprovecha la larga ausencia del comerciante Simone para estar con su esposa; sin embargo Simone ha entrado en casa de forma inesperada y encuentra al noble en animada conversación con su compañera. Sin embargo y desde un principio Simone es consciente del daño sufrido por su honor.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Desde este momento asistimos a un dialogo entre ambos hombres inteligente, original, lleno de sutilezas lingüísticas mientras Bianca, la mujer, no hace sino insistir a Guido que mate a su marido para poder estar los dos juntos. Todo parece al principio un simple juego pero las cosas se irán complicando hasta desempuñar ambos sus espadas y comenzar a pelear. Bianca no grita sino lo que su corazón le dicta: <i>¡¡acaba con mi marido!!</i> Pero será el príncipe quien acabe muerto. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Entonces y solo entonces Bianca demostrará admiración por su marido: <i>¿por qué nunca me dijiste que eras tan fuerte? Y tú, Bianca, ¿por qué nunca me dijiste que eras tan bella? </i>Así culmina la ópera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Como decíamos al principio no estamos ante la típica historia de triangulo amoroso; aquí el libreto es denso, las ideas, inteligentes y los equívocos lingüísticos, de gran valor con un final sencillamente espléndido. Todo ello inmerso en la música de Alexander von Zemlinsky, de largas líneas melódicas, creando un interminable<i> in crescendo</i> hasta la escena final y con una duración relativamente breve, apenas sesenta minutos. Con la mencionada <i>Der Zwerg</i> se puede crear un programa doble de gran interés.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Escuchemos los tres habituales fragmentos, comenzando por el preludio orquestal de la obra para apreciar la técnica orquestal del compositor. (1) <i>Preludio</i>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo fragmento escuchamos el diálogo entre Bianca y Guido. Ella crítica duramente a su marido, en ese momento en la habitación adjunta. El príncipe ha comprado a Simone un laúd que en realidad no necesita, no dudando en avisar que lo estrenará solo cuando esté a solas con Bianca. El príncipe está provocando a Simone (2) <i>Wie er gleich einem schalen Krämer spricht! </i>(¡Habla como un tendero avejentado!).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para terminar, el final de la ópera. Simone acaba de matar al príncipe y entonces parece que su próxima víctima será su esposa; sin embargo ella abraza a su marido y le reconoce su admiración por su fuerza física, que ella desconocía. El marido le perdona mientras alaba la belleza de su mujer (3) <i>Und jetz zu dir!</i> (Y ahora, ¡a por la otra!). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<u style="text-align: justify;">Versión</u><span style="text-align: justify;">: </span><i style="text-align: justify;">Eine florentinische Tragödie</i><span style="text-align: justify;">, de Alexander von Zemlinsky (1917), David Kuebler (Guido, tenor), Donnie Ray Albert (Simone, barítono), Deborah Voigt (Bianca, soprano), Orquesta Filarmónica de Colonia, James Conlon (dirección musical).</span>Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-45790621630952915502013-11-21T15:45:00.002+01:002013-11-21T15:45:34.439+01:00José M. Sánchez-Verdú<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://gestioncultura.cervantes.es/COMUNES/20692_I_24.04_Sanchez_Verdu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="http://gestioncultura.cervantes.es/COMUNES/20692_I_24.04_Sanchez_Verdu.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"></span> </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;">Blog honetara lehen elkarrizketa ekartzen dizuet eta lehendabizikoa konpositorea den José M. Sánchez-Verdúri egin diot. Algecirasen jaioa, Sanchez-Verdúk hainbat opera egin ditu, besteak beste <i>Silence</i> (Ixiltasuna, 2005), <i>Gramma </i>(2006), <i>El viaje a Simorgh</i> (Simorghera bidaia, 2007), <i>Aura </i>(2009) edo bere azken lana, <i>Atlas, islas de utopia</i> (Atlasa, utopiaren uharteak, 2012). Hemendik eskertu nahi diot bere prestasuna eta jarrera irekia. Hona hemen elkarrizketa:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="font-family: Arial, sans-serif;">OperaXX</b><span style="font-family: Arial, sans-serif;">k:
Blog honek, era xume batean bada ere, 1901tik aurrera egindako opera
ezagutarazi nahi du. Gauzak horrela, zergatik gaur egun, aurreko mendean
egindako opera bat arrotza egiten zaio operazale askori?</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: Beharbada sustrai sakonak dituen arazo baten ondorioa da hau;
ezin dugu ahaztu Espainian Real bezalako opera antzokiak hamabost urte besterik
ez dituela, eta beste antzoki batzuk ohiko errepertorioan murgilduta daude. Ez
ditzagun ahaztu zenbat eta zenbat XX. mendeko izenburu garantzitsuak oraindik
ez dira Espainian estreinatu, adibidez 1945tik aurrera egindako gehienak. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";">Egoera
berezia da oso eta beharbada etorkizunean gauzak aldatuko dira pixkanaka. Hala
ere onar dezagun egungo operazaleak nahiko esklusiboa dela eta betiko hogei edo
hogeitabost opera entzun nahi dituela, besterik ez, hots, behin eta berriz
Espainiako antzoki guztietan taularatzen diren betiko hogeitabost operak. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>OperaXX</b>k:
Alban Berg-en <i>Wozzeck</i> eta gero
sortutako iraultza musikalak opera ikusleengandik aldendu du? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: Gaur egun <i>Wozzeck</i>
klasikotzat hartu behar dugu, Claudio Monteverdiren <i>L’Orfeo</i> edo Wolfgang Amadeus Mozarten <i>Die Zauberflöte</i> (Txirula miresgarria) diren bezala. Ez dut entzulea
aldenduko duen inolako faktorerik aurkitzen <i>Wozzeck</i>en,
balizko entzule hori ezjakintasunaren barruan erosoa sentitzen ezbada edota
taliban atzerakoiaren jarrera hartzen ez badu behintzat. <i>Wozzeck</i> egin zenetik ehun urte pasa dira eta ehun urte hauetan
eszenarako lan musikal zoragarriak egin dira. <i>Wozzeck</i>ek egindako iraultza orain dela ehun urte izan zen berezia.
Imajina dezagun zer pentsatu genuke norbaitek Picasso edo Mies van der Rohe
gaur egun iraultzaileak direla esango balu…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>OperaXX</b>k:
“Melodia” gaur egun indarrean dagoen kontzeptua da?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: Noski baietz. Baina nik uste dut ezinbestekoa dela egun “melodia”
egituratzeko ditugun baliabideak. Horra hor mendebaldeko musikan Igor
Stravinskyk edo Olivier Messiaenek emandako adibideak, ahaztu gabe melodiaren
inguruan mendebaldekoak ez diren beste herriek eta kultur musikalek eskeinitakoak.
“Melodía” aldarrikatzerakoan operazale batzuk <i>bel canto</i>ren garaiko edo XVIII eta XIX. mendetako melodien
erabilpena aldarrikatu nahi dute. Zorionez melodiaren kontzeptua askoz
aberatsa, anitza eta hunkigarriagoa da eta adibide gisa Japoniako Nô antzerkian
erabiltzen den melodia, Kaukasoko ahozko musika edota erdialdeko afrikarrak diren Gwagogoarren musika entzun
genitzake, biak zoragarriak!! Ez dago melodiaren esannahi bakarra eta
baztertzailea, inolaz ere ez. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>Opera
XX</b>k: XX. mendeko opera minusbaloratua baldin bada, zer esan gaur egun egiten
denari buruz! Askotan egungo opera bultzatu baino garrantzitsuagoa dela kuota
edo konpromisoa betetzea dirudi. Hau egia al da?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: Zorionez gaur egungo zuzendari, programatzaile eta kudeatzaile
askok egungo operarekiko ikuspuntu zabala eta irekia daukate. Pertsona hauek
kalitatea programatu nahi dute, ohiko izenburuak eta ezezagunagoa dena
tartekatuz eta azken hauen artean sortutako azken lanak sartzen dira. Egungo
operaren bazterketa bereziki prentsak eta kritikari atzerakoienek gauzatzen
dute, bai ezjakintasunagatik bai ohiko izenburuak errepikatzeko holako beharra
daukatelako. Europako hiri askotan, bereziki kontinentearen erdialdean, egungo
lanek era natural batean iraganekoekin bat egiten dute. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>OperaXX</b>k:
Opera berri bati ekiten diozunean, zer da garrantzitsuagoa, zuk zerorrek
dituzun operari buruzko ideiak ala egungo entzuleek eduki ditzazketenak? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: "Egungo entzulea"ren kontzeptua oso nahasi eta konplexua da. Nor
da "egungo entzulea"? Berlinen, Hamburgon edo Amsterdamen egungo entzuleak beste
perspektibak eta tradizioak ditu, hemengo entzuleek ez dauzkatenak. Hemengo
hiri askotan oso opera gutxi egiten da edo, zuzenean, opera ez da esistitzen. Programatzeko
orduan irizpide nagusiak kalitatea eta egokitasuna izan beharko lirateke eta
orduan bai, badute zer esaterik tokiak, tradizioak, giza taldeak, eta abar luze batek.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/wYVijCEE5Vg?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: x-small;">(1) <em>El viaje a Simorgh</em> operaren interludioa</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>OperaXX</b>k:
Zein da zure lan lirikoen ibilbideaz egiten duzun balorazioa?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: Bederatzi edo hamar opera egin eta gero nire lanen ibilbidea
oso desberdin eta aberatsa izan delakoan nago. Bitxia bada ere Madrilgo Real
Antzokian estreinatu zen <i>El viaje a
Simorgh</i> (Simorghera bidaia) izan ezik beste guztiak munduko antzoki
desberdinen arteko elkarlanaren ondorioak izan dira. Espainiatik at opera
bizirik dago, mugimendua dago, elkarlana bultzatzen da eta lanak antzokiz
antzoki mugitzen dira, ongi funtzionatzen badute, noski. Sare kulturala oso aberatsa
da. Nere operak Madrilen, Vienan, Berlingo bi opera-etxetan, Sttutgarten,
Hamburgon, Hannoveren, Lucernan edo Venezian aurkeztu dira, Buenos Airesen edo
Kairon ere bai eta etorkizunean Salzburgon edo Zurichen aurkeztuko dira. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>OperaXX</b>k:
Aurreko urrian Zaragozan zuk oriektu berri bat zuzentzeko aukera izan zenuen. Proiektu
honetan Viktor Ullmannen <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/2013/10/zaragoza-der-kaiser-von-atlantis-viktor.html">Der Kaiser vonAtlantis</a></i> (Atlantidako enperadorea) eskeini zen. Zer nolako balorazioa
egiten duzu proeiktuaz eta zer ondorioak atera ditzakegu esperientzia honetaz? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><b>J.M.
Sánchez-Verdú</b>k: Aretoa gainezka ikusi eta gero, operak izandako ohiartzuna
ezagutu eta gero eta bereziki jendeak emandako harreraz gozatu eta gero uste
dut derrigorrezkoa dela esatea opera hau antzestea ez lukeela izan beharko ezer
berezirik, lan honen musika zoragarria delako eta planteazen duen gaia gogorra
eta sakona baita, sensiblea eta musikarekiko irekia den edonorentzat
interesgarria izan beharko duelarik. Beste gauza bat da Zaragozan ez dela ia
ezer egiten eta opera hau ez Madrilen ez Bartzelonan ez dela inoiz taularatu.
Harrigarria iruditzen zait nola hemen konpositore honen lanaren inguruan
izugarrizko axolagabekeria adierazten den, Viktor Ullman Europako Erdialdean
onartua eta estimatua den bitartean, baina zer egin dezakegu?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif";">Aragoiko
Opera Lagunen Elkarteak egindako lana, kontutan hartzen badugu ze laguntza
gutxi daukaten, eredugarria izan da, erakutsi baitigute guztion artean kultur elkarlanak
posibleak direla, bai geure bizitzan modu berri batez egiteko bai beste gizakiekiko
harremanak bermatzeko. Guztion artean elkarlan hau sakontzen badugu errezagoa
izango da gure kultura eta gure nortasuna aberastea, pertsonak bezala,
sentitzen dugun pertsonak bezala. Ez dugu alde guztietatik jasotzen ari garen kontsumismo
errez eta aspergarripean bizi diren makinak soilik izan behar, ez. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.spainisculture.com/export/sites/cultura/multimedia/galerias/autores/b_jose_maria_sanchez_verdu_efespfour610610-3354987.jpg_1306973099.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="176" src="http://www.spainisculture.com/export/sites/cultura/multimedia/galerias/autores/b_jose_maria_sanchez_verdu_efespfour610610-3354987.jpg_1306973099.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;">Este blog os trae la primera entrevista, para la cual he elgido al comositor José M. Sánchez-Verdú. Nacido en Algeciras, Sánchez-Verdú ha realizado varias obras líricas, destacando entre ellas <i>Silence </i>(2005), <i>Gramma </i>(2006), <i>El viaje a Simorgh</i> (2007), <i>Aura </i>(2009) o su último trabajo, <i>Atlas, islas de utopía</i> (2012). Quiero agradecerle desde estas líneas su atención y su gran disponibilidad. He aquí la entrevista:</span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"> </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: Este blog se dedica, de forma modesta, a dar a conocer la ópera creada desde 1901. ¿Por qué todavía hoy, en 2013, a muchos aficionados a la ópera una obra de principios del siglo XX les parece extraña?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: Quizás se parta de una falta de costumbre muy arraigada en España, donde teatros de ópera como el Real han iniciado su andadura ¡solo hace quince años! Y otros se han remitido básicamente al repertorio más tradicional. No olvidemos la cantidad de obras del siglo XX, desde principios, que aun no se han visto en España. Pensemos en todo lo que se ha hecho a partir de 1945…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Es una situación muy frágil, y solo muy poco a poco y con el tiempo se irá quizás mejorando. En tanto no está de más señalar que el aficionado típico de la ópera suele ser bastante exclusivista con el repertorio que quiere oír, que se corresponde básicamente con un grupo de vente o veinticinco óperas que ya conoce, y que reiteradamente son producidas y presentadas en España y en todos los teatros de todo el mundo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: La revolución surgida a través –simbólicamente siquiera- del <i>Wozzeck</i> de Berg, ¿ha llevado a la ópera a un punto de desencuentro con el espectador?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: <i>Wozzeck</i> es un clásico de la ópera que está ya al mismo nivel que el <i>L’Orfeo</i> de Claudio Monteverdi o <i>Die Zauberflöte</i> (La flauta mágica), de Wolfgang Amadeus Mozart. No veo nada en ella que pueda crear un desencuentro al espectador. A menos que éste esté encerrado en la ignorancia, en la mala fe o en una postura de talibán reaccionario. Y desde este <i>Wozzeck</i> hace ya casi cien años hasta hoy hay una enorme cantidad de obras escénico-musicales de una extraordinaria belleza y calidad. La pequeña revolución de <i>Wozzeck</i> fue tal vez especial hace casi un siglo. Hoy sería como decir que Picasso o Mies van der Rohe siguen siendo una revolución…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: ¿“Melodía” es un concepto en vigor hoy?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: Por supuesto. Lo destacable es que hay muchas formas de articular una “melodía”. Esto lo podemos ver en Stravinsky, o en Messiaen, o en tantísimos ejemplos de la historia de la música occidental. Por no hablar del uso de la melodía en otras muchísimas culturas musicales del mundo, tan distinto de ese concepto europeo tan delimitado. Lo que hoy reivindica tal vez alguno es que se sigan usando melodías del bel canto, o de la música del XVIII o XIX. Sin embargo el concepto de melodía es mucho más rico, variado y emocionante que lo que esa visión reaccionaria quiere reivindicar como tal. Escúchese la melodía en el Teatro Nô japonés, o en la música vocal tradicional del Cáucaso, o en la música de los Gwagogos centroafricanos, ¡¡¡qué maravillas!!! No hay pues un concepto exclusivo y único de melodía en el ser humano, en absoluto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: Si la ópera del siglo XX es infravalorada, qué podemos decir de la nueva producción actual. Da la sensación de que más que interés por la ópera actual alguno tienen interés en cumplir con un compromiso, con una cuota. ¿Hay algo de verdad en ello?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: Afortunadamente muchos programadores, directores de festivales, intendentes… tienen una visión enormemente amplia y abierta y no se plantean este tema de la infravaloración. Simplemente programan con criterios de calidad y abiertos tanto en el repertorio tradicional, en el menos conocido históricamente como en las creaciones nuevas y más recientes. La infravaloración suele venir de la mano de la prensa y crítica más reaccionaria, del desconocimiento o de la perpetua necesidad de repetir siempre el mismo repertorio. En muchísimas ciudades europeas, sobre todo en Centroeuropa, la creación más actual convive con las grandes creaciones del pasado de forma natural.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/MbyWccL07Nc?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: x-small;">(2) Fragmento de <i>El viaje a Simorgh</i>: La peste</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: Cuando usted afronta una nueva obra lírica, ¿lo hace en virtud de su concepción personal de la lírica actual o más en virtud del oyente actual?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: El tema del “oyente actual” es muy difuso y complejo: ¿quién es el “oyente actual”? Significativamente en Berlín, en Hamburgo, en Ámsterdam… el oyente tiene otras perspectivas y tradiciones que no tienen muchos oyentes de otras ciudades donde apenas se presenta ópera, o muchas en las que es totalmente inexistente. Creo que los mayores criterios a la hora de programar son la calidad y la pertinencia. Y ahí sí puede jugar un papel el lugar, la tradición, el grupo social donde se presenta, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: ¿Cuál es su valoración de la trayectoria que han vivido sus obras líricas?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: Bueno, ha sido hasta ahora, con unas nueva o diez obras escénicas, un periplo muy variado y rico como experiencia. Curiosamente todas las obras se han presentado y coproducido en numerosos teatros del mundo menos la ópera que estrené en el Teatro Real. Fuera de España la ópera y el teatro musical están vivos, se mueven, se coproducen y se trasladan continuamente –si funcionan muy bien- a otros numerosos lugares. El tejido es muy rico. Mis obras escénicas se han presentado hasta ahora, aparte de en Madrid, en Viena, Berlín (en dos de sus óperas ya), en Stuttgart, Hamburgo, Hannover, Lucerna, Venecia… e también en Buenos Aires o incluso en El Cairo; y en el futuro inmediato van a Salzburgo, Zúrich, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>OperaXX</b>: Usted ha dirigido un proyecto singular en Zaragoza, una pequeña osadía cual es comenzar una trayectoria operística en una ciudad como Zaragoza con una obra del ignorado Viktor Ullmann, <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/2013/10/zaragoza-der-kaiser-von-atlantis-viktor.html">Der Kaiser von Atlantis</a></i> (El emperador de la Atlántida) ¿Cuál es su valoración de tal proyecto y qué tipo de lecciones podemos sacar de él?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;"><b>J.M. Sánchez-Verdú</b>: Pues viendo la sala llena, viendo la enorme repercusión y sobre todo la gran recepción que ha tenido podría señalar que una ópera como esta no debería ser nada singular como propuesta escénica y musical: es una música maravillosa, una temática muy fuerte y profunda, y nada que pueda dejar indiferente a cualquier persona con sensibilidad y apertura de oídos. Otra cosa es que en Zaragoza no se haga casi nada de esto, y también que esta maravillosa joya no se haya aun presentado ¡ni en Madrid ni en Barcelona! Sorprende el especial desapego e indiferencia que muestra la cultura española hacia todo este rico universo de un compositor que en todo Centroeuropa es un nombre significativo y muy conocido. Pero, ¿qué le vamos a hacer?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">La apuesta de la Asociación Aragonesa de la Ópera, a falta de cualquier mínimo apoyo por los verdaderos responsables culturales de Aragón, es un ejemplo maravilloso de que se pueden hacer cosas, de que entre todos podemos construir proyectos y rodearnos de Cultura como forma de vida y de relación con los demás. Cuanto más profundo sea este diálogo con los caminos de la Cultura mayor será nuestro enriquecimiento como personas, como seres sintientes e inteligentes, y no meras máquinas sometidas a la tiranía del consumo, de lo fácil, de lo reiterado y desde la insensibilidad y superficialidad que nos bombardean desde todos los ángulos.</span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-62511435817801329082013-11-07T21:41:00.000+01:002013-11-07T21:41:27.239+01:00Il segreto di Susanna<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://owl-ge.ch/arts-scenes/IMG/jpg/Segreto_Susanna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="211" src="http://owl-ge.ch/arts-scenes/IMG/jpg/Segreto_Susanna.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Operak ere geure gizartean
izandako aldaketak ezagutzeko tresna egokia izan daiteke. Eta gizarte aldaketa
hauek oso gaurkotasun handia daukatenean beharbada XX. mendean egindako opera
bat gaiziki zakarkitu dela pentsa dezakegu. Ba gauza hau gertatzen da gaur blog
honetara ekartzen dugun opera hau, non sexuen arteko berdintasuna ardatz
nagusia den. Nolatan? Oso xinplea den egoera bat planteatuz: emakumeek erre
dezakete?</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Gaur inork ez du zalantzan
jarriko aukera; berez, eztabaida edozeinen osasunean zer nolako eragina izango
duen izango da, baina inolaz ere ez emakumea izateagatik eskubide hau duen ala
ez. Ondorioz, Ermanno Wolf-Ferrariren <i>Il segreto di Susanna</i> (Susanaren
sekretua) gaur eta gaurko begi eta belarriekin ikusteak eta entzuteak,
derrigorrez, barreak sortarazi behar dizkigu.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Susanna ezkonberria da. Suposatu
behar zaio erabateko zoriontasunean bizi dela bere senar berriarekin eta
horrela da; arazo bakarra bere sekretua da: erretzea gustaten zaio. XX.mendeko
lehendabiziko hamarkadetako gizarte hartan emakumeek erretzea oso gaizki
ikusita zegoenez berak sekretupean ekiten dio bere zaletasunari. Lojikoa denez,
etxean erretzeak aztarnak uzten ditu, kea eta usaina, eta senarra, erabat
maiteminduta dagoen senar ezkonduberri hau jabetu egind a aztarna haetaz eta
erdi erotuta zera galdetzen dio bere buruari: nork erretzen du bere etxean bera
kanpoan dagoenean?</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bere emazteak maitalea dauka, ez
dago beste azalpen lojikorik. Sen italiar osoa atera eta adarren arazoa dela
ondorioztatzen du senarrak. Informazioa behar du eta etxean galderak egiten
hasiko da eta testuinguru honetan nahiko elkarrizketa ergelak entzuteko aukera
izango dugu. Bata, galdezka dabil ea maitaleari buruzko informazioa lortzen
duen; bestea, bere sekretua ongi gordetzea besterik ez du nahi. Eta guzti honen
ondorioa egoera surrealista sorteraztea izango da. Bukaeran senarrak egia
ezagutuko du eta emaztearen sorpresarako biok elkarrekin erretzea proposatuko
dio, beharbada zigarroak erretzea maitalea jasatzea baino erakargarria delako.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ermanno Wolf-Ferrari (bere abizen
bikoitzak ongi deskribatzen digu bere jatorri bikoitza, italiarra eta
alemaniarra) gaztea zen oso opera labur hau idatzi zuenean. 1909. urtean
estreinatu zen eta arrakasta handia lortu bazuen Alemanian Italian ez zuen
lortu berak desiatzen zuen arreta. Opera honetan, berez hiru pertsonai eta bi
abeslari bakarrik eskatzen dira, hirugarrena mutua baita, mutua baina oso
aktiboa trama osoa pizteko.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Operak hiru ordu laurdenak
irauten du eta gaur ere bideo ekartzea egokiena dela pentsatu dut, opera osoa
entzun ahal izateko. Bertsio honetan gainera bi izen handi ditugu, Renata
Scotto, erretzailea eta Renato Bruson, senar gizajoa. Disfruta ezazue opera
labur hau eta saiatu ez erretzen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object width="320" height="266" class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://img.youtube.com/vi/HJg_i7nRQwY/0.jpg"><param name="movie" value="http://youtube.googleapis.com/v/HJg_i7nRQwY&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="http://youtube.googleapis.com/v/HJg_i7nRQwY&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Bertsioa</u>: Ermanno Wolf-Ferrariren
<i>Il segreto di Susanna</i> (1909), Renata Scotto (Susanna, sopranoa), Renato Bruson
(Gil kontea), Philarmonia Orchestra, John Pritchard (zuzendaria).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<o:p><br /></o:p></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://b.vimeocdn.com/ts/414/652/414652836_640.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="http://b.vimeocdn.com/ts/414/652/414652836_640.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera puede ser también
instrumento adecuado para percibir los cambios producidos en nuestra sociedad.
Y cuando esos cambian tienen plena actualidad puede ocurrir que una ópera
realizada en el siglo XX haya envejecido mal. Ello ocurre con la ópera que hoy
traemos al blog, donde el tema central es el de la igualdad de sexos. ¿De qué
forma? Pues planteando una situación muy simple: ¿puede una mujer fumar? </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hoy nadie pondría en duda tal
posibilidad; de hecho, el debate actual tendría mayor relación con el efecto
que el fumar tendría en tal persona, hombre o mujer, pero en ningún caso nos
plantearíamos la posibilidad de prohibir fumar a una mujer solo por el mero
hecho de serlo. Por ello, <i>Il segreto di Susanna</i> (El secreto de Susana), de
Ermanno Wolf-Ferrari, vista y oída con ojos y oídos actuales puede provocar nuestra
algarada, más que otra cosa.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Susanna es una recién casada. Hemos
de suponerla viviendo en plena felicidad con su reciente marido y así es; el
único problema es que le acompaña un secreto: le gusta fumar. Teniendo en
cuenta que en las primeras décadas del siglo XX estaba mal visto que las
mujeres fumaran ella lo hace en secreto, cuando su marido se ausenta. Como es
lógico su actividad deja rastro, humo y olor, que consiguen despertar en el
marido las sospechas de que alguien desconocido ocupa su lugar en su ausencia. Este
marido, también recién casado y supuestamente feliz, no hace sino preguntarse
quién es el fumador en su casa.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Su mujer tiene un amante, no cabe
otra posibilidad lógica. Dando rienda al típico estilo italiano para el conde
todo es un asunto de cuernos. Necesita información, saber quién es el
desconocido y comenzara a hacer preguntas en casa. Ella guardando su secreto,
él dando vueltas sin preguntar directamente las cosas y todo ello provoca
situaciones surrealistas entre ellos. Finalmente el marido conocerá la verdad y
para sorpresa de ella, su propuesta será la de fumar juntos, quizás porque es
más fácil acceder a fumar en compañía que arriesgarse a que lo haga con otro.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Ermanno Wolf-Ferrari (su apellido
compuesto es perfecta manifestación de su doble origen, italiano y alemán) era
muy joven cuando compuso esta comedia, que se estrenó en 1909. Esta obra tuvo
un gran éxito en Alemania mientras que Italia la recibió con cierta frialdad.
La ópera solo exige tres personajes y dos cantes, pues el criado, elemento
activo de la trama es personaje mudo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La obra apenas llega a los
cuarenta y cinco minutos y por ello he decidido traerla en forma de vídeo para
poder escucharla completa en una versión histórica, la protagonizada por dos
cantantes de gran trayectoria, Renatta Scotto y Renato Bruson. Disfrutad del
vídeo, situado en la versión del texto en euskera, mientras tratáis, algunos, de no fumar. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<u>Versión</u>: <i>Il segreto di Susanna</i>,
de Ermanno Wolf-Ferrari (1909), Renata Scotto (Susanna, soprano), Renato Bruson
(conde Gil), Philarmonia Orchestra, John Pritchard (dirección musical).</div>
<br />
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<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-68785606142938505242013-10-31T00:10:00.000+01:002013-11-01T17:14:47.583+01:00Siren Song<a href="http://operaxx.blogspot.com.es/2013/10/siren-song.html#es" target="_self"><span style="font-size: xx-small;">[texto en español]</span></a><br />
<br />
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<a href="http://www.toimg.net/managed/images/10089568/w482/h298/image.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="197" src="http://www.toimg.net/managed/images/10089568/w482/h298/image.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
Aste honetako sarrera berezia da n lehendabiziko aldiz laguna den blog honekin bat egingo dugulako, konpositore baten alde desberdinak aurkezteko eta garatzeko asmoz. Konpositorea Jonathan Dove britainiarra da eta <b>OperaXX</b>tik bere lan operistikoa aurkezten dugun bitartean beste bloga, <b><a href="http://blog.liederabend.cat/2013/10/troballes.html">liederabend</a></b>-ek musikari honek egindako liederrak aurkeztuko dizkigu. Bi blogek bat egiten dugu zuek Jonathan Doveren lana hobeto ezagutu zaitezten. </div>
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<br /></div>
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Sirenen kantua esamoldea faltsua den hitz ederrekin gauzatutako mezua azaltzeko erabiltzen da. Sirenak alegiazko izaki mitologikoak dira eta beraien kantua tresna zen gizakiak, bereziki mariñelak, erakartzeko. Dena faltsua, ezer ez da egia. Hortik dator adierazpenaren erabilpen herrikoia. Gaur ekartzen diuedan operaren izenburuak, zer nolako esanahia du?</div>
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<br /></div>
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<i>Siren Song</i> (Sirena abestia) Jonatahn Dove britainiarraren ganbara-opera da, 1994. urtean egindakoa eta gaur hona ekartzen dut adibide interesgarria iruditzen zaidalako hogei opera baino gehiago idatzi duen konpositorea ezagutzeko, besteak beste <i>Flight </i>(Hegaldia) edo <i>The Adventures of Pinnocchio</i> (Pinotxoren abenturak), beharbada bere lanik ospetsuenak. Gaurko operaren iraupena laburra da, ordu eta laurdena, eta baliabide musikalak ez dira handiak.</div>
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<br /></div>
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<span lang="EN-US"><i>Siren Song</i> operak gizakiok errealitatetik at bizitzeko daukagun erreztasuna kontatzen digu. </span>Davey, mariñela, maitemindu da Dianarekin. Eta nor da Diana? Dianak iragarki bat jarri zuen aldizkari baten non mutil lagunaren bila dabilela aitortzen du. Daveyk erantzuten dio eta harremanari hasiera ematen diote. Daveyk burua galduko du, baina ezin izango du bere harremana gauzatu Jonathanek berri izugarria ematen diolako: Dianak gaixotasun larria du; Dianak eztarriko minbizia du.</div>
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Historia honetan, zein da sirenaren abestia? Zer da faltsua? Dana. Diana ez da esistitzen; berez, bere iragarkia gizon batek, Jonathan izenekoak idatzi zuen eta Daveyk bizi izandako historio osoa gezurrezkoa izan da. Daveyk ezin du sinistu baina azkenean froga fisikoak emango diozkiote eta onartu beharko du, iparra galduz. Davey mariñela da eta operaren azken eszenan Davey, bere itsasontziaren barandatik Dianaren ahotsa, kantua, entzungo du, sirenaren abestia. </div>
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<br /></div>
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Jonathan Dovek gizakiak daukan maitasunaren beharra lantzen du eta sirenaren mitologia erabiltzen du gure irudimenak gaztelu faltsuak eraikitzeko daukan erreztasuna. Eta Jonathan Dovek hainbat zelula musikalak erabiliko ditu ostinato teknikarekin historioa aurrera eramateko. Itxuraz, musika xinplea baina entzuleak harrapatuta gelditzen da Dovek garatzen duen kromatismoagatik. Zelulak identifikatu eta gero –adibidez, operaren hasiera xilofonoak bere ostinatoarekin Daveyren egoneza azaltzen digu- entzulea prest dago argumentua jarraitzeko eta pertsonaien sentimentuak ezagutzeko.</div>
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<br /></div>
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Ikus ditzagun opera hone bi bideo. Lehenengoan Balin suertatzen da ekintza dramatikoa. Jonathan Daveyren argazkiak egiten ari da. Davey bere Diana maitagarria bikiniz jantzita nola egongo litzateke imajinatzen ari da eta bitartean itsasontzian Daveyk Dianari egindako balizko dei telefonikoak ikertzen ari dira, irregularrak izan daitezkelako (1).<br />
<br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/FGM8JPjMtw4?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Bigarren bideoan operaren amaiera dugu. Daveyk egia ezagutzen du. Berak jasotako eskutitz guztiak ez ziren Dianaren eskutik atera, Jonathanena baizik. Jakingo dugu ere Jonathanen benetako izena Brian Trevis dela, timatzailea. Dena gezurra izan da eta Daveyk sirena baten kantuaren biktima da. Kantu hau operari amaiera emango dion soiua entzungo dugun azkena izango da (2). <br />
<br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/YcU1uovis3I?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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<br /></div>
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<u>Bertsioa</u>: Jonathan Doveren <i>Siren Song</i> (1994), Brad Cooper (Davey, tenorea), Mattijs van de Boerd (Jonathan, baritonoa), Amaryllis Dieltiens (Diana, sopranoa), Mark Omvlee (begiralea, tenorea), Marijn Zwitserlood (kapitaina, baxua), Siren Ensemble, Henk Guittart (zuzendaria). <br />
<br /></div>
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<a href="http://cdn2-b.examiner.com/sites/default/files/styles/image_content_width/hash/e7/29/e729f8b756e65c3ddd638a66a3e1c5db.jpg?itok=Pj8VXbTk" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="http://cdn2-b.examiner.com/sites/default/files/styles/image_content_width/hash/e7/29/e729f8b756e65c3ddd638a66a3e1c5db.jpg?itok=Pj8VXbTk" width="320" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="" name="es"></a> <br />
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Esta semana tenemos entrada especial pues por primera vez, y en trabajo mancomunado con un blog amigo, presentamos dos diferentes facetas artísticas de un compositor, el británico Jonathan Dove. Desde <b>OperaXX </b>nos introduciremos en su faceta operística; desde <a href="http://blog.liederabend.cat/2013/10/troballes.html"><b>liederabend</b> </a>se abordará su obra liederística. Unimos las fuerzas de los dos blogs en aras de presentaros algo más completo. <br />
<br /></div>
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La expresión canto de sirena nos relata ese discurso falso compuesto de palabras bellas pero vacuas. Las sirenas, seres mitológicos, cantaban para atraer a la perdición a los seres humanos, sobre todo a los marineros. Todo es falso, nada es cierto. Este es el uso de tal expresión popular pero ¿qué significado tiene tal expresión en el título de la ópera que hoy traemos? <br />
<br /></div>
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<i>Siren Song</i> (Canto de sirena) es una ópera de cámara del británico Jonathan Dove, estrenada en 1994 y es ejemplo interesante para conocer a un compositor que ha compuesto ya una veintena de ellas, entre ellas las más conocidas -y que algún traeremos a este blog- <i>Flight </i>(Vuelo) o <i>The Adventures of Pinnocchio</i> (Las aventuras de Pinocho). La duración de la ópera de hoy apenas sobrepasa la hora y cuarto y los medios musicales exigidos son exiguos. <br />
<br /></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Siren Song</i> nos cuenta la facilidad que tiene el ser humano para ausentarse de la realidad. Davey, un marinero, se ha enamorado de Diana. Pero, ¿quién es Diana? Es quien ha puesto un anuncio en el periódico solicitando una relación estable y Davey, tras dudar, ha decidido responder afirmativamente a tal petición, dando comienzo a la relación. Davey perderá la cabeza pero nunca podrá hacer realidad esa relación pues,por Jonathan conoce una tremenda noticia: Diana está muy enferma; Diana padece cáncer de garganta. <br />
<br /></div>
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En esta historia, ¿cuál es el canto de sirena? ¿Qué es falso? Todo. Diana no existe; en realidad el anuncio ha sido publicado por un hombre de nombre Jonathan y la historia vivida por Davey ha sido una enorme burla. Davey no puede dar crédito a la nueva situación a pesar de las pruebas físicas presentadas; al final, perderá el norte teniendo que asumir la extraña situación. El joven marinero, en la última escena, desde la barandilla de su barco, escuchará la voz de Diana a modo de canto de sirena. <br />
<br /></div>
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Jonathan Dove trabaja el tema de la necesidad del amor por parte del ser humano y la figura mitológica de la sirena se utiliza para concretar la facilidad que tenemos para construir castillos en el aire. Y Jonathan Dove crea células musicales que utilizadas a través de la técnica del <i>ostinato </i>permiten construir la estructura dramática. Aparentemente estamos ante una música sencilla pero el oyente se siente atrapado por el cromatismo musical de Dove. Una vez identificadas tales células –por ejemplo, el <i>ostinato </i>generado por el xilófono al comienzo de la ópera y que responde a la inestabilidad de Davey- el oyente está preparado para seguir el argumento y conocer los sentimientos de los personajes. <br />
<br /></div>
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Veamos dos vídeos de esta ópera. El primero nos muestra la escena que ocurre en Bali. Jonathan saca fotografías a Davey mientras este se imagina cómo sería su amada Diana vestida con bikini; y mientras en su barco se están investigando las supuestas conversaciones telefónicas entre Davey y Diana por supuesto incumplimiento del reglamento (vídeo arriba, nº1). <br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo vídeo podemos ver y escuchar el final de la ópera. Davey ya conoce la verdad. Las cartas que él recibía no eran escritas por Diana sino por Jonathan. También sabremos que Jonathan es, en realidad, un timador de nombre Brian Trevis. Todo ha sido una gran mentira pues Davey ha sido víctima de los cantos de sirena. Será precisamente la voz de la sirena la que cerrará la ópera (vídeo arriba nº2). <br />
<br /></div>
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>Siren Song</i>, de Jonathan Dove (1994), Brad Cooper (Davey, tenor), Mattijs van de Boerd (Jonathan, baritono), Amaryllis Dieltiens (Diana, soprano), Mark Omvlee (supervisor, tenor), Marijn Zwitserlood (capitán, bajo), Siren Ensemble, Henk Guittart (dirección musical). </div>
<span style="text-align: justify;"> </span><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> </span>Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-26348588627580975162013-10-26T17:50:00.001+02:002013-10-26T17:50:20.727+02:00Zaragoza: Der Kaiser von Atlantis (Viktor Ullmann)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/95/Entrance_Auschwitz_I.jpg/250px-Entrance_Auschwitz_I.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/95/Entrance_Auschwitz_I.jpg/250px-Entrance_Auschwitz_I.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zaragoza saiatzen ari da operaren
munduan sartzen eta hasiberria den bidai honetan ezinbestekoa bihurtzen ari da da
bertako erakundearen lana, Miguel Fleta Operaren Aragoiar Elkartearena hain
zuzen ere. Aurten lehendabiziko pausu handia eman dute eta beraien lehen
produkzioa taularatu dute; eskertzekoa da une berezi honetarako XX. mendeko
izenburu bat aukeratua izatea, Viktor Ullmannen <i>Der Kaiser von Atlantis
</i>(Atlantidako Enperadorea).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Viktor Ullmann judutarra zen eta
horregatik naziek bere musika debekatu egin zuten. <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Entartete%20Musik">Entartete Musik</a></i> (Musika Endekatua) izeneko
zerrenda lotsagarri hartan sartu zuten Viktor Ullmannen izena eta horrela bere
musika eta beste konpositore askoren musika desagertu zen. Berez, opera hau ez
zen estreinatu 1975 urtera arte, alegia, nazien garaipena luzeegia izan zen eta
gure lotsagarako bere musika gaur egun ere erdi izkutuan mantentzen da. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Judutarra izanda naziek ere
atxilotu eta espetxeratu egin zuten eta horrela ia hiru urte eman zituen
Theressienstadt konzentrazio-gunean non opera hau idatzi eta estreinatu zuen. Leku
berean beste lan nahikotxo idatzi zituen hauen artean beste opera batzuk, baina gehienak galdu egin dira. 1944ko urriak 16an naziek Viktor Ullmann Auschwitzera
eraman zuten eta bi egun beranduago gaseatu zuten.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Guzti honen ondorioz <i>Der Kaiser
von Atlantis</i> Holokaustoaren sinbolotzat hartzen da eta horregatik erabat egokia
da Operaren Aragoiar Elkarteak estreinaldiarekin
batera Holokaustoaren inguruan antolatu dituen erakustaldi eta hitzaldiak. Ausarta
oso erakunde berri batentzat lehen opera hau izatea eta txalogarria bai ideia bai
emaitza bera. Jarraitu baino lehenago ikus dezagun bideo hunkigarri hau non Gerald Finley baritonoak Auschwitz konzentrazio gunean opera honen azken eszena abesten duen.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/t8vjDbPCArU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zaragozako Principal Antzokiak
oso sarrera polita erakusten zuen emanaldiaren hasieraren momentuan. Hemezortzi
musikariek eta sei abeslariek <i>pijama </i>marradunarekin jantzitak, hasieratik ikusleok
konszienteak izan gaitezen zer nolako egoeran eman zen opera honen
estreinaldia. Proposamen eszenikoa <b>Martha Egilior </b>bilbotar gaztearena da proposamen ausarta
bezain bortitza burutuz. Ez dauka Egiliorek inolako arazorik nazien indarkeri
basatia deskribatzeko eta ezohikoak diren eszenak ikusi eta bizi ahal izan
genituen. Emanaldia bukatu eta berehala ikusle batzuk krudelkeriarekin
esplizituegia izatea leporatu zioten baina lerro xume hauetatik Egilioren lana babestu
nahi dut: nazismoaren aurreran holako irakurketak egitea ez beharrezkoak, ia
derrigorrezkoak direla esango nuke.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Abeslarien artean azpimarragaria
da guztion krompromisoa. Nik bereiziko nuke <b>Toni Marsol</b>en lana (Kaiser
Overall), ahots ederra eta intentzio zoragarria erakutsi zuelako, bereziki
operaren amaiera monologoan non berak protagonismo osoa eskuratu zuen. Txalogarria ere
<b>José María Sánchez-Verdú </b>ren lana zuzendaritzan, orkestra txikia ederki gidatu
zuelako, opera honen melodia eta tragedia sakona agerian utziz.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Beste partehartzaile guztiek
ederki burutu zuen beraien lana eta izen-abizenak fitxa artistikoan irakur
dezakezue. Azpimarratzekoa, beharbada, <b>Walter Castillo</b> aktorearen interpretazio
bortitza bezain hunkigarria, ederki marraztu baitzuen soldadu nazien noraeza. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zaragozak aurrerapusua eman du.
Honaino heltzeko bidea ez da erreza izan baina oraindik badatorkie oso une
konplikatua: sortutako ilusio guztiari jarraipena ematea eta ondorioz,
Zaragozan operari lekua egitea. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Fitxa artistikoa: Viktor
Ullmannen <i>Der Kaiser von Atlantis,</i> Antoni Comas (Arlekin, tenorea), Toni Marsol
(Enperadorea, baritonoa), Walter Castillo (Soldadua, aktorea), Martha Mathéu
(Gaztea, sopranoa), Claudia Schneider (mezularia, mezzosopranoa), Josep Ferrer
(Heriotza eta Narratzailea, baxua), Aragoiko Erresumaren Orkestra, José María
Sánchez-Verdú (zuzendaria). Zaragozako Principal Antzokia, 2013ko urriaren 24a.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://dg9aaz8jl1ktt.cloudfront.net/uploaded_files/000/012/992/verkami_4a53e2e5710f09032fe2f72889556cc6.jpg?1376673688" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="120" src="https://dg9aaz8jl1ktt.cloudfront.net/uploaded_files/000/012/992/verkami_4a53e2e5710f09032fe2f72889556cc6.jpg?1376673688" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zaragoza está tratando de
introducirse en el mundo operístico y en el camino recién comenzado está siendo
fundamental el trabajo de la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta.
Este año la asociación ha dado un paso adelante importante tal es la puesta en escena
del primer título y es de agradecer que para esta ocasión el título elegido
haya sido uno del siglo XX, en concreto <i>Der Kaiser von Atlantis</i> (El emperador
de la Atlántida), de Viktor Ullmann. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Viktor Ullmann era judío y como tal su música fue prohibida
por el régimen nazi. Su obra fue introducida dentro de esa vergonzante lista de
la <i><a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Entartete%20Musik">Entartete Musik</a></i> (Música degenerada) y así se provocó la desaparición de la
música de este y otros muchos compositores. De hecho esta obra no fue estrenada
hasta 1975, es decir, que los nazis consiguieron una victoria demasiado larga,
llegando para nuestra vergüenza hasta el día de hoy pues la música de Ullmann
sigue arrinconada.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
También por ser judío fue
detenido y deportado, pasando más de dos años en Theressienstadt, donde siguió
escribiendo y estrenando obras (entre ellas varias óperas hoy perdidas) hasta
que el 16 de octubre de 1944 fue enviado a Auschwitz, donde sería gaseado solo
dos días después. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por todo ello <i>Der Kaiser von
Atlantis</i> es obra símbolo del holocausto y son de aplaudir las actividades
complementarias que la Asociación ha celebrado en torno a la representación de
la ópera, con exposición y distintas conferencias. Tanto la idea como el
resultado de la misma solo merecen nuestro reconocimiento y aplauso. Antes de seguir adelante veamos un vídeo que recoge la escena final de la ópera cantada en el mismo campo de concentración de Auschwitz, en la voz del barítono británico Gerald Finley.<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/t8vjDbPCArU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El Teatro Principal, de Zaragoza
presentaba un aspecto hermoso en el momento del inicio de la representación.
Los dieciocho músicos y los seis cantantes, vistiendo el pijama de rayas con el
que se identificaba a los prisioneros, nos introdujeron desde el inicio de la
velada en el contexto histórico del estreno. La valiente y dura propuesta escénica
era de la joven bilbaína <b>Martha Egilior</b>, que no tiene ningún problema para presentar la
cara más cruel de los soldados nazis. Tuvimos la oportunidad de ver escenas
poco habituales en escenarios operísticos y al final de la función era patente
el desconcierto de algunos, reprochando un exceso de ecreación de la
violencia. Valgan estas humildes líneas para defender el trabajo de Martha Egilior;
frente al nazismo no solo es necesario, diría que incluso obligatorio describir
tal crueldad.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Entre los cantantes sobresalió el
barítono <b>Toni Marsol </b>(el Kaiser), de voz hermosa e interpretación realmente
brillante, especialmente en la escena final de la obra, donde adquiere
protagonismo absoluto. También merece aplauso la labor de <b>José María
Sánchez-Verdú</b> en su labor de dirección, guiando de forma eficiente a la pequeña
orquesta y dándonos a conocer tanto la parte melódica de la obra como la
profunda tragedia que se vive.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El resto de participantes,
reseñados en la ficha artística, cumplieron de forma brillante aunque creo
merecido reseñar la actuación de <b>Walter Castillo</b>, tan dura como emotiva en su
papel de desquiciado nazi.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Zaragoza ha dado un paso
adelante. Toca ahora asumir un reto mayor: dar continuidad a la ilusión creada
y conseguir, en consecuencia, que Zaragoza logre un lugar en el mundo de la ópera.
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ficha artística: Der Kaiser von
Atlantis, de Viktor Ullmann, Antoni Comas (Arlequín, tenor), Toni Marsol (Emperador,
barítono), Walter Castillo (Soldado, actor), Martha Mathéu (Garçon, soprano),
Claudia Schneider (Mensajera, mezzosoprano), Josep Ferrer (la Muerte y un Narrador, bajo), Orquesta del Reino de Aragón, José María Sánchez-Verdú (dirección
musical). Teatro Principal, de Zaragoza, 24 de octubre de 2013. </div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-36438207387147295672013-10-14T15:10:00.000+02:002013-10-20T18:32:34.511+02:00Teatro Real: Die Eroberung von Mexico (Wolfgang Rihm)<a href="http://operaxx.blogspot.com/2013/10/teatro-real-die-eroberung-von-mexico.html#es" target="_self"><font size=1>[texto en español]</font></a><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://esmadrid.progresaonline.com/files/imagenes2013/octubre2013/C%20Mexico%201333%20(1).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://esmadrid.progresaonline.com/files/imagenes2013/octubre2013/C%20Mexico%201333%20(1).jpg" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Ehundaka opera emanaldi ikusi eta entzun arren oso gutxitan izan naiz hain konsziente bizi izandako unea neure operazaletasunaren historia pertsonalerako une garrantzitsua izango litzatekela. Madrilgo Teatro Realetik atera bezain pronto jakin izan nuen beti gogoratuko nukeela emanaldia eta etorkizunean gero eta zailagoa izango litzakeela honako esperientzia errepikatzea. </div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Meritoa obran dago, Wolfgang Rihmen <i>Die Eroberung von Mexico</i> (Mexikoren konkista). <a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Die%20Eroberung%20von%20Mexico">Hemen </a>azaldu nizuen opera honen ardatz nagusiak baina onartu behar dut neure opera honen ulermena handitu dela nahikotxo opera zuzenean entzun eta gero. Honetarako giltza izan da <b>Pierre Audi</b> eszena zuzendariaren habilezia musikaren gordintasuna eta krudelkeri poetikoa ongi isladatzeko. Horretarako eskenatokiaren erdian jarritako egitura karratua erabali zuen, egitura hau pezoi batez inguratuta zegoelarik. Pezoitik, insektuak balira bezala, abesbatzakide eta aktoreak atera eta sartu egiten ziren, efektu optiko interesgarriak lortuz. Baina hauek ez ziren irudi erakargarri bakarrak, proposamen artistikoan ere hologramak erabili zirelako eta beharbada txalogarrienak tamaino handiko eskeletoak izan ziren. </div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Honekin batera azpimarragarria da <b>Alejo Pérez </b>arjentinarraren zuzendaritzan egindako lana, zaila benetan hiru eremu desberdinetan kokatuak zeuden musikariak koordinatu behar zituelako. Talde nagusia ohiko lekuan egon arren, hirugarren taldea alboko bi palkoetan eta errege-palko delakoan zegoelarik. Orkestran metal-instrumentu eta bereziki perkutsioa nagusitzen dira eta perkutsio soinu-tresnak antzoki osoan zehar sakabanaturik zeuden, efektu akustiko oso bereziak lortuz.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Hala ere talde baten lana txalogarria izan bazen <b>Intermezzo Abesbatza</b> burututako lana izan zen; Rihmek eskatutako kantua xuxurlak, hasperenak eta soinu onomatopeikoetan oinarritzen da eta zailtasun ugari gainditu beharko zituen abesbatza. Aspaldiko partez entzundako partehazrtzerik bikainena.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Ahots nagusiak bi dira: Montezumaren papera <b>Ausrine Stundyte</b> soprano lituaniarrak bete zuen eta ederki egin zuela esan dezakegu. Abesteaz gain aktore bezala ere esijentzi maila handia eskatzen zion Pierre Audik eta hemen ere ez zen makala ibili. Askoz apalakoa, bere ahotsa ahulegia baita, Hernan Cortesen rolaren ardura hartu zuena, <b>Holger Falk</b> baritono austriarra. Orkestrarako fosoan beste bi ahots zeuden, biak muturreko tesiturak bereganatzen. Sopranoa, <b>Caroline Stein</b> alemaniarra izan zen; kontraltoa, berriz, <b>Katarina Bradic </b>serbiarra. Biek ederki burutu zuten beraien ardura.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><i>Die Eroberung von Mexiko</i>ren emanaldiek bat egin dute <b>Gerard Mortier</b> zuzendari artistikoaren agurrarekin. </span>Minbiziaz jota Mortierek orain oso erronka serioa du: bere bizitza salbatzea. Ikusle guztioi egindako oparia benetan zoragarria izan da eta nahiz eta emanaldian zehar pertsona batzuk alde egin (operaren ehun minutu luze atsedenaldirik gabe eskeini ziren eta onartu behar dugu musika hau ez dela batere erreza) gehiengo handi batek disfrutatu eta txalotu egin zuen espektakulua. Ziur naiz etorkizunerako emanaldi hauek mugarriak eta, aldi berean, garai baten sinboloa izango direla.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><u>Fitxa teknikoa</u>: Wolfgang Rihmen <i>Die Eroberung von Mexico</i> (1992), Ausrine Stundyte (Montezuma, sopranoa), Holger Falk (Cortez, baritonoa), Graham Valentine (Ohiukatzen duen gizona, aktorea), Caroline Stein (sopranoa), Katarina Bradic (kontraltoa), Madrilgo Teatro Realeko Abesbatza eta Orkestra, Alejo Pérez (zuzendaria). Madril, 2013ko urriren 12a.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.teatro-real.com/assets/images/espectaculos/detalle_1770.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="191" src="http://www.teatro-real.com/assets/images/espectaculos/detalle_1770.jpg" width="320" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><a name="es"><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></a>Tras varios cientos de funciones operísticas puedo afirmar que pocas veces he sido tan consciente de estar viviendo un momento que en mi memoria de aficionado iba a perdurar por siempre. Nada más abandonar el madrileño Teatro Real supe que siempre iba a recordarla y que, además, que será cada vez más difícil vivir experiencias similares.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">El merito es de la obra de Wolfgang Rihm <i>Die Eroberung von Mexico</i> (La conquista de México). <a href="http://operaxx.blogspot.com.es/search/label/Die%20Eroberung%20von%20Mexico">Aquí </a>hicimos una breve presentación de la obra y sus principales características pero he de reconocer que vivirla en directo me ha permitido conocerla más profundamente. Para ello ha sido clave la labor escénica de <b>Pierre Audi</b> y su habilidad para plasmar en imágenes la crudeza y la poética crueldad de la obra. Para ello Audi dispuso de una estructura cuadrada, rodeada por un foso del que salían y entraban, como si fueran insectos, cantantes y actores durante la representación, creando un efecto óptico muy interesante. No fueron estas las únicas imágenes a subrayar pues la propuesta escénica dispone de varias ellas, como las creadas a t5ravés de un holograma simulando gigantes esqueletos.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Al nivel del trabajo de Audi hay que reseñar la labor de <b>Alejo Pérez</b> en la dirección musical, compleja por la distribución de los tres grupos musicales, dos en el foso habitual y el tercero en los palcos laterales y en el denominado palco real. En la orquesta prevalecen los metales y, sobre todo, la percusión, desplegada a través de todo el teatro y creando sensaciones sonoras inhabituales. </div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Dicho todo esto conviene centrar nuestra atención en la mejo prestación musical: la del coro titular, el <b>Coro Intermezzo</b>. Supero las numerosas dificultades técnicas planteadas por Rihm en forma de susurros, suspiros, sonidos onomatopéyicos y similares. La mejor prestación coral en una ópera desde hace mucho tiempo.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Las voces principales son dos: el papel de Montezuma la asume una soprano, la lituana <b>Ausrine Stundyte</b> en este caso que cumplió con brillantez su labor. Más allá de cantar, que también, se le exige actuar y tampoco en esta labor desmereció lo ofrecido. Mucha menos interés tuvo la voz de Cortez, el barítono austriaco <b>Holger Falk</b>. En el foso orquestal se encontraban dos voces femeninas con tesituras extremas, la soprano alemana <b>Caroline Stein</b> y la contralto serbia <b>Katarina Bradic</b>. Ambas cumplieron a plena satisfacción. </div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Las funciones de <i>Die Eroberung von Mexico</i> han coincidido con la precipitada marcha del director artístico <b>Gerard Mortier</b>. Enfermo de cáncer, Mortier ha de afrontar ahora una labor principal cual es la superación de la enfermedad y estas funciones son perfecto regalo a los abonados al Real. Cierto es que algunos pocos abandonaron la función antes de terminar de un adiós (se ofreció sin descansos en sus cien minutos de duración y hay que reconocer la dificultad intrínseca de la obra) pero la mayoría disfruto de la obra y aplaudió el espectáculo. Tengo la seguridad de que quedaran para el futuro como funciones referenciales, símbolo de una época. </div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br />
</div><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><u>Ficha técnica</u>: <i>Die Eroberung von Mexico</i>, de Wolfgang Rihm (1992), Ausrine Stundyte (Montezuma, soprano), Holger Falk (Cortez, barítono), Graham Valentine (Hombre que grita, actor), Caroline Stein (soprano), Katarina Bradic (contralto), Coro y Orquesta del Teatro Real, de Madrid, Alejo Pérez (dirección musical). Madrid, 12 de octubre de 2013.</div>Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-63214180191879448082013-10-08T18:54:00.002+02:002013-10-08T18:54:35.368+02:00Hangman, Hangman!<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.andrew.cmu.edu/user/balada/images/black&white.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="http://www.andrew.cmu.edu/user/balada/images/black&white.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Leonardo Baladak egindako <i>Hagman, Hangman!</i> (Borreroa, borreroa!) gizakiaren zikoizkariaren ganbara-opera da eta konpositore estatubatuarra (Bartzelonan jaioa) 1982. urtean estreinatu zuen. Konpositoreak bere opera tragikomedia dela dio eta argumentuari so egiten badiogu Leonardo Baladaren ironia eta umorea dastatzeko aukera izango dugu.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera far-westeko munduan girotuta dago eta hasieran Johnny gaztea aurkezten zaigu, urkatua izan baino minutu batzuk lehenago. Zaldi bat lapurtzea leporatu diote eta horregatik heriotz-zigorra pairatu behar. Johnnyk bere amari etxeko abereak saltzea ekatu dio zaldiaren balorea konpensatu ahal izateko baina bere amak ezetz esango dio, honek familia osoa miseria gorrian uztea suposatuko lukeelako. Ama Johnnyren aurrean dago eta bere semea nola urkatzen duten ikustera etorri da, besterik ez.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Lapurtutako zaldia sinboloa da. Johnnyk munduan zehar zamalkatu nahi zuen lur berriak ezagutzeko, lagun berriak egiteko, bizitza berri baten aukera eskuratzeko, hots, bere ametsak bete ahal izateko. Dana alperrik izango da.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Amaren diskurtsoa amaitu eta berehala aita agertzen da eta urkatua ez dela hain gaizki egongo esaten dio semeari. Jarraian bere maitalea agertuko zaio, urkamendiruntz korrika. Johnnyk bere maitalea behar duen dirua ekartzen duela pentsatuko du baina maitaleak bakarrik abesti bat ekartzen dio, Johnnyren azken uneak gozoagoak izan daitezen.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Johnnyk dena galdutzat ematen du. Ez amak, ez aitak ez maitaleak, inork ez dio behar duen laguntzarik ematen. Johnnyk bere etorkizuna onartzen du eta bizitzari agurra emanez maitasunari abestuko dio. Abesti honekin jendearen artean dagoen gizon ezezagun baten bihotza hunkitu egiten du eta gizon honek dirua emateko prest dagoela jakinarazten dio Johnnyri. Ez hau bakarrik, ikusle guztien jarrera salatu eta Johnny pertsona on bakarra dela dio eta bere laguntzaile pertsonala izendatzen du. Gizona aberatsa da eta bapatean guztiok Johnnyren lagunak izan nahi dute. Honek etika eza konprobatzerakoan jendearekiko nazka besterik ez du sentituko .</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera laburra da oso, berrogeitabost minutu inguru eta hamabost urte beranduago Leonardo Baladaren historia honi jarraipena eman zion <i>The Town of the Greed</i> (Zekenkeriaren hiria) ganbara-operarekin non Johnnyren finantzen munduan bizi dituen pasadizo berriak kontatzen diren. Beste une batean aurkeztuko dizuet bigarren opera hau.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Hona hemen <i>Hangman, Hangman!</i> operaren hiru zati musikalak. </span>Lehenengoa operaren sarrera dugu, orkestrarako preludioa. (1) <i>Prologue </i>(Atarikoa).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Bigarren zatian aitaren eszena dugu. Bere semearen aurrean dago eta barkamenak eskatzen dizkio berandutzeagatik. Ez du dirurik ekarri, bere semea nola urkatzen duten ikusi nahi du bakarrik. (2) <i>Sorry, sonny, Johnny</i> (Barkatu, semetxo, Johnny).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br /></span>
<span lang="EN-US">Amaitzeko, operaren bukaera. Nahiz eta bere inguruan gertatutako guztia harrigarria izan Johnnyk egoera onartu, ezezagunak eskeinitako karguari baietza esan eta bizitza berri bati ekingo dio, zaldia lapurtu zuenean egin nahi zuen bezala. </span>(3) <i>What the heck!</i> (Ze demontres!).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Leonardo Baladaren <i>Hangman, Hangman! </i>(1982), James Longmire (Johnny, tenorea), Robert Fire (aita, baxua), Carnegie Mellon Talde Garaikidea, Colman Pearce (zuzendaria).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera <i>Hangman, Hangman! </i>(¡Verdugo, verdugo!), de Leonardo Balada es una breve ópera de cámara de este compositor estadounidense, nacido en Barcelona, que trata sobre la mezquindad del ser humano. El compositor la define como una tragicomedia y si reparamos en su argumento se nos aparecen con nitidez la ironía y el humor que despliega Leonardo Balada.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera está ambientada en el mundo del lejano oeste y al comienzo nos presenta a un joven, de nombre Johnny, apenas minutos antes de ser ahorcado. Le han acusado de robar un caballo y por ello ha recibido el castigo capital. Johnny suplica a su madre, presente en la ejecución, la venta de la hacienda familiar para satisfacer el valor del caballo pero la respuesta de su madre es negativa pues ello acarrearía la miseria para toda la familia. La madre está delante de su hijo y le reconoce que está presente solo para ver cómo ahorcan al hijo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El caballo robado no es más que un símbolo. Johnny quería cabalgar sobre él para conocer nuevas tierras, hacer nuevos amigos y, en definitiva, dar inicio a una vida nueva, es decir, poder cumplir sus sueños. Todo ha sido en vano. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Nada más finalizar la madre aparece el padre, que recuerda al hijo que ahorcado tampoco se está tan mal. Más tarde, corriendo entre los espectadores del ajusticiamiento, aparecerá la amante de Johnny. Este verá renacer sus esperanzas de arreglo de la situación pero su amante solo le trae una canción para hacer más llevadero el momento. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Johnny da todo por perdido. Ni su madre, ni su padre, ni su amante,… nadie parece dispuesto a darle ayuda real. Finalmente Johnny se resigna a su suerte y canta al amor en su peculiar adiós a la vida. Esta canción sacude la conciencia de un hombre desconocido que acepta pagar el valor de caballo y librar de la muerte a Johnny. Aún más, declara que Johnny es la única persona de buen corazón presente, denuncia la actitud de todos los demás y le nombra asistente personal. El desconocido es un magnate de los negocios. Ello provoca la reacción de alegría de todos y declaran su voluntad de ser amigos de Johnny, el cual solo siente desprecio ante tal cambio de actitud. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera, queda dicho, es breve, apenas cuarenta y cinco minutos y quince años después Leonardo Balada escribió una segunda ópera de cámara, <i>The Town of the Greed</i> (La ciudad de la avaricia), secuela de la protagonista de hoy y donde se nos cuentas nuevas aventuras de un Johnny metido en el mundo de las finanzas. La traeremos aquí en un futuro.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
He aquí los tres fragmentos musicales de <i>Hangman, Hangman! </i>En el primero tenemos el preludio orquestal de la ópera. (1) <i>Prologue </i>(Prólogo). </div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo tenemos la escena de Johnny y su padre. Este le pide perdón por llegar tarde a la ejecución a la vez que le anuncia que su único objetivo es ver el ahorcamiento. (2) <i>Sorry, sonny, Johnny</i> (Disculpa, hijo mio, Johnny). </div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para finalizar, la última escena de la ópera. A pesar de lo increíble de la situación vivida Johnny acepta la nueva situación, acepta el cargo que le ofrece el desconocido y apuesta por una nueva vida, tal y como quiso cuando robo el caballo. (3) <i>What the heck! </i>(¡Qué diablos!).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<u>Versión</u>: <i>Hangman, Hangman!,</i> de Leonardo Balada (1982), James Longmire (Johnny, tenor), Robert Fire (aita, bajo), Grupo Contemporáneo Carnegie Mellon, Colman Pearce (dirección musical).</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-88637648635740088542013-09-30T18:52:00.000+02:002013-09-30T18:52:39.866+02:00Die Eroberung von Mexico<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.figuren-modellbau.de/geschichte/mexiko.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="224" src="http://www.figuren-modellbau.de/geschichte/mexiko.jpg" width="320" /></a></div>
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<br /></div>
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Wolfgang Rihmek <i>Die Eroberung von Mexico</i> (Mexikoren konkista) drama musikala dela aipatu zuen bere momentuan, bere izenburua Alemaniako operaren historian sartu nahian edo. <i>Drama musikal</i>aren kontzeptua lotuta dago oso Richard Wagneren obrarekin eta ziurenik Rihmen aukeraketa ez da kasualitatearen ondorioa, errespetutik tradizioi alemaiarrari so begira egoteko. Beharbada Wolfgang Rihm, konsziente izanda bere operaren musika “objetiboki” zaila dela, uztartze honekin bere azken asmoa ulertarazteko erabiltzen zuen kontzeptu hau.<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Wolfgang Rihmek mexikar desberdinen testuak erabiltzen ditu libretoa osatzeko, besteak beste Octavio Pazen <i>La raíz del hombre</i> (Gizakiaren sustraia) edota ezezaguna diren olerkari indijena batzuen testuak, <i>Cantares mexicanos</i> (Olerki mexikarrak) zikloren barruan daudenak.</div>
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<br /></div>
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Olerkien aukeraketa giltza da Rihmen helburu musikala ulertzeko, konpositoreak ekintza dramatikoa baino ekintzaren ikuspuntu poetikoa azpimarratu nahi duelako eta ondorioz konkistaren genozidioa alboratu eta pertsonai nagusien barruko drama garatu egiten du Rihmek. Pertsonai hauek Montezuma eta Cortez (sic) dira. Lehenengoa emakumezkoaren ahotsaren bidez gauzatzen da, gizonezkoarenarekin bigarrena, kontrastea handitzeko nahian.</div>
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Opera data esanguratsuan, 1992. urtean, estreinatu zen, Amerikaren “aurkikuntza”ren bostehungarren urteurrenean eta aurten Madrilgo Real Antzokian aurkeztuko da. Aukera hau paregabea da estetika hain bortitza eta orijinala duen opera ikusteko eta entzuteko.</div>
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<br /></div>
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Opera lau zatitan banatuta dago: lehenengoa <i>Die Vorseichen</i> (Zeinua) da eta hemen Cortezen izpiritua agertzen da musika mexikar indigenak bere ahotsa inguratzen duen bitartean. Hemen zeinuak etorkizuna etor daitekenari begiratzen dio. Bigarren zatiak, <i>Bekenntnis </i>(Adierazpena) izenekoak, Montezuma eta Cortezen arteko topaketada deskribatzen digu. Bion artean dagoen hasierako borondate ona ezertan gelditzen da bion arteko komunikazioa ezinezkoa dela jabetzen direnean. Bakoitzak mundu desberdina ordezkatzen du eta harremana ez da posible.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hirugarren zatiak, <i>Die Umwälzungen</i> (Eragozpenak) izenekoak, Montezuma pertsonaia eta bere ondasun guztien suntsiketa jasotzen du bere baitan. Erasoa ez da eszenan gauzatzen; arestian aipatu dut ekintza dramatikoa era poetikoa azaltzen dela eta hemen Montezumaren barneko miña agertzen da eta honekin batera Cortezen porrot pertsonala. Amaitzeko laugarren zatia dugu, <i>Die Abdankung</i> (Abdikazioa) non historioa berrirakurtzen da eta espaniar soldaduak izango dira batailean hilko direnak.</div>
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<br /></div>
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Opera honetako hiru zati musikalak hauek dira: lehenengoa hirugarren zatiko hasiera dugu non Montezumaren aurkako erasoa gauzatzen den. </div>
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<br /></div>
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(1) <i>Revolte, Revolte in allen Schichten</i> (Matxinada, matxinada –giza- maila guztietan).<br />
<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bigarrenean Montezumaren aieneak ditugu nagusiki, bere munduaren suntsiketa fisiko eta etikoa gauzatu eta gero. Zati hau hirugarren zatian ere kokatuta dago.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
(2) <i>Montezumas Ansprache</i> (Moctezumaren diskurtsoa).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Hirugarren zatiak operaren amaiera jasotzen du. Octavio Pazen olerkia erabiliak dira ekitaldi bakoitzaren amaiera emateko eta laugarren paragrafoak zati honen eta opera osoko bukaera gauzatzeko erabiltzen da. Hemen heriotza ixila eta maitasuna lotzen dira. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
(3) <i>Cuarta estrofa de </i>La raiz del hombre (Gizakiaren sustraiaren laugarren ahapaldia).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Wolfgang Rhimen <i>Die Eroberung von Mexico</i> (1992), Richard Salter (Cortez, baritonoa), Renate Behle (Montezuma, sopranoa), Hamburgeko Operaren Abesbatza eta Orkestra, Ingo Metzmacher (zuzendaria).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br /></div>
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<br /></div>
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El mismo Wolfgang Rihm definió <i>Die Eroberung von Mexico</i> (La conquista de México) como un drama musical, quizás con el deseo de incluir su obra dentro de la tradición operística alemana. El concepto <i>drama musical</i> está muy unido a la figura y obra de Richard Wagner y seguramente la elección de Rihm está lejos de ser casual, siempre desde el respeto del compositor a la tradición operística de su país. O quizás Wolfgang Rihm, consciente de la dificultad “objetiva” de su música, provoca tal fusión conceptual con el objetivo de entender la voluntad del compositor.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Wolfgang Rihm utiliza distintos textos de origen mexicano para concretar su libreto, siendo estos textos, entre otros, <i>La raíz del hombre</i>, de Octavio Paz y otros anónimos recogidos en la obra <i>Cantares mexicanos</i>. La elección de obras poéticas nos da la pista de la voluntad de Rihm de encarar el hecho del conflicto no tanto con el desarrollo de la acción dramática sino desde un punto de vista poético; así, el genocidio tras la conquista que da al margen para centrarse el compositor en el drama interno de cada uno de los personajes. Ellos son Montezuma y Cortez (sic): el primero representado por una voz femenina, masculina el segundo, en aras de hacer mayor el contraste entre ambas.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera fue estrenada en la significativa fecha de 1992, en el quinientos aniversario del “descubrimiento” de América; además esta temporada se propone dentro del programa del Teatro Real, de Madrid lo que significa una oportunidad única para disfrutar de esta ópera de estética tan compleja como violenta.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera está dividida en cuatro partes: la primera es denominada <i>Die Vorseichen</i> (La señal) y aquí se aparece el espíritu de Cortez mientras es rodeado por música de origen indígena mexicana. La señal hace referencia al futuro inmediato. La segunda parte es titulada <i>Bekenntnis </i>(La declaración) y describe el encuentro entre Montezuma y Cortez. La primera voluntad de encuentro entre ambos queda superada por la imposible comunicación entre los protagonistas. Cada uno representa un mundo antagónico y la comunicación es imposible.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La tercera parte, <i>Die Umwälzungen </i>(Conflictos), recoge el aniquilamiento físico y ético de Montezuma y sus posesiones. La escena no recoge la situación violenta sino que, como hemos señalado arriba la acción dramática se presenta de forma poética. Aquí el dolor de Montezuma es interno y junto a él asistimos al fracaso personal de Cortez. Para finalizar asistimos a la cuarta y última parte, <i>Die Abdankung</i> (Abdicación), donde se hace una relectura de la historia y son los soldados españoles quien mueren en combate.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Los tres fragmentos musicales elegidos son los siguientes: el primero recoge el comienzo de la tercera parte, donde se recoge el ataque contra Montezuma. (1) <i>Revolte, Revolte in allen Schichten </i>(Revuelta, revuelta en todas las capas sociales).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La segunda parte, tambien perteneciente a la tercera parte, nos permite escuchar el lamento de Montezuma tras el destrozo físico y ético de su mundo. (2) <i>Montezumas Ansprache</i> (Discurso de Montezuma). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El tercer fragmento nos permite escuchar el final de la ópera. En este momento, como en cada final de acto, se utiliza un verso de Octavio Paz. En este se unen la muerte silenciosa y el amor (3) <i>Cuarta estrofa de </i>La raíz del hombre<i>. </i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>Die Eroberung von Mexico</i>, de Wolfgang Rihm (1992), Richard Salter (Cortez, barítono), Renate Behle (Montezuma, soprano), Coro y Orquesta de la Ópera de Hamburgo, Ingo Metzmacher (dirección musical).</div>
<br />
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<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-81417447497982075422013-09-23T18:02:00.000+02:002013-09-23T18:02:21.227+02:00Adriana Lecouvreur<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.operanews.com/uploadedImages/Opera_News_Magazine/2011/2/Review/ReviewROHAdriana1hdl1211.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="233" src="http://www.operanews.com/uploadedImages/Opera_News_Magazine/2011/2/Review/ReviewROHAdriana1hdl1211.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
XIX. mendetik zetorren tradizioari jarraipena emanez XIX eta XX. mendeen arteko transizioan hainbat opera idatzi ziren verismo korronte estetikoaren barruan. Verismoa azken erromantizismoaren barruan kokatu behar dugu eta egia alegia, bizitza bera deskribitu nahi zuen; hemen kokatzen dugun gaur ekartzen dugun opera, Francesco Cilearen <i>Adriana Lecouvreur</i>. Hau horrela izanda onartu beharko genuke verismoaren barruan daudenen artean opera hau sinesgarritasun gutxienetariako dela, bere libretoa nahiko eskasa baita.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Operak 1789ko Iraultza aurretik egon zen benetako aktore frantziar baten bizitza kontatzen digu, bere ospea, lorpenak, amodioak, eta abar. Aktoreak nahi gabe historio politiko baten erdian aurkituko du bere burua eta historio honen biktima izango da. Libreto kaxkarrak heriotza imajinaezina gordetzen du protagonistarentzat, lore sorta batek botatako pozoina arnasterakoan hilko baita, bere maitalearen besotan.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hau da gaur egun Francesco Cilearen taularatzen den ia lan bakarra. Operaren historian zehar (taularatzen den) opera bakarreko musikarien artean aurkitzen da Francesco Cilea Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano edota Amilcare Ponchiellirekin batera, danak garai eta estetika berekoak.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Adriana Lecouvreur</i> diboentzako opera izan da hasieratik. Soprano spinto-dramatikoa esijitzen du eta izen historikoak izenburu honekin itsatsita daude betiko, besteak beste Maria Caniglia, Claudia Muzio, Renata Tebaldi, Renata Scotto, Raisa Kabaivanska, Montserrat Caballé eta, guztien gainetik, Magda Olivero.Cileak berak Magda Oliveroren ahotsa eta pertsonaia erakitzeko gaitasun dramatikoa aipatu zuen bere opera interpretatzeko egokiena zela eta zorionez hainbat grabazioak gelditu dira gure artean. Holan autoreak rol hau nola ulertzen zuen errezagoa da ulertzea.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Saxoniako Maurizio da tenorea eta izen hau ere, bere heroismoagatik (italiar erara ulertuta) oso rol erakargarria izan da tenore spintoentzat eta hor Enrico Caruso (estreinatu zuena) Beniamino Gigli, Mario del Monaco, Franco Corelli, Plácido Domingo eta holako izenak aukeratu ohi dute papera.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera ez da batere berritzailea. Bere egitura klasikoa da oso eta eszena desberdinetan protagonista bakoitzak badu bere unea gaitasun teknikoa eta ahotsa erakusteko. Cileak motibo desberdinak erabiltzen ditu pertsonai garrantzitsuenak bai aipatutakoak, Adriana eta Maurizio, bai printzesa, Adrianaren etsaia amodio kontutan eta Maurizioaren maitalegai sekretua.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Entzun ditzagun gure hiru zati musikalak. </span>Bakoitza egokia da pertsonai bana aurkezteko. Lehenengoan Adrianak bere apaltasuna eta artearekiko bere menpekotasuna erakusten dizkigu, antzokian izugarrizko arrakasta izan eta berehala. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
(1) <i>Io son l’umile ancella </i>(Ni neska umila naiz). <br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Bigarrenean Bouillongo printzesaren aurkezpenaren bere ariaren bigarren zatia dugu. Ahots boteretsua eta iluna eskatzen da hau ongi egiteko, pritzesa honek errikigabetasuna besterik ez duelako erkutsiko operan zehar. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
(2) <i>Oh, vagabonda stella</i> (Oh, izar ibiltaria).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Bukateko entzun dezagun tenorearen partehartzea. <span lang="EN-US">Printzesak bat egin du Mauriziorekin eta honek loreak eramatn ditu. </span>Arazoak ez izateko Mauriziok bioletak berarentzat direla esango dio, gezurra izan arren. Benetako hartzailea nor zen jakin eta gero printzesak lore mota berbera erabiliko du Adriana hiltzeko. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
(3) <i>L’anima ho stanca</i> (Arima nekatuta daukat).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<object height="36" width="470"><param value="http://www.divshare.com/flash/audio_embed?data=YTo2OntzOjU6ImFwaUlkIjtzOjE6IjQiO3M6NjoiZmlsZUlkIjtzOjg6IjI0NTQ3NTIyIjtzOjQ6ImNvZGUiO3M6MTI6IjI0NTQ3NTIyLWVjYiI7czo2OiJ1c2VySWQiO3M6NzoiMjU2ODUxNyI7czoxMjoiZXh0ZXJuYWxDYWxsIjtpOjE7czo0OiJ0aW1lIjtpOjEzNzk5NTE1NTY7fQ==&autoplay=default" name="movie"></param>
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u><br /></u>
<u>Bertsioa</u>: Francesco Cilearen <i>Adriana Lecouvreur</i> (1902), Renata Scotto (Adriana, sopranoa), Plácido Domingo (Maurizio, tenorea), Elena Obratztsova (Bouillongo Printzesa, mezzosopranoa), Philarmonia Orchestra, James Levine (zuzendaria).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.arte.tv/papi/tvguide/images/1033872/W940H530/044313-000_lecouvreur_02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="http://www.arte.tv/papi/tvguide/images/1033872/W940H530/044313-000_lecouvreur_02.jpg" width="320" /></a></div>
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Dando continuidad a la tradición del siglo XIX en plena transición intersecular (XIX y XX) se escribieron muchas óperas hoy en día incluidas dentro de la estética denominada verismo. Es el verismo aquella corriente tardorromántica que trata de describir con fidelidad la vida misma; dentro de esta estética se sitúa la ópera de hoy, <i>Adriana Lecouvreur</i>, de Francesco Cilea. Y siendo esto así reconozcamos que dentro de las óperas veristas es ésta una de las más –literalmente- increíbles por tener un libreto de escasa calidad. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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La ópera, situada en la Francia anterior a la revolución de 1789, se basa libremente en la vida real de la actriz del mismo nombre, de sus éxitos, su fama, sus amores, etc. La actriz se ve envuelta, sin querer, en una trama política, trama que acabará cobrándole la vida. El ya mencionado paupérrimo libreto guarda una de las muertes más asombrosas de la historia de la ópera pues la actriz pierde la vida en brazos de su amante al aspirar el olor de unas violetas envenenadas.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Es esta la única ópera de Francesco Cilea que hoy goza de cierto predicamento. Cilea está incluido, como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano o Amilcare Ponchielli en esa lista de compositores de una única ópera (hoy en día representada), todos ellos, curiosamente, pertenecientes a la misma estética. </div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Adriana Lecouvreur</i> ha sido ópera de grandes divas. Exige una voz de soprano spinto con capacidad dramática y así, nombres como Maria Caniglia, Claudia Muzio, Renata Tebaldi, Renata Scotto, Raisa Kabaivanska, Montserrat Caballé y, por encima de todas ellas, Magda Olivero están indeleblemente unidos a este título. El mismo Cilea apuntó la voz de Magda Olivero como la ideal para caracterizar su personaje y por suerte se disponen de distintas grabaciones en las que se puede escuchar su voz y su capacidad dramática para crear personaje. Es así fácil asumir como entendía el autor el papel que él mismo escribió.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Maurizio de Sajonia es el protagonista masculino, que por su carácter heroico (a la italiana) ha sido rol atractivo para los grandes de la lírica del siglo pasado. Así, Enrico Caruso, que estrenó la obra, u otros como Beniamino Gigli, Mario del Monaco, Franco Corelli, Plácido Domingo y nombres similares han sido habituales en esta obra.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La obra no es, en absoluta, novedosa. Su estructura es clásica y en cada escena alguno de los personajes adquiere el protagonismo necesario para así dar oportunidad al cantante de desarrollar su técnica vocal y capacidad dramática. El compositor utilizó distintos temas musicales para los principales personajes, Adriana y Maurizio, además de los realizados para el tercero en cuestión, la princesa de Bouillon, enemiga de Adriana en cuitas amorosas por ser pretendiente secreta de Maurizio.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Escuchemos nuestros tres fragmentos habituales, cada uno de ellos dedicado a un personaje. El primero es la presentación de Adriana: tras un enorme éxito en el escenario Adriana muestra su humildad ante los amigos y ente el arte, al que se debe. (1) <i>Io son l’umile ancella</i> (Soy una humilde muchacha).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo tenemos la parte conclusiva del aria de presentación de la princesa de Bouillon. Se pide una voz poderosa y oscura para poder dar forma a un personaje implacable durante toda la obra (2) <i>Oh, vagabonda stella</i> (¡Oh, estrella vagabunda!).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para finalizar, la intervención del tenor. La princesa de Bouillon ha encontrado a Maurizio con unas violetas y este, apurado por el inesperado encuentro, le mentirá diciéndole que son para ella. Más tarde la princesa utilizará el mismo tipo de flor para terminar con la vida de la actriz, verdadera destinataria de las primeras. (3)<i> L’anima ho stanca</i> (Tengo el alma cansada).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>Adriana Lecouvreur</i>, de Francesco Cilearen (1902), Renata Scotto (Adriana, soprano), Plácido Domingo (Maurizio, tenor), Elena Obratztsova (Princesa de Bouillon, mezzosoprano), Philarmonia Orchestra, James Levine (dirección musical).</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2143716666122039289.post-86008831771521148742013-09-16T15:34:00.000+02:002013-09-16T15:34:38.448+02:00The Turn of the Screw<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://welltempered.files.wordpress.com/2010/01/turnofthe-screw460.jpg?w=370&h=245" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="211" src="http://welltempered.files.wordpress.com/2010/01/turnofthe-screw460.jpg?w=370&h=245" width="320" /></a></div>
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<i><br />
</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br />
</i></div>
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<i>The Turn of the Screw</i> (Koska bat zailago) Benjamin Brittenen hirugarren ganbarazko opera da eta Veneziako Biurtekoak egindako eskaerari erantzuna zen. Ganbarazko opera da Britennek oso orkestra txikia eskatzen baitu, hamahiru musikariena hain zuzen ere. Talde oso egokia opera honek aurkezten digun gaia garatu ahal izateko: misterioa, egi erdiak, iragan susmagarria. Eta nola gauzatzen da guzti hau? Mamuak dira opera honetan protagonistak, Ingalaterrako XIX. mendeko etxe noble batean aurki ditzakegun holakoak. Hala ere azpian dagoen benetako historia Flora eta Miles umeen ustelkeri eta degradazioa da. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Umeek garbitasuna eta errugabetasuna irudikatzen dute, beraien inguruan dauden mamuek iraganeko amodiozko historio ez onartuaren ondorioz sortutako gaiztakeria irudikatzen duten bitartean. Etxe viktoriar honetara etxe-irakasle berria heldu, Miss Jessel, eta berehala jabetuko da zer nolako egoera dagoen eta ondorio latzak ebitatzen saiatuko da, ezer onik lortu gabe.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera honetan uneoro sexu harremanak argumentuaren azpian daude. Arestian aipatu dugu mamuek izkutuko amodiozko harremana izan zutela baina gairik larriena Peter Quintek, hilda dagoen zerbitzariak umeekiko izandako balizko harremanak da. Ez da zehatz mehatz aipatzen baina pederastiaren susmoaren mamua presente dago historio krudel honetako garapen dramatikoan. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera 1953an idatzi zen eta garai hartan homosexualitatea (are gehiago umea tartean baldin badago) tabua zen baina ezaguna da Benjamin Brittenen opera desberdinetan gai honek indarra duela. Honek ez du esan nahi ezer autobiografikoa dagoenik. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Benjamin Brittenek ezohiko erabaki musikala hartzen du, alegia, Miles rolaren ahotsa umearena izatea. Honek areagotu egiten du entzulearen egoneza, bereziki Milesek bere sufrimendua azalarazten duenean. Egoera horretan bere etxe-irakasle berria ez da gauza sufrimendua arintzeko eta, neurri batean, egoerak berak harrapatu egiten du Miss Jessel, amaiera triste ebitaezina izango balitz bezala.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Opera aurrekarian eta bi ekitalditan banatuta dago eta ekitaldi bakoitzak zortzi eszena ditu; eszenen artean orkestrarako interludioa jotzen da eta orkestran garrantzia hartzen dute gaiztakeria azpimarratzen dituzten soinu tresna batzuk, zelesta edota biola adibideak jartzearren.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">Gure ohiko hiru zati musikalak bereziak dira oso. Lehenengoan, aurrekaria dugu, oso Brittenen gustoko gauza: opera hasi baino lehenago, sarrera gisa, ahots batek azaltzen digu zer nolako historioa ezagutuko dugu. </span>Estreinaldian konpositorearen betiko laguna Peter Pearsek abestu zuen zati hau. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
(1) <i>It is a curious story </i>(Historia bitxia da hau).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Bigarrenean etxean izandako latin klasea dugu. Milesek burua galtzen du eta bere barruko miña atera egiten du. <span lang="EN-US">Orduan hasiko da Miss Jessel ulertzen zer nolako tragedia dago umeen iraganean. Zati honetako musika erabiliko du etxe-irakasleak operaren amaiera, Milesen gorputza zaintzen duen bitartean. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US"><br />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US">(2) <i>Many nouns in is we find</i> (-is amaitzen diren izen asko aurkitzen dugu).<o:p></o:p></span><br />
<span lang="EN-US"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<object height="36" width="470"><param value="http://www.divshare.com/flash/audio_embed?data=YTo2OntzOjU6ImFwaUlkIjtzOjE6IjQiO3M6NjoiZmlsZUlkIjtzOjg6IjI0NTE1NDg1IjtzOjQ6ImNvZGUiO3M6MTI6IjI0NTE1NDg1LTg1YyI7czo2OiJ1c2VySWQiO3M6NzoiMjU2ODUxNyI7czoxMjoiZXh0ZXJuYWxDYWxsIjtpOjE7czo0OiJ0aW1lIjtpOjEzNzkzMzgyOTQ7fQ==&autoplay=default" name="movie"></param>
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
Eta hirugarrenak Peter Quint pertsonaian oinarritzen da. Peter Quint saiatzen da Miles tentaldian eror dadila. Mamuak bere zain dagoela esaten dio eta Miles zalantzan dago.<br />
<br />
(3) <i>So! She has written</i> (Begira! Berak idatzi du!).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
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</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Bertsioa</u>: Benjamin Brittenen <i>The Turn of the Screw</i> (1954), Philip Langridge (Peter Quint, tenorea), Lilian Watson (Flora, sopranoa), Helen Donath (irakaslea, sopranoa), Michael Gimn (Miles, tiplea), Londongo Royal Opera House, Covent Gardengo Orkestra, Colin Davis (zuzendaria).<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://i.telegraph.co.uk/multimedia/archive/01731/PD39246055_Turn-of_1731379c.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://i.telegraph.co.uk/multimedia/archive/01731/PD39246055_Turn-of_1731379c.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>The Turn of the Screw</i> (Una vuelta de tuerca) es la tercera ópera de cámara de Benjamin Britten y su composición responde a una petición de la Bienal de Venecia. Esta ópera de cámara requiere una pequeña orquesta de solo trece instrumentos, conjunto muy adecuado para transmitir los temas principales que dominan esta obra: el misterio, medias verdades, un pasado conflictivo. ¿Y cómo se desarrollo todo esto? Los aparentes protagonistas de la obra son unos fantasmas, típicos de una casa victoriana inglesa del XIX; sin embargo lo que subyace es la historia de la corrupción y degradación de dos niños, Miles y Flora.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Los niños representan la pureza y la inocencia mientras los fantasmas que les rodean representan la maldad, consecuencia de una pasada relación amorosa no permitida. A la mencionada casa victoriana llega una nueva institutriz, Miss Jessel, que, de forma inmediata se percatará de la situación anómala en la que viven los niños. Tratará en vano de evitar el trágico final. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En esta obra es permanente la tensión sexual. Ya hemos mencionado que los fantasmas lo son, en cierta forma, como consecuencia de una relación amorosa secreta pero lo más grave es la sospecha de la relación que Peter Quint, el criado fallecido, mantuvo con los niños de la casa. Ello nunca se concreta pero la sospecha de pederastia está siempre presente en el desarrollo dramático de la obra. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La obra se compuso en 1953, momento en la que la homosexualidad (y más en el caso de la presencia de niños) era tema tabú en Inglaterra pero ya es conocido la importancia que Benjamin Britten da a esta cuestión en más de una ópera, sin que ello suponga que la historia tenga nada de autobiográfico.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Benjamin Britten toma una decisión inhabitual en esta ópera concediendo protagonismo a la voz infantil. Ello subraya en el oyente una sensación de desasosiego, especialmente en los momentos que Miles da a conocer su sufrimiento. La nueva institutriz no es capaz de detener tal sufrimiento y queda atrapada por la situación creada, como si el final triste fuera inevitable.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La ópera está estructurada en un prologo y dos actos y cada acto tiene ocho escenas, que están unidas por interludios orquestales; en esta pequeña orquesta adquieren importancia algunos de los instrumentos que indican la maldad misma, como la viola o la celesta.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Nuestros tres habituales fragmentos son ciertamente especiales. En el primero presentamos el prólogo, costumbre muy del gusto del compositor: antes de iniciarse la ópera una voz de tenor nos explica la historia que vamos a conocer. En el estreno este fragmento fue asumido por el compañero de Britten, Peter Pears. (1)<i> It is a curious story</i> (Es esta una curiosa historia).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el segundo corte tenemos la clase de latín. Miles parece delirar y saca de su interior todo el dolor que tiene. Miss Jessel comenzará a comprender el tamaño de la tragegia que han vivido los niños en el pasado. Esta música la retomará la institutriz al final de la ópera, mientras recoge en sus brazos el cuerpo inerme de Miles. (2) <i>Many nouns in is we find</i> (Muchos nombres terminados en –is hemos encontrado).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El tercero se basa en el personaje de Peter Quint. El criado trata de tentar a Miles diciéndole que está esperándole mientras el niño duda. <span lang="EN-US">(3) <i>So! She has written </i>(¡Mira! Ella ha escrito).<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<u>Versión</u>: <i>The Turn of the Screw</i>, de Benjamin Britten (1954), Philip Langridge (Peter Quint, tenor), Lilian Watson (Flora, soprano), Helen Donath (institutriz, soprano), Michael Gimn (Miles, tiple), Orquesta de la Royal Opera House, Covent Garden, de Londres, Colin Davis (dirección musical).</div>
Enriquehttp://www.blogger.com/profile/03707840585560658614noreply@blogger.com1