The Ice Break

Bigarren Mundu Gerra eta gero bi erreferentzia ideolojiko nagusi gauzatu ziren: Estatu Batuek kapitalismoa ordezkatzen zuten eta Sobiet Batasunak sozialismoa. Gatazka ideolojikoak ere behin baino gehiagotan bere zehaztapen militarra izan zuen. Garai honi Gerra Hotza deitu zitzaion eta, nola ez, XX. mendeko operatan ere azaldu dira gerra honen ondorioak. Adibidea da The Ice Break (Desizozte), Michael Tippett britainarrak egindakoa eta 1977an estreinatua.

Opera aireportu estatu batuar batean hasten da. Askatasuna berreskuratu eta gero Lev hiritar sobietarra erberastua dagoen bere familiarengana abiatzen da. Ez du bere seme Yuri ezagutzen eta ez daki honek bizimodu yankia bereganatu duenik, eta ez duela inolako gogorik arrotza egiten ezagutzeko. Ama, Nadia, lehen topaketa prestatzen ari da, berak bai baitaki bere semearen sentimentuak zeintzuk diren. Ez dakiena da aita nola etorriko den hogei urte bananduta egon eta gero.

Sarrera honetan baditugu dagoeneko Tippettek planteatzen dizkigun desizozte bikoitza eta hauek izan daitezke opera honen izenburuaren irakurketak. Alde batetik bi mundu ideolojiko desberdinen arteko desizozte prozesua, alegia, bi mundu ideolojiko desberdinen elkarbizitza bideratzea eta elkarrekiko onarpena; eta beste aldetik, aita eta semearen artean egiteke dagoen desizoztea.

Lev aireportura iristen denean, aldi berean kirolari ospetsu bat iristen da, Olympion, txapelduna eta beltza. Yurik Olympionen jarraitzaileak mezpretxatzen ditu eta bereziki, Olympionen harrotasuna. Lurra hartu eta berehala kirolari honek beltzen nagusitasuna aldarrikatzen du. 70 hamarkadan gaude eta beltzak gizartean dagokien lekua eskuratzen ari dira eta, maila honetan, Olympion arraza oso baten odezkaritzat hartzen du Tippettek.

Aita eta semea elkartu eta bien artean “gerra hotza” gauzatzen da. Aitak ez du semea ulertzen; semeak ez du aita ulertu nahi. Bion artean mundu oso bat zabaltzen da eta badirudi ulermena zaila izango dela bion artean. Guzti honek tristatu egiten du izugarri Nadia.

Txuri arrazista eta beltzen arteko gatazkak areagotu egingo dira eta honen ondorioz hlidakoak ere izango dira, besteak beste Olympion bera  eta Gayle, Yuriren neskalaguna. Yurik berak zauri larriak izango ditu eta ospitalean aitarekin konpontzeko duen egoeraz eta  arrazismo itsuaz ausnartuko du.

Hala ere, eta Tippetten operetan ohi denez, pertsonaia bitxia agertuko da obraren amaieran, Astron izenekoa eta mundu honetakoa ez dena. Tippettek antzeko formula erabili zuen bere lehendabiziko operan, The Midsummer Marriagen (Udako solztizioaren eztiak). Tippett (1905-1998) bere garaiko semea da eta mundu sikodelikoak gustoko zituen eta askotan horrelako pertsonaiak sartzen ditu. Astron androginoa da eta mezu bat ekartzera dator, Lur planeta zaintzeko eta Jainkoa lasai uzteko, jainkoak bere burua zainduko du eta. Eta heroia deitzen diotenean, Astronek burla egiten die gizakiei. Bera ez da eta ez du heroia izan nahi.

Entzun ditzagun opera honen hiru zati musikalak: lehenengoan Olympionen ongi etorria, aireportuan,kirolariak beltzen nagusitasuna aldarrikatzen du, Yuriren haserrea pizten delarik (1) Yeh, yeh, yeh, yeh.

Bigarrenean, gatazkaren aurrean Hannahk, erizain beltz eta Olympionen neska lagunak, indarkeriari buruzko hausnarketa egiten du (2) Stranger and darker (Arrotzago eta ilunago).

Hirugarrenean operaren amaiera dugu: Yuri ospitalean dago eta Hannahk zaintzen du. Egoera honetan Yuri bere jarrerraz lotsatu egiten da eta egindakoaz kritikoa agertzen da. Horrela amaiera ematen dio lanari Tippettek (3) Help me up, nurse, doctor (Erizain, doktorea, lagundu nazazue altxatzen).

Bertsioa: Michael Tippetten The Ice Break (1977) (Desizoztea), Sanford Sylvan (Yuri, baritonoa), Thomas Randle (Olympion, tenorea), Cynthia Clarey (Hannah, mezzosopranoa), London Sinfonietta eta Abesbatza, David Atherton (zuzendaria).

 

Finalizada la II Guerra Mundial surgieron dos referencias ideológicas principales enfrentadas: el capitalismo, liderado por los Estados Unidos y el socialismo, abanderado por la Unión Soviética. Este conflicto ideológico tuvo también muchas concreciones armadas. A esta época se le conoció como Guerra Fría y la ópera del momento, cómo no, también le dedicó su atención. Un ejemplo de ello es The Ice Break (El deshielo), del británico Michael Tippett, y que fue estrenada en 1977.

El comienzo de la ópera está situado en un aeropuerto estadounidense. Tras recobrar su libertad se exilia el ciudadano soviético Lev y acude a su familia, en el exilio. No conoce Lev a su hijo Yuri; así pues desconoce que este ha asimilado el modo de vida yanqui y que no tiene ninguna gana especial de recobrar a su desconocido padre, que se le hace extraño. Su madre, Nadia, es consciente de esta situación y realiza esfuerzos para preparar el primer encuentro. Ella tampoco sabe cómo encontrara a su marido tras veinte años de separación.

Ya desde el comienzo Tippett nos plantea el doble deshielo que recorre la obra. Por un lado el proceso de deshielo entre las dos superpotencias y que habrá de posibilitar la mutua aceptación y convivencia; y por otro el que habrá de producirse entre padre e hijo.

Al mismo tiempo que se produce la llegada de Lev llega también un atleta negro, campeón, llamado Olympion. Yuri manifiesta su desprecio por los fans del atleta y sobre todo por su actitud orgullosa. Olympion, nada más tomar tierra reivindica la supremacía negra en el deporte. Estamos en los años 70 y los ciudadanos negros están reconquistando el lugar que les corresponde en la sociedad estadounidense.

Padre e hijo se juntan y entre ellos surge la “guerra fría”. El padre no entiende a su hijo; el hijo no quiere entender a su padre. Todo ello entristece sobremanera a Nadia, la madre que comprende que la mutua comprensión será complicada.

El conflicto entre blancos supremacistas y negros se recrudece. A consecuencia de ello hay varios muertos, entre ellos el mismo Olympion y Gayle, la novia de Yuri. Éste mismo sufrirá graves heridas y será hospitalizado. Ingresado, comenzará a reflexionar sobre la cuenta pendiente con su padre y acerca del ciego racismo que le ha llevado  a esta situación.

De todas formas, y como es habitual en las óperas de Tippett, este introduce al final de la misma un personaje no terrenal, de nombre Astron. Una formula semejante utilizó Tippett en The Midsummer Marriage (El matrimonio del solsticio de verano). Tippett (1905-1998) es hijo de su tiempo y gustaba del mundo sicodélico y por ello en ocasiones aparecen personajes de este tipo en sus obras. Astron es andrógino y trae un mensaje: hay que cuidar el planeta Tierra y dejar tranquilo a Dios, que ya se ocupará de sí mismo. Y cuando le califican de héroe Astron se burla de los humanos. Ni es ni quiere ser un héroe.

Escuchemos tres fragmentos musicales de esta ópera. En el primero Olympion ha llegado al aeropuerto y reivindica el orgullo de ser negro, encendiendo la rabia de Yuri (1) Yeh, yeh, yeh, yeh.

En el segundo fragmento, y en medio de un fuerte enfrentamiento, Hannah, una enfermera negra y novia de Olympion reflexiona sobre la violencia (2) Stranger and darker (Más extraordinario y más oscuro)

En el tercer fragmento escuchamos el final de la ópera: Yuri está hospitalizado y Hannah lo cuida. En este contexto Yuri se avergüenza de su actitud anterior y aparece crítico sobre sus propios actos. Así finaliza Tippett su obra (3) Help me up, nurse, doctor (Ayúdenme a levantarme, enfermera, doctor).

Versión: The Ice Break (1977) (El deshielo), de Michael Tippett, Sanford Sylvan (Yuri, barítono), Thomas Randle (Olympion, tenor), Cynthia Clarey (Hannah, mezzosoprano), London Sinfonietta y Coro, David Atherton (dirección musical).

Bordeaux: Dialogues des Carmélites (Francis Poulenc)

Operazale bakoitzak baditu bere izenburu kutunak eta nik ez dut inolako arazorik onartzeko nire kasuan Francis Poulencen Dialogues des Carmelites hauen artean dagoela. Eta hala da nahiz eta Poulencen Iraultza Frantziarrari buruzko irakurketarekin ados ez egon, Poulencek irakurketa alderdikoia eta partziala egiten baitu. Onartzen dut zilegi dela bere jarrera, Mireille Delunschena izan zen bezala. Soprano frantziar honek bere debuta egin du eszenaren munduan eta honako proposamena egin digu.

Delunschek ikuslegoari keinu bidez ideia nagusiak agerian utzi nahi dizkio: bi adibide jartzearren, ofizialak ziegaren barruan epaia irakurtzen amaitzen duenan aitaren klandestinoa egiten du, hartutako erabakiarekin ados ez dagoela adierazteko. Bigarren adibidea exekuzio unekoa da; gaur egungo arropa jantzita duen publikoa hasten da plaza hustutzen. Azken moja urkamendira hurbiltzen denean, erabateko bakardadean dago jendeak ezin izan duelako onartu Iraultzaren erabaki odoltsua, eta bakardade honek gizartearen oposizioa adierazten du.

Guzti hau, neurri handi batean, Poulencen operan dago, berak mojen sufrimenduaz hitzegiten digulako, ez belaunaldiz belaunaldi Frantziako herritarrek jasotako sufrimenduaz, iraultza bera sortarazten eta garai historiko bati amaiera ematen dion sufrimenduaz. Berriro diot, partziala baina zilegi.

Zer du orduan opera honek duena (neretzat) hain erakargarri izateko? Musika. Neretzat hemen datza opera honen diztira. Eta Bordeleraino joatearen arrazoi bakarra berriro Poulencen musika zoragarriaz disfrutatzea izan zen eta, aldi berean, hiriaz disfrutatu.

Sophie Marin-Degor protagonista nagusia izan zen, Blanche de la Force. Ezin zaio balorea kendu baino bere rolari intentsitate handiagoai eman izan balio emaitza hobea izango zatekeen. Hala ere lan txalogarria. Ahots sendoena eta erakargarriena Géraldine Chauvetena izan zen, Ama Marie. Kasu honetan gutxi leporatu dakioke: grabe indartsuak, pertsonaiaren nortasuna ongi marraztuta, opera garatzen zen heinean gero eta indar gehiago hartu zuen Chauvetek protagonismo nagusia eskuratu arte.

Sylvie Brunetek ongi deskribatu zituen Ama Croissyren beldurrak eta kezkak heriotzaren aurreran. Bordeleko antzokiak ohi den baino gazteagoa den abeslari baten aldeko apostua egin zuen eta emaitza borobila izan zen. Oso ondo antzestu zuen bere azken momentua. Berriz, ahots arazo larriak Cécile Perrinen kasuan, Ama Nagusi berria. Goiko notetan bere mugak nabarmenegiak ziren eta paperari ez zion behar zuen duintasuna eman. Txalogarria Hélène Le Corre Arreba Constance paperean. Onartu beharrekoa da rol hau goxoki ederra dela soprano arin batentzat.

Gizonen artean eskasa Xavier Mas (De la Force zalduna), antzeko emaitza Jean-Manuel Candenotena (bere aira, markesa) eta txalogarri Eric Huchet apaizaren paperean. 

Lehen aipatu dut Mireille Delunschek debuta zuela Lan eskenikoan zuzendari. Baliabide gutxi, ideia argi batzuk eta emaitza borobila izan zela ondorioztatu dezakegu. Eta gauza bera esan genezake Nader Abassiren lanaz, orohar bere zuzendaritza zehatza eta zorrotza izan baitzen.

Antzokia leporaino zegoen, eskertzekoa dena. Krisi garaian penagarria da ikustea halako proposamen koherenteei publikoak muzin egin diola. Asteartea hotza izan arren, prezio lojikoak eta proposamen musikal eder honekin jendearen erantzuna bikaina izan zen.

Fitxa teknikoa: Francis Poulencen Dialogues des Carmélites, Sophié Marin-Degor (Blanche de la Force, sopranoa), Cécile Perrin (Mdm. Lidoine, sopranoa), Géraldine Chauvet (Ama Marie, mezzosopranoa), Hélène Le Corre (Arreba Constance, sopranoa), Xavier Mas (De la Force zalduna, tenorea), Bordele-Akitaniako Orkestra Nazionala, Bordeleko Operaren Abesbatza, Nader Abasi (zuzendaria). 2013ko otsailaren 12a.

 

Todos los aficionados tenemos algún título que es nuestra niña bonita y no tengo empacho en reconocer que una de las mías es Dialogues des Carmélites, de Francis Poulenc. Y ello a pesar de estar en desacuerdo con la lectura que hace el autor de la Revolución Francesa pues la suya es partidista y, por ello, parcial. Admito su legitimidad, como la que tiene Mireille Delunsch al incidir en esa misma lectura con su apuesta escénica. La soprano francesa ha debutado como directora escénica y ha incidido en la misma línea del compositor.

Delunsch, con la intención de subrayar su idea principal, lanza varios guiños al espectador. Por poner dos ejemplos, cuando el oficial comunica a la congregación de monjas la sentencia capital se persigna de forma clandestina, manifestando su desacuerdo con la decisión de la Justicia revolucionaria. Otro ejemplo ocurre en el momento de la ejecución: el público asistente, vestido con ropas actuales, va abandonando paulatinamente el escenario con idea de manifestar su incapacidad de aceptar la ejecución de todas las monjas. Cuando la última accede al cadalso lo hace en absoluta soledad. Queda así manifestada la oposición de la sociedad ante tal decisión.

Todo esto, en cierta forma, subyace en la obra de Poulenc pues él se centra en el sufrimiento de las  monjas y obvia todo el sufrimiento, generación tras generación, de la sociedad francesa y que es lo que provoca la misma revolución y el final de una época. Insisto, tan parcial como legítimo.

¿Qué es, entonces, lo que (me) atrae tanto de esta ópera? Su música. He aquí, en mi opinión, el valor de esta ópera. La última razón para viajar a Burdeos era volver a disfrutar del brillo musical de esta obra y, de paso, disfrutar de la ciudad.

Sophie Marin-Degor asumió el protagonismo principal, el papel de Blanche de la Force. No cabe reproche mayor aunque un poco más de intensidad hubiera facilitado un resultado aún mejor. De todas formas, notable su interpretación. La voz más interesante y atractiva fue la de Géraldine Chauvet, madre Marie. En este caso pocas objeciones caben: graves poderosos, personaje perfectamente delineado vocal e interpretativamente y por ello el personaje fue acaparando protagonismo según avanzaba el desarrollo de la obra.

Sylvie Brunet realizó una poderosa y agónica Madre Superiora, plasmando convincentemente los temores y dudas en el momento de la muerte. La Ópera de Burdeos apostó por una cantante más joven de lo habitual y el resultado fue satisfactorio. No ocurrió lo mismo con Cécile Perrin en la nueva Madre Superiora pues sus limitaciones fueron demasiado evidentes en la zona aguda y no otorgó al papel la dignidad que se exige. Notable la Sor Constance de Hélène Le Corre, aceptando que este rol es un auténtico bombón para las sopranos ligeras.

Entre los hombres, escasos Xavier Mas como Caballero de la Force y Jean-Manuel Candenot como su padre, el marqués y mucho mejor Eric Huchet como el capellán.

Antes ya he mencionado el debut de Mireille Delunsch como directora de escena. Con pocos medios y un par de ideas claras realizó una propuesta coherente y que gustó al público. Y lo mismo podemos decir de la dirección musical de Nader Abassi, de batuta directa y enérgica.

El teatro presentaba un lleno ilusionante. En esta época de crisis es triste comprobar como muchas veces el público da la espalda a propuestas muy válidas. A pesar de ser un martes frio, la coherencia de lapropuesta y unos precios lógicos consiguieron el efecto deseado.

Ficha técnica: Dialogues des Carmélites, de Francis Poulenc, Sophié Marin-Degor (Blanche de la Force, soprano), Cécile Perrin (Mdm. Lidoine, soprano), Géraldine Chauvet (madre Marie, mezzosoprano), Hélène Le Corre (Sor Constance, soprano), Xavier Mas (caballero de la Force, tenor), Orquesta Nacional de Bordeaux-Aquitaine, Coro de la Ópera de Bordeaux, Nader Abasi (dirección musical). 12 de febrero de 2013.