Théâtre du Capitole 2014/2015

Tolosako Capitole Antzokiaren denboraldi berriaren aurkezpen ofizialak nituen itxaropen guztiak gainditu egin ditu, behintzat bere izenburuei erreparatzen badiegu. Kostata aurkituko dugu beste denboraldia hain orekatua eta ausarta. Beste batzuk gaur egun pairatzen dugun krisi ekonomikoa betiko izenburuen amaigabeko errepikapena justifikatzeko erabiltzen duten bitartean hemen, Tolosan, antzokiaren zuzendaritzak operak dituen estetika, mugimendu eta sentikortasun desberdinen ispilua izatea erabaki du eta hau eskertzekoa da, benetan.

Blog honen lantzen dituen mendeei dagokienez Tolosak apostu sendoa egiten du. Arrazoi nahikotxo ematen dizkigu Capitolek Tolosaraino joateko eta hurrengo hilabetetan zehar denboraldi honen lekukoa izaten saiatuko gara. Kronologikoki hauek dira XX eta XXI. mendetako Tolosak aurkezten dizkigun operak.

Lehenengo aukera berezia da oso, Capitolek programa berean Benjamin Brittenen bi opera eskeiniko dizkigulako. Lehendabizikoa Owen Wingrave (1971) izango da, jatorriz telebistarako egin zen opera eta konpositore zoragarri honen azkenaurrekoa. Honekin batera eta ezohiko programa osatuz, The Turn of the Screw (Azkoinen bira, 1954). Zaia benetan eskaintza hain erakargarria egitea gaur egungo edozein antzoki-operan. Bi opera hauek Benjamin Brittenek misterioaren inguruan bi irakurketa desberdin deskribatzen dizkigute baina ideia iraunkor batekin: iraganaren mamuak. Lehenengoan bakezaletasunaren ideiarekin lotuta, bigarrenean, umeen balizko errugabetasunarekin. Opera hauek aurtengo azaroan zehar antestuko dira eta blog honetarako lehentasuna izango dira. Hona hemen operaren hasiera.

Abenduan zehar, Gabonetako egunetan hain zuzen ere, Amadeu Vivesen Doña Francisquita (1923) antzestuko da. Zarzuela hau tamaino handiko obra da eta Madril erromantikoaren deskribapen zehatza da. Oso gutxi taularatzen da estatu espainirratik kanpo eta arrarotzat har daiteke Tolosan egotea.

Hala ere, izenbururik ezohikoena Wolfgang Mittereren Massacre (Txikizioa, 2003) izango da, gaur egungo operaren adierazpenik interesgarria. Mittererek XVI. mendean egondako hugonoten txikizioan oinarritzen da indarkeriaz eta indarrez beteriko opera garatzeko. Obra hau bost abeslari eta bederatzi musikarientzako opera da eta elektronikoak garrantzi handia duelarik. Ahotsei eskatzen zaiona asko eta zaila da. Opera hau datorren urteko apirilan zehar ikusi ahal izango dugu. Bere ezaugarriak nabarmenki nozitzen dira hurrengo bideoan.

Hurrengo izenburua Sergei Prokofieven Obrucheniye v monastïre (Ezteiak momastegian, 1946)) entzungai izango dugu Capitolen. Orain dela bost urte aukera izan nuen opera hau leku berean ikusteko eta Prokofieven opera komiko hau benetan interesgarria da, Sevillan, eta amodiozko nahasketa eta korapiloak kontatzen dizkigu, tradizio buffaren barruan lerrokatua. Azpimarratzekoa da Tugan Sokhiev zuzendari musikala izango dela. Ikus dezagun opera honen eszena bat.

Amaitzeko, Giacomo Pucciniren Turandot (1926), blog honetan dagoeneko aurkeztuta dagoena. Tolosako Capitolek altua jarri du listoia. Neretzat ez dago beste operaldia hain interesgarria eta erakargarria. Neurri handi batean, eredugarria ere. Informazio gehiago: http://www.theatreducapitole.fr/1/saison-2014-2015/saison-2014-2015-1564.html?lang=fr

El teatro Capitole, de Toulouse ha conseguido superar las expectativas que tenía ante la presentación de la nueva temporada de ópera, por lo menos en lo que se refiere a los títulos anunciados. Difícilmente encontraremos una temporada de estas características tan equilibrada y valiente. Mientras otros se escudan en la tan cacareada crisis económica para justificar la repetición ad nauseam de los títulos de siempre otros como Toulouse ofrecen óperas que recogen las distintas  estéticas, corrientes y sensibilidades que en el mundo de este arte conviven, hasta terminar siendo espejo en el que más de uno habría de mirarse.

Por lo que a los siglos que trabaja este blog el teatro de Toulouse hace una apuesta seria. De hecho, se nos dan varias razones para viajar hasta la ciudad francesa y este blog tratará de ser testigo de la temporada durante los próximos meses. Cronológicamente estas son las óperas que anuncia Toulouse, correspondientes a los siglos XX y XXI.

La primera oportunidad es realmente especial pues el Capitole anuncia un programa Britten doble espectacular: Owen Wingrave (1971), ópera realizada en origen para la televisión y The Turn of the Screw (Una vuelta de tuerca, 1954). Propuesta tan valiente como atractiva la de este teatro. En estas dos óperas Benjamin Britten nos introduce en el mundo del misterio a través de dos lecturas distintas y una idea constante: la importancia de los fantasmas del pasado. En la primera ópera uniéndolo al ideal del pacifismo, en la segunda, con la supuesta inocencia del mundo infantil. Estas óperas se ofrecerán el próximo noviembre y trataremos de no perdérnoslas. Arriba puede verse en vídeo el inicio de la primera de las óperas mencionadas.

En diciembre, más exactamente en las fechas de navidad el Capitole ofrece la obra de Amadeu Vives Doña Francisquita (1923), zarzuela de tamaño grande y que describe el Madrid romántico. Título infrecuente fuera del estado español y novedad interesante, por lo tanto, para el público de Toulouse.

De todas formas, el título más infrecuente será Massacre (Masacre, 2003), de Wolfgang Mitterer, manifestación interesante de la creación más actual. Mitterer nos narra la masiva ejecución de hugonotes ocurrida en las guerras de religiones durante el siglo XVI y es una ópera llena de violencia y fuerza. Esta obra es para cinco voces, nueve instrumentistas y electrónica, constatando las enormes exigencias pedidas a las voces. Massacre podrá verse el próximo mes de abril. Las particularidades de esta obra pueden percibirse en el segundo vídeo arriba ofrecido.

El siguiente título que podrá escucharse en el Capitole será Obrucheniye v monastïre (Esponsales en el monasterio, 1946). Hace cinco años tuve la oportunidad de conocerla en el mismo recinto y puedo certificar el interés de esta ópera cómica del compositor soviético, situada en Sevilla y que nos narra las complicaciones sentimentales de una familia acomodada, dentro de la tradición de la ópera bufa italiana. A subrayar la dirección musical del siempre interesante Tugan Sokhiev. En la versión de Valeri Gergiev tenemos una escena de esta ópera en el tercer vídeo.

Para terminar una conocida ópera, ya presentada en este blog, Turandot, de Giacomo Puccini (1926). El Capitole de Toulouse ha puesto el listón muy alto y creo realmente difícil encontrar una propuesta tan interesante y atractiva como esta. En gran medida, una temporada a imitar. Más información en: http://www.theatreducapitole.fr/1/saison-2014-2015/saison-2014-2015-1564.html?lang=fr

Teatro Real 2014/2015

Madrilgo Teatro Realek 2014/15rako denboraldia aurkeztu du eta blog honek XX. eta XXI. mendetako izenburuak ekarri eta aurkezten dizkizuet. Irailean hasiko den denboraldian Teatro Realek zuzendari artistiko berria izango du, Joan Matabosch hain zuzen ere, aurrekoa zena dimitituarazi eta gero. Eta ez dut aukera galdu nahi Teatro Realek Gerard Mortier belgiarrarekin izandako jarrera ulergaitza salatzeko, minbiziaz jota bere azken borrokari eusten dion momentuan kaleratu egin baitu, erakundeak sensibilidade eza izugarria erakutsiz. 

Denboraldi berrian bost izango dira bi mende hauetako operak, orain aurkeztuko dizkizuedanak. Lehenengoa 2014ko abenduan izango dugu ikusgai eta Benjamin Brittenen Death in Venice (Heriotza Venezian) izango da. Opera honetan Benjamin Brittenek inspirazio eza sufritzen duen idazle ospetsu baten bere bizitzaren errepasoa egiten du eta, honekin batera, arte, gainbehera, plazerra eta bizitzaren aurrean bakoitzak har dezakeen jarreraz hausnartzen du konpositoreak. Proposamen eszenikoa Willy Deckerena da eta blog honentzat, Teatro Realek eskeintzen duen izenbururik interesgarriena. Produkzio hau Bartzelonako Gran Teatre del Liceun ikusgai izan zen 2008an eta hemen doakizue bideo laburra. 

Bigarren tituloa Mauricio Soteloren estreinaldia izango da, El público (Publikoa) hain zuzen ere eta 2015eko otsaila eta martxoan antzestuko da. Federico García Lorcaren obran oinarriturik, homosexualitatea lantzen du antzezlan honek baina ez gai hau bakarrik, arte eta gizartearen arteko loturak aztertzen dituelako ere Lorcak eta operan presente egongo dira. Izenburu interesgarria gaur egungo musikari batek antzezlan klasikoa nola egokitzen duzen konprobatzeko.

Hirugarren eta laugarren izenburuak elkarrekin aurkeztuko dira 2015eko ekaina eta uztailean zehar, itxuraz amankomunean gutxi daukaten Giacomo Pucciniren Gianni Schicchi eta Enric Granadosen Goyescas (Goieskoak) zehazki. Lehendabizikoa Il trittico lanaren hirugarren zatia da eta bere egiliearen maisu lana da, zalantzarik gabe. Gutxitan komedia era hain bikaina eta azkarra planteatu da operaren historia. Zoritxarrez Plácido Domingo tenoreohiak protagonismoa hartzerakoan eztali egingo du obra honen garrantzia. Aipa dezagun proposamen eszenikoa Woody Allen zinema zuzendari ospetsuak egingo duela. Bideoan Maria Callas handiaren ahotsa ekartzen dut, opera labur honen zatirik ezagunena entzun ahal izateko.

Berarekin batera beste lan laburra, Granados katalandarraren Goyescas. Oso gutxitan taularatzen da opera hau eta hau da, beharbada, arrazoi nagusia Madrilera joateko. Aurrrekoa komediaren adibide esanguratsua baldin bada, hemen trajedia dugu, maitasuna, zeloak eta heriotza, kontraste garbia lortzen delarik. Hemen Plácido Domingo orkestra zuzendaria izango da eta bideoan agertzen den opera honen intermezzo ospetsua zuzendu beharko du.

Gure garaiko azken opera Elena Mendoza espainiarraren La ciudad de las mentiras (Gezurren hiria) izango da eta Juan Carlos Onettiren lau obra laburretan oinarrituik dago, obrak non emakumeek protagonismo osoa eskuratuko duten. Gezurren hiria babeslekua da non protagonistek beraien miseria eta gabeziengandik alde egiten saiatuko diren.

Informazio zehatzagoa lortu nahi baduzue orrialde honetan (http://www.teatro-real.com/es/temporada-2014-2015/opera/) aurki dezakezue. Hurrengo ikasturtean zehar blog honetatik izenburu hauetaz informazioa eta kronikak zuei helarazten saiatuko gara.

El Teatro Real, de Madrid ha presentado su nueva temporada 2014/2015 y en este blog quiero presentaros los títulos correspondientes a los siglos XX y XXI. La temporada en cuestión será la primera bajo la dirección del nuevo responsable artístico Joan Matabosch, tras la fulminante eliminación del anterior, Gerard Mortier. No quiero perder la oportunidad de criticar con dureza la forma en el que el Teatro Real ha relevado de su cargo al belga, justo en el momento en el que parece librar su última batalla contra el cáncer. Una alarmante falta de sensibilidad la del Teatro Real.

La nueva temporada contempla cinco títulos de nuestros siglos, los que vamos a presentar a continuación. El primero es Death in Venice (Muerte en Venecia), de Benjamin Britten, a celebrar en el próximo diciembre. En esta ópera Benjamin Britten realiza a través de un famoso escritor falto de inspiración distintas reflexiones acerca de la decadencia, el arte, el placer y las distintas actitudes que se pueden tomar ante la vida misma. La propuesta escénica es de Willy Decker y para este blog es el título más interesante de la próxima temporada. Esta misma producción pudo verse en el Gran Teatre del Liceu, de Barcelona, en 2008 y arriba dispone el lector de un breve vídeo.

El segundo título corresponde a un estreno de Mauricio Sotelo, El público y llegará al teatro entre febrero y marzo de 2015. Basada en la obra del mismo título de Federico García Lorca, trata el tema de la homosexualidad aunque no solo eso sino que Lorca también plantea una reflexión sobre la relación entre arte y sociedad, cuestiones que estarán presentes en la ópera. Una oportunidad interesante para poder observar cómo se traslada a los parámetros operísticos esta obra teatral clásica.

El tercer y cuarto títulos llegarán juntos en junio y julio de 2015  en lo que aparentemente es una reunión atípica siendo ambos Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini y Goyescas, de Enric Granados. La primera, culminación de Il trittico, es una verdadera obra de arte de la comedia italiana. Pocas veces se ha alcanzado tal calidad en tan breve duración, consiguiendo Puccini una obra brillante e inteligente. Por desgracia, el excesivo protagonismo del ex-tenor Plácido Domingo tapará en parte la brillantez de la partitura. Conviene recordar que la propuesta escénica está firmada por el reconocido cineasta Woody Allen. El segundo vídeo recoge una grabación de la gran Maria Callas cantando el fragmento más popular de esta ópera.

Con la obra pucciniana tendremos la oportunidad de escuchar la infrecuente Goyescas, del catalán Granados. Lo poco que se pone en escenarios es razón suficiente para viajar hasta Madrid y si la obra anterior es ejemplo magnífico de comedia aquí estamos ante el lado trágico de la vida donde elementos habituales como amor, celos y muerte están bien presentes. En este caso Plácido Domingo asumirá la batuta, habiendo de dirigir el famoso intermezzo presente en el tercer vídeo.

La última ópera que requiere nuestra atención será la que cierre la temporada, en pleno julio: La ciudad de las mentiras, de Elena Mendoza, basada en la obra homónima de Juan Carlos Onetti, obra en la que la mujer adquiere total protagonismo. Esa ciudad es el refugio donde los protagonistas tratan de refugiarse de miserias y mentiras, tratando de huir de lo inevitable.

Si el lector quiere más información sobre repartos o fechas puede consultar la página web del teatro, a saber, http://www.teatro-real.com/es/temporada-2014-2015/opera/. En el próximo curso trataremos de atender desde este blog, en las medidas de nuestras posibilidades, algunos de estos títulos.

The Turn of the Screw

The Turn of the Screw (Koska bat zailago) Benjamin Brittenen hirugarren ganbarazko opera da eta Veneziako Biurtekoak egindako eskaerari erantzuna zen. Ganbarazko opera da Britennek oso orkestra txikia eskatzen baitu, hamahiru musikariena hain zuzen ere. Talde oso egokia opera honek aurkezten digun gaia garatu ahal izateko: misterioa, egi erdiak, iragan susmagarria. Eta nola gauzatzen da guzti hau? Mamuak dira opera honetan protagonistak, Ingalaterrako XIX. mendeko etxe noble batean aurki ditzakegun holakoak. Hala ere azpian dagoen benetako historia Flora eta Miles umeen ustelkeri eta degradazioa da.  

Umeek garbitasuna eta errugabetasuna irudikatzen dute, beraien inguruan dauden mamuek iraganeko amodiozko historio ez onartuaren ondorioz sortutako gaiztakeria irudikatzen duten bitartean. Etxe viktoriar honetara etxe-irakasle berria heldu, Miss Jessel, eta berehala jabetuko da zer nolako egoera dagoen eta ondorio latzak ebitatzen saiatuko da, ezer onik lortu gabe.

Opera honetan uneoro sexu harremanak argumentuaren azpian daude. Arestian aipatu dugu mamuek izkutuko amodiozko harremana izan zutela baina gairik larriena Peter Quintek, hilda dagoen zerbitzariak umeekiko izandako balizko harremanak da. Ez da zehatz mehatz aipatzen baina pederastiaren susmoaren mamua presente dago historio krudel honetako garapen dramatikoan.

Opera 1953an idatzi zen eta garai hartan homosexualitatea (are gehiago umea tartean baldin badago) tabua zen baina ezaguna da Benjamin Brittenen opera desberdinetan gai honek indarra duela. Honek ez du esan nahi ezer autobiografikoa dagoenik.

Benjamin Brittenek ezohiko erabaki musikala hartzen du, alegia, Miles rolaren ahotsa umearena izatea. Honek areagotu egiten du entzulearen egoneza, bereziki Milesek bere sufrimendua azalarazten duenean. Egoera horretan bere etxe-irakasle berria ez da gauza sufrimendua arintzeko eta, neurri batean, egoerak berak harrapatu egiten du Miss Jessel, amaiera triste ebitaezina izango balitz bezala.

Opera aurrekarian eta bi ekitalditan banatuta dago eta ekitaldi bakoitzak zortzi eszena ditu; eszenen artean orkestrarako interludioa jotzen da eta orkestran garrantzia hartzen dute gaiztakeria azpimarratzen dituzten soinu tresna batzuk, zelesta edota biola adibideak jartzearren.

Gure ohiko hiru zati musikalak bereziak dira oso. Lehenengoan, aurrekaria dugu, oso Brittenen gustoko gauza: opera hasi baino lehenago, sarrera gisa, ahots batek azaltzen digu zer nolako historioa ezagutuko dugu. Estreinaldian konpositorearen betiko laguna Peter Pearsek abestu zuen zati hau. 

(1) It is a curious story (Historia bitxia da hau).

Bigarrenean etxean izandako latin klasea dugu. Milesek burua galtzen du eta bere barruko miña atera egiten du. Orduan hasiko da Miss Jessel ulertzen zer nolako tragedia dago umeen iraganean. Zati honetako musika erabiliko du etxe-irakasleak operaren amaiera, Milesen gorputza zaintzen duen bitartean. 

(2) Many nouns in is we find (-is amaitzen diren izen asko aurkitzen dugu).

Eta hirugarrenak Peter Quint pertsonaian oinarritzen da. Peter Quint saiatzen da Miles tentaldian eror dadila. Mamuak bere zain dagoela esaten dio eta Miles zalantzan dago.

(3) So! She has written (Begira! Berak idatzi du!).

Bertsioa: Benjamin Brittenen The Turn of the Screw (1954), Philip Langridge (Peter Quint, tenorea), Lilian Watson (Flora, sopranoa), Helen Donath (irakaslea, sopranoa), Michael Gimn (Miles, tiplea), Londongo Royal Opera House, Covent Gardengo Orkestra, Colin Davis (zuzendaria).

The Turn of the Screw (Una vuelta de tuerca) es la tercera ópera de cámara de Benjamin Britten y su composición responde a una petición de la Bienal de Venecia. Esta ópera de cámara requiere una pequeña orquesta de solo trece instrumentos, conjunto muy adecuado para transmitir los temas principales que dominan esta obra: el misterio, medias verdades, un pasado conflictivo. ¿Y cómo se desarrollo todo esto? Los aparentes protagonistas de la obra son unos fantasmas, típicos de una casa victoriana inglesa del XIX; sin embargo lo que subyace es la historia de la corrupción y degradación de dos niños, Miles y Flora.

Los niños representan la pureza y la inocencia mientras los fantasmas que les rodean representan la maldad, consecuencia de una pasada relación amorosa no permitida. A la mencionada casa victoriana llega una nueva institutriz, Miss Jessel, que, de forma inmediata se percatará de la situación anómala en la que viven los niños. Tratará en vano de evitar el trágico final.

En esta obra es permanente la tensión sexual. Ya hemos mencionado que los fantasmas lo son, en cierta forma, como consecuencia de una relación amorosa secreta pero lo más grave es la sospecha de la relación que Peter Quint, el criado fallecido, mantuvo con los niños de la casa. Ello nunca se concreta pero la sospecha de pederastia está siempre presente en el desarrollo dramático de la obra.

La obra se compuso en 1953, momento en la que la homosexualidad (y más en el caso de la presencia de niños) era tema tabú en Inglaterra pero ya es conocido la importancia que Benjamin Britten da a esta cuestión en más de una ópera, sin que ello suponga que la historia tenga nada de autobiográfico.

Benjamin Britten toma una decisión inhabitual en esta ópera concediendo protagonismo a la voz infantil. Ello subraya en el oyente una sensación de desasosiego, especialmente en los momentos que Miles da a conocer su sufrimiento. La nueva institutriz no es capaz de detener tal sufrimiento y queda atrapada por la situación creada, como si el final triste fuera inevitable.

La ópera está estructurada en un prologo y dos actos y cada acto tiene ocho escenas, que están unidas por interludios orquestales; en esta pequeña orquesta adquieren importancia algunos de los instrumentos que indican la maldad misma, como la viola o la celesta.

Nuestros tres habituales fragmentos son ciertamente especiales. En el primero presentamos el prólogo, costumbre muy del gusto del compositor: antes de iniciarse la ópera una voz de tenor nos explica la historia que vamos a conocer. En el estreno este fragmento fue asumido por el compañero de Britten, Peter Pears. (1) It is a curious story (Es esta una curiosa historia).

En el segundo corte tenemos la clase de latín. Miles parece delirar y saca de su interior todo el dolor que tiene. Miss Jessel comenzará a comprender el tamaño de la tragegia que han vivido los niños en el pasado. Esta música la retomará la institutriz al final de la ópera, mientras recoge en sus brazos el cuerpo inerme de Miles. (2) Many nouns in is we find (Muchos nombres terminados en –is hemos encontrado).

El tercero se basa en el personaje de Peter Quint. El criado trata de tentar a Miles diciéndole que está esperándole mientras el niño duda. (3) So! She has written (¡Mira! Ella ha escrito).

Versión: The Turn of the Screw, de Benjamin Britten (1954), Philip Langridge (Peter Quint, tenor), Lilian Watson (Flora, soprano), Helen Donath (institutriz, soprano), Michael Gimn (Miles, tiple), Orquesta de la Royal Opera House, Covent Garden, de Londres, Colin Davis (dirección musical).

Toulouse: Albert Herring (Benjamin Britten)

Badaude dena ondo ateratzen diren arratsalde majikoak eta berriro ere konturatzen zara opera zeinen gauza zoragarria den. Poz hori handiagoa da opera berri bat deskubritzen duzunean, nahiz eta ezin burutik kendu nola demontres pasa duzun hainbeste denbora lan hori ezagutu gabe.

Opera berria Benjamin Brittenena baldin bada ia segurutzat eman genezake egindako apostua, Britten baita ez bakarrik XX. mendeko figurarik handia, baita Operaren Historian izan den konpositorerik garrantzitsuenetarikoa ere. Albert Herring lehen aldiz taularatua ikusteko asmoz Frantziako Tolosaraino abiatu ginen eta emaitza zoragarria izan zen.  Bikain, benetan, bai ahotsen lana eta bai interpretazioa.

Benjamin Britten ari da, piskanaka, merezi duen tokia eskuratzen baina oraindik ez zaio zor zaion errekonozimendu guztia eman. Bai, ezin ukatu Peter Grimes, Billy Budd eta beste opera batzuk errepertorian sartu direla baina, adibidez, non dago Albert Herring? Zergatik ez da gehiagotan programatzen?

Albert Herringek badauka gaur egun behar dugun poza, gatza eta piperra, baikortasuna, gizartearen kritika ahaztu gabe. ArgumentuarI errepara diezaiogun Brittenen ohiko ardatz nagusia nola agertzen den ikusteko, hots, Benjamin Brittenen “desberdina”ren aldarrikapena eta defentsa.

Urtero legez Loxford herrian kastitatea irudikatuko duen neska aukeratu behar dute, alegia, neska eredugarria. Aukeraketan herriko faktikoek parte hartzen dute eta hor Brittenek Ingalaterrako gizartearen ordezkariak aurkezten dizkigu: eskolako andereñoa, herriko abadea, alkatea, herriko poliziaburua eta, guztien gainetik, herriko andere aberatsa, benen herriko jabea. Baina Loxforden ez dago neska “garbirik” eta mutiko bat aukeratu beharko dute, Albert Herring. Herring, saria jaso eta berehala benetako bizitza ezagutzera abiatuko da, amarekiko duen menpekotasunarekin betiko apurtuz. Eta “benetako bizitza”ren barruan alkohola, emakumeak eta askatasuna bera aurkituko ditu Albertek.

Théâtre du Capitolek ez zizkigun izen handiak eskeini baina bai oso ongi betetzeko lana. Alegia, opera hau era kolektibo batean ulertu behar da hemen garrantzitsuena denon artean lortutako oreka baita, ez izar baten erakustaldia. Eta nik guztien lana txalotu besterik ez dut egingo, lan zoragarri eta entretenigarria eskeini zigutelako. Aspaldian ez nuen hain gustora barre egin opera emanaldi batean.

Behean aipatutako bakarlariak gauza ziren proiektua horrela ulertzeko eta dibismoak alde batera utziz, Brittenen asmopean kokatu ziren. Giltza izan ziren Richard Brunelen proposamen eszeniko gaurkotua eta abeslarien talde osoaren interpretazioa, Sam Furnessen lana goraipatuz.

Brittenek hamahiru kideko orkestra proposatzen du opera hau aurrera eramateko eta benetan harrigarria da nola hamairu bakarlari hauekin Brittenek halako soinua lor dezakeen, hain aberatsa eta limurtzailea. Musikariek David Syrusen zuzendaritzapean bete zuten bere lana.

Fitxa teknikoa: Benjamin Brittenen Albert Herring (1947), Sam Furness (Albert Herring, tenorea), Tamara Wilson (Lady Billows, sopranoa), Susan Bickley (Ms. Pike, mezzosopranoa), Ailish Tynan (Miss Wordsworth, sopranoa), David Kimberg (abadea, baritonoa), John Graham Hall (alkatea, tenorea), Wayne Tigges (poliziaburu, baxua), Craig Verm (Sid, baritonoa), Daniela Mack (Nancy, sopranoa) Anne-Marie Owens (ama, mezzosopranoa), Tolosako Théâtre du Capitoleko Orkestra, David Syrus (zuzendaria). Tolosa, 2013ko otsailaren 3a.

 

Hay tardes mágicas donde todo sale perfecto y nos damos cuenta, una vez más, de lo bello que es el arte de la ópera. Y más aún cuando junto al disfrute descubres una obra nueva, llegando a pensar cómo ha sido posible el desconocer durante tanto tiempo la ópera en cuestión.

Además, si la ópera a descubrir es de Benjamin Britten está claro que apostamos a caballo ganador porque Britten no es solo una gran figura de la ópera del siglo XX sino que estamos ante una de las figuras claves de la Historia de la Ópera. Así, con intención de ver en escena Albert Herring nos dirigimos a Toulouse y el resultado, queda dicho, fue extraordinario tanto en el aspecto canoro como en el actoral.

Benjamin Britten está consiguiendo, poco a poco, el lugar que le corresponde en los teatros de ópera pero aun no hemos sido capaces de darle el protagonismo que merece. Es cierto, obras como Peter Grimes o Billy Budd son ya parte del repertorio pero, ¿dónde se esconde Albert Herring, que apenas se programa?

Albert Herring tiene como ingredientes la alegría, el optimismo y ese salero que ahora tanto nos hace falta. Si observamos su argumento encontraremos uno de los ejes clásicos de los libretos de Britten, como es el de la reivindicación y defensa del “distinto”.

Como todos los años, en el pueblo de Loxford ha de elegirse la chica más casta del pueblo, la chica ejemplar. En el proceso de selección participan los poderes fácticos del pueblo y en ellos nos representa Britten a la sociedad inglesa: la maestra del pueblo, el párroco, el alcalde, el jefe local de policía y, por encima de todos, la ricachona del pueblo, la auténtica dueña del mismo. Pero en Loxford no quedan chicas “limpias” y, finalmente, han de elegir a un muchacho, Albert Herring. Éste, en cuanto recibe el premio, se dispondrá a conocer la vida real, rompiendo para siempre con el dominio al que está sometido por su madre. En esa “vida real” Albert Herring encontrará el alcohol, las mujeres y, en sí misma, la libertad.

El Teatro del Capitolio no nos ofreció grandes nombres pero el resultado fue excelente. Es decir, esta ópera solo ha de entenderse desde el colectivo pues lo más importante es el justo equilibrio entre todos los participantes y no el brillo de una ocasional estrella del canto. En consecuencia el trabajo de todos ha de ser reconocido pues su labor fue tan meritoria como entretenida. Hace mucho tiempo que no me reía tanto en una función operística.

Los cantantes abajo mencionados fueron capaces de entender así este proyecto y aparcando cualquier tentación de divismo se colocaron al servicio de las intenciones de Britten. Claves fueron la propuesta escénica de Richard Brunel, adaptando la escena a los tiempos actuales y el grupo de cantantes, subrayando el buenhacer de Sam Furness.

Britten pide una orquesta de trece miembros, trece solistas y, bajo la dirección de David Syrus, los miembros de la orquesta hicieron una labor encomiable, logrando un sonido tan tico como envolvente.

Ficha técnica: Albert Herring, de Benjamin Britten (1947), Sam Furness (Albert Herring, tenor), Tamara Wilson (Lady Billows, soprano), Susan Bickley (Ms. Pike, mezzosoprano), Ailish Tynan (Ms. Wordsworth, soprano), David Kimberg (párroco, baritono), John Graham Hall (alcalde, tenor), Wayne Tigges (jefe de policía, bajo), Craig Verm (Sid, barítono), Daniela Mack (Nancy, soprano) Anne-Marie Owens (madre, mezzosoprano), Orquesta del Théâtre du Capitole, de Toulouse, David Syrus (dirección musical). Toulouse, 3 de febrero de 2013.

Peter Grimes

Gizarteari asko kostatzen zaio berezitasuna onartzea. Bereziaren aurrean indarkeria erabiliz erantzun izan du maiz gizarteak, banakoaren kalterako. Historian bilatuta adibide asko jar genezake baina XX. mendeari so eginez gero adibide gogorrak bezain iraingarriak aurkituko ditugu esfortzu handirik gabe.

Peter Grimes bakartia da eta bizi den herri txikiko gizartea kontra du. Bakarka dabil,  herri txikiak eskeintzen dion bizitza motari uko eginez. Bazterketa hau gainditzeko Peterek bi euskarri ditu: bata, herriko andereño eta ezkutuko maitea duena, Ellen Orford; bestea, duen lagun bakarra, Balstrode mariñela.

Berez, ez dakigu Peter Grimesen bazterketaren jatorria zein den baina operaren hasieran Peter epaitzen ari dira, bere morroia arrantza-ezbeharrez hil baita. Epaileak Grimesen errugabetasuna ebatziko duen arren gizarteak Grimes kondenatu egin du; argi dago Peter Grimesek ez duela etorkizunik. Gizartea gorrotoz itsutzen denean maitasunak eta errukiak ez dute lekurik. Eta halako gizartearen aurrean gizarteko kideek etsi egiten dute. Hala gertatuko da Ellen eta Balstroden kasuan, biok amore emango baitute.

Benjamin Britten, baztertua izan zenak, ederki margotzen digu banakoaren sufrimendua eta gizartearen zorrozkeria. Opera honetan Peter Grimes banakoa da, bakarrik dago; Ellen Orfordek uko egin beharko dio maitasunari eta lagunik onenak heriotzea gomendatzen dio. Peter Grimesen Brittenek hainbat giza taldek, hainbat banakok pairatu duen bazterketa soziala deskribatzen digu maisutasun handiz.

Hiru zati aukeratu ditut opera zoragarri honen sarrera borobiltzeko. Lehenengoan ospetsua den orkestrarako laugarren interludioa entzun dezakegu. (1) Passacaglia

Bigarrenean herriaren erantzun bortitza entzun dezakegu, lintxamenduaren deiak errepikatzen diren bitartean. (2) Who holds himself apart lets his prid.

Hirugarrenean Peter Grimesen errendizioa, bere azkena onartuz. Txalupa hartu eta hondoratuko du itsas zabalean. Epaia, errugabetasuna, istripuak,… dena alboratu eta herriaren kondena gauzatzera doa. (3) Grimes, Grimes!!

Bertsioa: Peter Grimes : Peter Pears (Peter Grimes, tenorea), Claire Watson (Ellen Orford, sopranoa), James Pease (Balstrode, baritonoa), Londongo Royal Opera House, Covent Gardengo Orkestra eta Abesbatza, Benjamin Britten (zuzendaria) Decca/1958.

Mucho le cuesta a la sociedad aceptar lo especial. En muchas ocasiones la respuesta de la sociedad ante ello ha estado teñida por la violencia y el individuo es el afectado por ello. Muchos ejemplos se podrían poner haciendo un somero repaso de la historia pero especialmente en el siglo XX podríamos encontrar fácilmente ejemplos tan contundentes como insultantes.

Peter Grimes es un solitario y la sociedad de su pequeño pueblo está en su contra. Es un solitario y ha renunciado al tipo de vida que su entorno le ofrece. Para superar su soledad Peter solo tiene dos asideros: su amor secreto, la maestra del pueblo Ellen Orford y su único amigo, el viejo marinero Balstrode.

En realidad no sabemos por qué Peter Grimes es rechazado pero la ópera comienza con un juicio contra Grimes por la muerte accidental de su aprendiz practicando la pesca. Aunque la sentencia declare su inocencia la sociedad ya le ha condenado y Peter ya no tiene futuro. En una sociedad cegada por el odio no hay lugar ni para el amor ni para la indulgencia y la actitud de cada uno de los miembros de esa sociedad es, habitualmente, la resignación, como así ocurrirá con Ellen y Balstrode, que finalmente abandonaran a Peter a su suerte.

Benjamin Britten, que fue un excluido, nos dibuja brillantemente el sufrimiento del solitario y la intransigencia de la sociedad. En esta ópera Peter Grimes es el individuo rechazado; Ellen Orford ha de renunciar al amor por la presión social y ha de ser su mejor amigo, Balstrode, quien le recomienda la muerte como única salida. En Peter Grimes Benjamin Britten nos enseña con maestría a través del sufrimiento de un solitario la exclusión de tantos grupos sociales.

En los tres momentos seleccionados podemos escuchar en primer lugar uno de los famosos interludios de la ópera, la Passacaglia (1). A continuación podemos escuchar la reacción violenta de los vecinos de Grimes, con llamadas histéricas al linchamiento de este (2). Finalmente, la renuncia, la rendición de Peter Grimes. Sentencia, inocencia, accidente,… todo se arrincona y el pueblo ya está dispuesto a ejecutar su sentencia (3).

Versión: Peter Grimes: Peter Pears (Peter Grimes, tenor), Claire Watson (Ellen Orford, soprano), James Pease (Balstrode, barítono), Coro y Orquesta de la Royal Opera House, Covent Garden de Londres, Benjamin Britten (director). Decca/1958.

Billy Budd

Hasierako planteamenuak zaila zirudien, opera osoak gerraontzi batean gertatu behar zuelako eta, lojikoa denez, itsasontzi honetan gizonak besterik ez genituelako izango. Baina Benjamin Brittenek beti izugarrizko gaitasuna izan zuen mikroguneak eraikitzen. Eremu txiki hau nahikoa zen Benjamin Brittenentzat, berak oso argi baizeukan zein zen helburu nagusia: gizakiaren gabeziak eta huskeria morala adieraztea. Ondorioz, HMS Indomitable gerraontzia unibertsoaren irudi bezala erabiltzen du eta pertsonai batzuk gizartean dauden arketipoak erakusteko erabiltzen ditu.

Gerraontzi honetan bapatean mariñel gazte bat agertzen da, Billy Budd. Eta honek alaitasuna, bizitasuna eta berezkotasuna dakartza. Bere agerpenak gerraontzian zegoen oreka erabat apurtzen du eta besteon erreakzioak oso desberdinak dira. Brittenek bereziki hiru azaltzen dizkigu: bata, tripulazioarena; bigarrena, John Claggart ofizialarena; eta azkena, Vere kapitainarena. Tripulazioak ongi hartzen du kide berria, langilea, eskuzabala eta borrokarako prest baitago. Erabateko identifikazioa dago berarekin eta Billy ere zoriontsua da itsaontzian.

John Claggart ofiziala oinarrizkoa da, primitiboa, landugabea. Bere eguneroko lanean indarkeria eta mehatxua bere ohiko tresnak dira, hots, disziplinan babesten da bere gabezi guztiak agerian geldi ez daitezen. Horrela, Billy mariñel gaztearen izaera erakargarria nozitzen duenean bere erantzuna primitiboa da; nola onartu gazte horrek eragiten diona? Eta irtenbide bakarra gaztea suntsitzea izango da, suntsipen fisikoa zein etikoa. Eta horretarako gezurra eta txantaia erabiltzeko ez du inolako arazorik edukiko.

Vere kapitaina, berriz, gizon jantzia da; klasikoak irakurtzen ditu eta kulturaren aurrean jakingura du. Baina Billyk ere desokeratu egin du eta mariñelak, nahi gabe, John Claggart hiltzen duenean, Vere kapitainaren erreakzioa antzekoa da: ordenantza militarretan babestu, hauekin bere koldarkeria justifikatu. Vere kapitainak jakin badaki Billy Budd errugabea dela baina, nola argudiatu bere tripulazioaren aurrean ordenantzen interpretazio interesatua?

Hona hemen grabazio historiko baten bi une: lehendabizikoan (1. aktoa, 3garren eszena, Handsomely done, my lad) John Claggart ofizialak bere asmoa agerian uzten digu eta Billy potxolo eta erakargarria suntsitzeko borondatea argi geldituko da.

Bigarrenean (2garren aktoa, 3garren eszena, Look! Through the port...) Billy Budden hitzak ditugu, heriotz zigorrari aurre egin baino lehenago. Epaia justoa ez izan arren Billyk izugarrizko zuzentasuna erakusten du eta, azken finean, John Claggarten miseria eta Vere kapitainaren koldarkeriaren gainetik kokatzen da, irabazle.

Bertsioa: Billy Budd: Peter Glossop (Billy Budd, baritonoa), Peter Pears (Vere kapitaina, tenorea), Michael Landdon (John Claggart, baxua), Charles Mackerras (zuzendaria).

(Librettoa irakurtzeko)

Parecía difícil el primer planteamiento pues toda la ópera se desarrolla en un barco de guerra y, lógicamente, todos los tripulantes son hombres. Pero Benjamin Britten siempre ha tenido mucha facilidad para presentarnos microespacios en los que puede presentarnos sus principales objetivos: enseñarnos las incapacidades y miserias morales del ser humano. Por ello, el buque de guerra HMS Indomitable es utilizado como reflejo del universo y los personajes de la ópera responden a arquetipos de la sociedad, presentados en esta obra.

En este buque de guerra se incorpora, de repente, un joven marinero de nombre Billy Budd y este trae al buque alegría, honradez y ganas de vivir. Su aparición rompe el equilibrio que hasta entonces existía en el barco y las reacciones de los demás son bien diferentes. Benjamin Britten se centra en tres de ellas: la de la tripulación; la del oficial John Claggart; y la del capitan Vere. La tripulación aceptará bien al nuevo pues éste demuestra desde un principio ser trabajador, generoso e incluso su disposición al combate. Hay plena comunión entre ellos y Billy es feliz en el buque.

El oficial John Claggart es elemental, primitivo. En su trabajo habitual la amenaza y el chantaje son, además de la violencia, sus prácticas habituales, quedando al descubierto todas sus carencias. Así, cuando advierte la forma de ser atractiva de Billy Budd su respuesta no puede ser más básica: ¿cómo aceptar el trastorno que le supone la presencia del marinero? Y su única salida será la eliminación física y moral del joven, utilizando para ello la mentira y el chantaje.

Por el contrario, el capitán Vere es un hombre ilustrado que lee a los clásicos y de gran curiosidad intelectual. Pero cuando, sin querer, Billy Budd mata al oficial John Claggart la reacción del capitán es similar a la del oficial: se refugia en la estricta aplicación de las ordenanzas militares para jusitificar su cobardía. El capitán Vere sabe que Billy Budd es inocente pero, ¿cómo justificar ante su tripulación una aplicación interesada de las ordenanzas militares?

He aquí dos momentos especiales de una grabación histórica: en el primero, ( acto I, 3ª escena, Handsomely done, my lad) el oficial John Claggart nos expone de forma evidente sus aviesas intenciones de acabar con el jovial y atractivo Billy Budd.

En el segundo, (acto II, escena 3ª, Look! Through the port...) escucharemos las palabras de Billy Budd, poco antes de ser ejecutado. A pesar de la injusticia de la sentencia Billy Budd muestra gran entereza y por ello, finalmente, aparece como personaje triunfador ante la maldad de Claggart y la cobardía del capitán Vere.

Versión: Billy Budd: Peter Glossop (Billy Budd, baritono), Peter Pears (capitán Vere, tenor), Michael Landdon (John Claggart, bajo), Charles Mackerras (director).

(Libreto de Billy Budd)