Ariadne auf Naxos

OperaXXko irakurle batzuk orain arte Richard Strauss ez agertzea leporatu didate, arrazoi osoz. Jendea lasaitzeko asmoz esan dezagun Richard Straussen ia lan guztiak ekarriko ditugula blog honetara, azken finean bera baita XX. mendeko opera konpositorerik garrantzitsuenetarikoa. Lehena Ariadne auf Naxos (Ariadne Naxosen) izatea kasualitate hutsa da.

Berez, beti pentsatu dut opera honek baduela, musika estiloari dagokionez, iraganeranzko begirada berezia, eta aldi berean, Straussek, ironia osoz, zaleek zituzten bi eztabaida historioekin jolas egiten duela: lehendabizikoa opera serio eta buffaren artekoa; eta bigarrena, sortzailearen askatasunari buruzkoa. Izan al du konpositoreak inoiz askatasunik bere artea sortzeko, ala historian zehar baldintza materialek garrantzi gehiago izan dute?

Bi eztabaida historiko hauek opera honetan agertzen dira era bikainean. Lehenengoa, noble baten bi opera eskaritan agertzen da, bata serioa eta mitolojikoa eskatzen du, eta bestea commedia dell’arteren barruan kokatua. Hala ere, eta bere apeta hutsagatik, biak elkartu beharko dira eta aldi berean taularatu. Konpositorearentzat erabaki hau ulergaitza da eta abeslariek ere ez dute ulertzen. Soprano eta tenore serioek mespretxatu egiten dituzte abeslari komikoak eta beraien ustezko status berezia dela eta ez daude prest “bigarren mailako” abeslari hauekin batera kantatzeko.

Aipatutako bigarren eztabaida, konpositorearen sortze-askatasunari dagokio: musika eginda dago baina dirua jartzen duenak azken orduko aldaketak proposatuz gero ez dago eztabaidatzerik. Konpositoreak nahiko luke bere inspiraziopean bakarrik lan egin baina, diruak lortzen du egilearen nahia xamurtzea. Eta kasu honetan konpositoreak nahi ez duena egin beharko noblearen nahiari erantzun egokia emateko.

Guzti hau operaren atarian kontatzen digute; gero opera bera datorkigu. Operan zehar elementu heroiko eta komikoak nahasturik daude eta horretan datza opera honen meritoa, ustez osagai kontrajarri direnen uztarketan, opera hau zoragarri bihurtzen baitute. Bacchus eta Ariadne Naxos uhartean elkartuko dira baina lehenago commedia dell’arteren pertsonaiek beraien alaitasuna eta malenkonia zabalduko dute. Horra hor Arlekin, Truffaldino eta Brighella maitagarriekin batera abestuko dute; eta Straussek erabateko sinesgarritasuna ematen dio istorioari..

Gure hiru zati musikalak desberdinak dira oso. Lehenengoan, eta neuretzat hain berezia den honetan, commedia dell’arteren pertsonaiek, alaia izateagatik zoragarria den musika abesten dute: (1) Ein Schönes war, hiess Theseus-Ariadne (Bazeuden bi pertsonai ederrak, Teseo eta Ariadne).

Bigarrenean opera honek duen zatirik ezagunena eta zailena jaso dut, Zerbinettaren aria. Zerbinettak zubiarena egiten du mundu serio eta komikoaren artean bere samurtasunaz aliatuz. (2) Grössmächtige Prinzessin (Beroren Printzesa graziosoa).

Bukatzeko operarena amaiera. Zati komikoa entzun eta gero eszena heroikoari ekiten diogu. Bacchus, kementsua, Ariadnerengana doa. Heldu eta berehala biek duo zoragarriari ekingo diote eta horrela amaitzen da Ariadne auf Naxos (3) Gibt es kein Hinüber? (Ez dago hemen pasatzerik?).

Bertsioa: Richard Straussen Ariadne auf Naxos (1916), Gundula Janowitz (Ariadne, sopranoa), James King (Bacchus, tenorea), Edita Gruberova (Zerbinetta, sopranoa), Staatskapelle Dresde, Rudolf Kempe (zuzendaria).

 

Algunos lectores de OperaXX me han reprochado, con toda la razón, que no haya aparecido hasta ahora la figura de Richard Strauss. Estén tranquilos que prácticamente todas las óperas de Strauss irán apareciendo aquí pues, sin duda alguna, Richard Strauss es uno de los compositores más reseñables del siglo XX. Que su primera obra en este blog sea Ariadne auf Naxos (Ariadne en Naxos) es mera casualidad.

En realidad siempre he pensado que esta ópera, en su estilo musical, mira hacia el pasado al mismo tiempo que Strauss, de forma irónica, juega con dos de las discusiones históricas por excelencia entre los aficionados: la primera, la que existe entre la ópera seria y la ópera bufa; y la segunda, la relativa a la libertad del compositor a la hora de crear. ¿Ha tenido alguna vez el compositor libertad real para crear arte o, sin embargo, ha estado de una forma u otra, condicionado su arte por cuestiones materiales?

Estas dos discusiones históricas están recogidas en esta ópera de forma brillante. La primera, en el encargo que un noble hace de dos óperas distintas, una seria y de tema mitológico y otra cómica enmarcada dentro de la commedia dell’arte. Sin embargo, por mero capricho del rico noble ambas obras habrán de ser fusionadas y representadas en una sola. El compositor no puede dar crédito a la petición y los cantantes también reaccionan de forma negativa pues soprano y tenor desprecian a los cantantes bufos y desde su supuesto status especial no están dispuestos a compartir escenario con cantantes de “segundo nivel”.

La mencionada segunda discusión es la relativa a la libertad del creador: la ópera está compuesta pero quien pone el dinero exige cambios de última hora sin que quepa discusión alguna. Quisiera el compositor trabajar solo bajo su inspiración pero estando por medio un contrato la libertad creativa se torna más liviana. Y en este caso tendrá que hacer lo que no desea solo por satisfacer la demanda del noble rico.

Todo esto se cuenta en el prólogo de la obra; luego viene la ópera en sí. En ella se entremezclan elementos heroicos y cómicos y aquí reside, precisamente, el mérito de la obra, en cómo Strauss hilvana ambos elementos en apariencia contradictorios hasta lograr una ópera maravillosa. Bacchus y Ariadne se unirán en la isla de Naxos pero antes os personajes de la commedia dell’arte nos harán llegar su alegría y melancolía. En consecuencia Arlequín, Truffaldino y Brighella se mezclaran en su canto con las hadas. Y a todo ello Strauss es capaz de darle absoluta verosimilitud.

Los tres fragmentos musicales son dispares entre sí. El primero, debilidad personal, nos enseña la maravillosa por alegre música de los personajes de la commedia dell’arte al cantar (1) Ein Schönes war, hiess Theseus-Ariadne (Éranse dos personajes hermosos, Teseo y Ariadne).

El segundo fragmento recoge la parte más conocida y complicada de cantar de esta ópera, el aria de Zerbinetta. Zerbinetta es el personaje puente entre los mundos serio y cómico, que logrará unirlos con su bonhomía. (2) Grössmächtige Prinzessin (Su graciosa Princesa).

Para finalizar, la última escena de esta obra. Tras la parte cómica llega el turno de la escena heroica. Bacchus se dirige hacia Ariadne con determinación. Al unirse ambos cantan un prolongado y hermoso dúo, dando fin a Ariadne auf Naxos. (3) Gibt es kein Hinüber? (¿Dónde está el camino?)

Versión: Ariadne auf Naxos, de Richard Strauss (1916), Gundula Janowitz (Ariadne, soprano), James King (Bacchus, tenor), Edita Gruberova (Zerbinetta, soprano), Staatskapelle Dresde, Rudolf Kempe (dirección musical).

Saint François d'Assise

OperaXX mende honetako opera aldarrikatzeko eta defendatzeko sortu nuen. Horrek ez du esan nahi mende honetan egindako lan guztiak onak iruditzen zaizkidanik, ez, eta are gutxiago lan guztiak maila berean kokatzen ditudanik. XX. mendean ere opera onak eta txarrak daudelakoan nago, argi uste baitut XX. mendea operarentzako oso mende egokia eta emankorra izan dela. Mende honek izenburu ederrak eman dizkio arte honi eta gaurkoa hauetarikoa da, hots, ez bakarrik XX. mendeko operen artean baizik eta historiako izenbururik nabarmenetarikoa dela pentsatzen dut.

XX. mendeko operaren bilakaera ulertzeko giltzarri diren izenburu batzuk badaude, eta neure aburuz Olivier Messiaen-en Saint François d’Assise (Asisko Done Frantzisko) da hauetariko bat. Izugarria maila guztietan, ez bakarrik lau ordutik gorako iraupena duelako, eskatutako orkestra eta abesbatza erraldoiak direlako edota protagonistari eskatzen zaion esfortzu fisikoa ikaragarria delako, ez. Izugarria estatismotik eta hausnarketa teolojikotik antzerkia egiten duelako Messiaenek. Zaila da oso konpositorearen eskema hau ekintza dramatikoan gauzatzea, drama ez baita inoiz planteatzen ikuslegoaren aurreran baizik eta protagonista nagusiaren bihotzearen barruan.

Berez, opera honetan ez da ia ezer gertatzen eskenatokian. Gertatzen diren gauza guztiak pertsonaien bihotzetan edota arimetan gertatzen dira. Kontutan hartzen badugu opera hau 80ko hamarkadan egin zela, alegia, katolizismoaren ospea unerik goxoenean ez zegoenean, normala izango litzateke pentsatzea konpositorearen planteamenduak lojika guztietatik at zegoela. Saint François d’Assise fededun batek egindako opera da eta , hau da neretzat duen baliorik handiena.

Ni ez naiz fededuna baina sinistuta nago Messiaenen sinismena benetakoa dela, Messiaenen musikak ez diolako tarterik uzten demagogiari. Messiaenentzat opera hau ez da propaganda tresna, baizik eta bere zalantzak, beldurrak eta kezkak azalarazteko bidea. Done Frantzisko ez da gizon perfektua eta horrela marrazten digu Messiaenek, konpositoreak ere zalantzak eta kezkak zituelako eta naturaltasun osoz bizitzen zituen.

Saint François d’Assise transzendentzia da. Hemen helburua ez da ohiko ekintzak deskribatzea, kristau batentzat garrantzitsuak direnak azpimarratzea baizik. Agian, operak lurra ukitzen duen une bakarra txorien kontzertua izango litzateke; zati honetan Done Frantziskok naturarekiko lotura erakusten digu eta, bide batez, Messiaenek bere pasioa ornitologikoari atea irekitzen dio.

Hona hemen aukeratutako hiru zatiak. Guztiak hirugarren eta azken ekitaldikoak dira. Lehendabizikoan Done Frantziskoren azken agurra hasten da. Naturan dauden elementu guztiei agur esaten die, badakielako bere lurreko bizitza amaitzear dagoela. (1) Adieu, creature du temps! (Agur, denboraren kreatura!)

Bigarrenean aingeruaren hitzak entzuten ditugu. Aingeruak gogoraratzen dio nola gertatu zen miraria legenarduna besarkatu zuenean. (2) François, François! Rappelez toi! (Frantzisko, Frantzisko, gogora ezazu!)

Bukatzeko, operaren amaiera, abesbatzak Jaungoikoaren eta protagonista deunaren gloria kantatzen duena. (3) Autre est l’eclat de la lune! (Ilargiaren gloria da).

Bertsioa: Olivier Messiaen-en Saint François d’Assise (1983), José van Dam (Done Frantzisko, baritonoa), Dawn Upshaw (aingerua, sopranoa), Arnold Schoenberg Abesbatza, Hallé Orkestra, Kent Nagano (zuzendaria).

 

Creé OperaXX con la idea de reivindicar y defender la creación operística del pasado siglo. Ello no quiere decir que considere a todas las obras de ese siglo como obras maravillosas; aún menos coloco a todas ellas a la misma altura artística. En el siglo XX ha habido óperas buenas y malas aunque tengo muy claro que, en términos generales, el siglo XX ha sido un siglo generoso y positivo para el arte de la Ópera. Y si se han compuesto títulos imprescindibles el de hoy es uno de ellos, no ya solo en lo que se refiere a su importancia dentro del siglo sino dentro de la Historia de este arte.

En el siglo XX hay algunos títulos clave para entender la evolución de la ópera y uno de ellos es Saint François d’Assise (San Francisco de Asís), de Olivier Messiaen. Enorme a todos los niveles, no ya solo por su duración, superior a las cuatro horas de música, a las demandas coral y orquestal o por la enorme exigencia física y vocal que se pide al protagonista, no. Enorme porque desde el puro estatismo y la reflexión teológica se hace teatro. Es realmente complicado hacer drama desde estos parámetros pues la acción nunca se resuelve frente al espectador en el escenario sino dentro de los corazones de cada uno de los protagonistas.

En realidad, en esta ópera no ocurre nada en el escenario. Todo lo que se narra ocurre en corazones y almas y si tomamos en cuenta que fue compuesta en la década de los 80, cuando el catolicismo no gozaba precisamente de amplio prestigio, pareciera lo más normal pensar que el planteamiento del compositor se encuentra fuera de toda lógica. Saint François d’Assise es la obra de un creyente y aquí reside, en mi opinión, su principal valor.

Yo no soy creyente y sin embargo Messiaen me convence de sus verdaderas creencias a través de la música pues Messiaen no deja lugar a la demagogia. Para él la ópera no es un instrumento de propaganda sino de plasmar sus dudas, sus miedos y sus preocupaciones. Así, Messiaen no dibuja a San Francisco como un hombre perfecto sino, con total naturalidad, como un ser humano que también tiene sus dudas y preocupaciones.

Saint François d’Assise es pura trascendencia. Aquí el objetivo no es describir las típicas acciones dramáticas sino subrayar aquello que es fundamental para un católico. Quizás el único momento en el que la ópera toca tierra es el denominado concierto de pájaros donde San Francisco nos muestra su pasión por la naturaleza y, al mismo tiempo, Messiaen da rienda suelta a su pasión por la ornitología.

He aquí los tres fragmentos musicales seleccionados, todos ellos pertenecientes al tercer acto. En el primero San Francisco comienza a dar su último adiós. Saluda a todos los elementos de la naturaleza consciente de que su vida terrenal está pronta a finalizar. (1) Adieu, creature du temps! (¡Adiós, criaturas del tiempo!).

En el segundo fragmento oímos la voz del ángel. Éste le recuerda cómo abrazó al leproso y llevo a cabo su milagro. (2) François, François! Rappelez toi! (¡Francisco, Francisco, recuerda!).

Para terminar, los últimos minutos de la ópera en los que le coro canta a la gloria de Dios y del santo protagonista (3) Autre est l’eclat de la lune! (¡Es la gloria de la luna!).

Versión: Saint François d’Assise, de Olivier Messiaen (1983), José van Dam (San Francisco, barítono), Dawn Upshaw (ángel, soprano), Coro Arnold Schoenberg, Orquesta Hallé, Kent Nagano (dirección musical).