Mathis, der Maler

Bi Mundu Gerren arteko garaia artiskikoki oso emankorra izan zen Alemanian. Une hartan hainbat mugimendu estetikok eztanda egin zuten, zoritxarrerako nazismoa heldu arte. Orduan elkarrrekin bizi ziren musika apurtzailea, dodekafonismoan oinarritzen zena (Alban Berg, adibidez), sozialismoarekin bat egin zuen musika proletarioa (Kurt Weill kasu) edota bertako tradizioaren barruan egokitzen zena.

Guzti hau Adolf Hitlerek desegin zuen debekatu egin zituelako parametro ofizialetatik at zeuden estetikak eta horren ondorioz Entartete Musik (Musika Endekatua) sortu zen. Talde honen barruan sartu zituzten musika “judutarra”,” boltxebikea” edo antzeko akusaziopean errepresioa jasan behar izan zutenak. Konpositore batzuen musika desagertu zen (kasu batzuetan oraindik ixilpe lotsagarrian segitzen dute) eta beste batzuk, berriz, erregimenaren ofizialaren ildoak ontzat eman zituzten. Gaur ekartzen dizuedan konpositoreak Alemaniatik alde egin behar izan zuen probokatzaile eta sasiboltxebike izatea leporatu ziotelako, nahiz eta bere estilo propioa garatu. Hasiera apurtzailea izan arren bere musika neoklasizismotik hurbil zegoen: Paul Hindemith da eta bere operaren izenburua, Mathis, der Maler (Matias, margolaria).

Mathis, der Maler tradizio sinfonikoarekin lotuta dagoela esan dezakegu. Gaur egun ezagunagoa da Hindemithek berak egindako operari honi buruzko sinfonia, opera bera baino. Lan honetan orkestraren garrantzia azpimarratzekoa da eta iraganarekin duen lotura ez du konpositoreak ezkutatzen. Operaren gaiak ere iraganeruntz begiratzen du izenburuan aipatutako Mathis XV. mendeko Mathias Grünewald errenazimenduko margolaria baita.

Paul Hindemith Alemaniaren historioan oinarritzen da  bere hizkuntza musikala propioarekin irakurketa propioa egiteko. Gaur egungo ikusmiratik Hindemithen armonia ezin da apurtzailetzat hartu baina bai orijinal eta, neurri batean, konplexutzat. Ondoriozta genezake Hindemithek bat egiten zuela Alemanian zegoen opera-tradizioarekin eta areago, tradizioak berak ezkutatu dituela Hindemithen musikaren balioak.

Opera XVI. mendeko Alemaniako nekazarien matxinadeen garaian kokatuta dago eta horrelako egoeran, artistak askatasunez artea garatzeko dituen zailtasunetaz hitzegiten digu Hindemithek. Horrelako argumentua ezin onargarria izan nazismoan, paralelismoa nabarmenegia baitzen eta Paul Hindemithek alde egin behar izan zuen Alemaniatik.

Aipatutako tradizio sinfonikoari erreparatzeko gaurko lehen zati musikala opera honen hasiera da. Obertura handia, luzea eta egitura sinfonikoa duena da. (1) Hasiera: aingeruen kontzertua.

Bigarren zatia bigarren eszenan gertatzen da. Eszena korala da eta katoliko eta protestanteen arteko gatazka adierazten du. (2) Dem Volk stopft man die falschen Lehren ins Maul (Herriak ikasgai okerrak ikasi ditu).

Bukatzeko, opera honen amaiera. Mathisek badaki bere azken egunetan dagoela eta bakardadean bizi nahi ditu, arteaz eta berak egindakoaz hausnartzen. (3) Auf denn zum letzchen Stück des Wegs (Egin diezaiegun aurre nire azken egunei) .

Bertsioa: Paul Hindemithen Mathis, der Maler (1938), Dietrich Fischer-Dieskau (Mathis, baritonoa), Municheko Irratiko Abesbatza eta Orkestra, Rafael Kubelik (zuzendaria).

 

El periodo de entreguerras mundiales fue muy productivo desde el punto de vista artístico. En aquella época explosionaros distintas corrientes estéticas que cesaron con la desgraciada llegada del nazismo. En aquel momento convivieron desde la música rupturista, basada en el dodecafonismo (por ejemplo, Alban Berg) a la música proletaria surgida en torno al socialismo (caso de Kurt Weill) o aquella que daba continuidad a la tradición operística germana.

Todo esto desapareció con la llegada al poder de Adolf Hitler, que prohibió toda aquella manifestación estética que estuviera fuera de los parámetros oficiales surgiendo la denominada Entartete Musik (Música Degenerada). Aquellos que así fueron calificados lo eran por hacer música “judía” o “bolchevique” y fueron por ello represaliados. La música de algunos compositores desapareció del todo (en algún caso aún hoy se mantiene ese vergonzante silencio) mientras otros aceptaron los criterios estéticos del régimen. El compositor hubo de exiliarse de Alemania por ser su música calificada de provocadora y con tufo bolchevique a pesar de que fue capaz de crear un estilo propio cercano que tras un inicio rupturista, se acercó a un particular neoclasicismo. El compositor es Paul Hindemith y el título de su ópera es Mathis, der Maler (Matías, el pintor).

Podemos afirmar que Mathis, der Maler está muy ligada a la tradición sinfónica alemana. Hoy en día es más conocida la sinfonía creada a partir de la música de la ópera que la ópera misma. La importancia de la orquesta es innegable y Hindemith parece mirar al pasado en una conexión que el compositor no disimula. El tema de la ópera también mira al pasado pues el Mathis señalado en el título no es otro sino el pintor renacentista del siglo XV Mathias Grünewald.

Paul Hindemith se basa en la historia de la misma Alemania para con su lenguaje musical propio hacer su propia lectura de la historia. Desde la perspectiva actual la armonía de Hindemith no puede calificarse de rupturista pero sí de original y, en cierto modo, compleja. Podríamos deducir que Paul Hindemith se une a la tradición operística alemana para que luego esa misma tradición sea la que haya minusvalorado y arrinconado el valor artístico de su obra.

El argumento nos coloca en el siglo XVI, en la época de las revueltas campesinas alemanas y el protagonista reflexiona sobre las dificultades del artista de expresarse por el clima de falta de libertad. Visto el evidente paralelismo con la época de Hitler la obra fue inaceptable para el régimen y Paul Hindemith tuvo que salir de su país.

En relación con la conexión ya mencionada con tradición sinfónica alemana escuchemos como primer fragmento el preludio de la ópera, una obertura amplia y de estructura sinfónica. (1) Preludio: el concierto de los ángeles.

El segundo fragmento  ocurre en la segunda escena. Es una escena coral que narra el conflicto entre católicos y protestantes, que no cesa hasta la llegada del cardenal. (2) Dem Volk stopft man die falschen Lehren ins Maul (Al pueblo se le meten cosas equivocadas).

Para terminar, el final de la ópera donde el pintor, consciente de encontrarse en sus últimos días, reflexiona sobre lo realizado y su arte. (3) Auf denn zum letzchen Stück des Wegs (Hágamos frente a mis últimos días).

Versión: Mathis, der Maler, de Paul Hindemith (1938), Dietrich Fischer-Dieskau (Mathis, barítono), Coro y Orquesta de la Radio de Munich, Rafael Kubelik (dirección musical).

Elektra

OperaXXko aurreko sarreran Richard Straussen lehendabiziko opera aztertu genuen, Ariadne auf Naxos. Straussen operen artean beti bi opera mota desberdindu dira: talde batean klasizismoaren alabatzat har genitzazkeenak (adibidez, aipatutako Ariadne auf Naxos edota Der Rosenkavalier, besteak beste) eta gero musikalki aurreruntz begiratzen dutenak eta opera alemaniarraren eboluzio naturaltzat har genitzazkeenak, Elektra kasu. Ondorioz, bi sarrera hauetan Straussen bi ildo nagusienak aztertuko ditugu.

Elektra kontrasteen opera da. Elektra ere opera femeninoa da. Hauek dira, neure iritziz, opera honek dituen bi ezaugarririk garrantzitsuenak eta bi ardatz hauek azaltzea ezinbestekotzat jotzen dut Elektra ongi ulertzeko. Lehendabiziko inpresio batean Elektra opera bortitza dela ondoriozta genezake baina esandako kontrasteak nabariak dira eta dagoen indarkeriaren ondoan ezin da alboratu Elektrak edo bere ahizpa Chrisothemisek adierazten duten maitatzeko gogoa eta pasioa, bai beraien artean bai beraien aita, Agamenon errege zena.

Elektrak gorrotatu ez ezik maitatu ere maitatzen du; esaterako, bere ama Clitemnestra, edota bere amaren maitalea den Egisto agertzen den bakoitzean orkestak ederki erakusten du sentitzen duen gorrotoa, baina orkestrak badaki biltzen Orestesenganako maitasuna erakusteko. Hemen Straussek ongi desberdintzen ditu eszena hauek eta musikak ere garapen desberdina du protagonistaren sentimentuen arabera.Opera honetan intimismoak badu lekua. Nahiz eta orkestra erraldoia izan, nahiz eta hasierako akordeak opera handia eta abarkaezina adierazi, gero Elektrak badu bere ganbara-musikarunzko hurbiltasuna, protagonistaren bihotzari leku eginez.

Elektra opera femeninoa dela esan dugu. Gizonezkoen pertsonaia guztiak garrantzi gutxikoak dira, Orestesena izan ezik. Beste guztiak emakumezkoen tresnak besterik ez dira eta historioak ez ditu ia behar. Opera osoa uler dezakegu gizonezkoen hitzak ezagutu gabe. Salbuespena Orestes da, bera izango baita Elektraren sufrimenduari amaiera emango diona eta, nola ez, indarkeria erabili beharko du bai bere ama krudela zigortzeko eta baita maitale lerdetsua hiltzeko ere. Orestes ere tresna da baina bere eragina oinarrizkoa da eta horregatik hartzen du garrantzia operan.

Opera honen lehen akordea oso indartsua da eta datorkigun idarkeriaren berri ematen digu; azken akordeak ere oso indartsuak dira, eta ate erraldoi baten moduan isten du istorioa. Ezin da ezer gehiago esan, ezin dugu krudelkeria gehiago onartu. Elektrak berak ezin du sufrimendu gehiago jasan eta hil egiten da dantza basatia egiten duen bitartean. Elektra hilda dago eta bere inguruan bere ama eta honen maitalearen gorpuak.

Opera zoragarri honek protagonista nagusiari izugarrizko ahalegina eskatzen dio ia emanaldi osoan zehar eskenatokiaren gainean egon behar duelako, eta hau gutxi izango ez balitz, ahots handia, indartsua eta dramatikoa erakutsi behar du orkestraren gainean hegal egiteko.

Hona hemen gaurko hiru zati musikalak. Lehenengoan Elektrak topo egiten du atzerritar batekin. Berak ez du bere neba ezagutu eta galdezka hasten da ea ezezagunaz informazioa jaso dezakeen. (1) Was willst du, fremder Mensch? (Zer nahi duzu, atzerritarra?).

Bigarrenean Elektra jabetu da jadanik atzerritarra nor den eta hemendik aurrera mendekuaren beharra jakinaraziko dio nebari. Aldi berean Elektra lotsatuko da bere egoera pertsonalaz animalien tratua eman diotelako. (2) Es rührt sich niemand (Inor ez da astintzen ari).

Bukatzeko, operaren amaiera. Badakit sopranoaren interpretazioa ez dela onena baina eszena honek badu indar ikaragarria eta hemen Elektra, hil baino lehenago, dantza basati eta zoroan murgiltzen da, bizitza galdu arte. (3) Schweig und tanze (Ixil zaitez eta dantza egin!).

Bertsioa: Richard Straussen Elektra (1909), Anny Konetzni (Elektra, sopranoa), Hans Braun (Orestes, baritonoa), Daniza Ilitsch (Chrysothemis, sopranoa), Maggio Musicale Fiorentinoren Orkestra, Dimitri Mitropoulos (zuzendaria).

 

En la anterior entrada de Opera XX presentábamos la primera ópera de Richard Strauss, Ariadne auf Naxos para ser exactos. Las óperas de Strauss han sido tradicionalmente clasificadas en dos grupos distintos: aquellas que beben de la tradición clásica, como puede ser la mencionada Ariadne auf Naxos o Der Rosenkavalier y aquellas que musicalmente miran hacia el futuro y pueden ser consideradas como consecuencia lógica de la evolución natural de la ópera alemana, como el caso de Elektra. Así pues, en dos entradas hacemos una breve presentación de estos dos tipos de ópera straussiana.

Elektra es una ópera de contrastes. Es, además, una ópera femenina. Estas dos son, en mi opinión las principales características de esta obra y entender Elektra exige entender estas dos circunstancias. Es una ópera de contrastes porque aunque en una primera impresión Elektra se nos aparezca como una ópera violenta hay también tiempo para el amor, el que se manifiestan mutuamente Elektra y su hermana Chrisothemis o el que demuestra Elektra por su fallecido padre, el que fuera rey Agamenón.

Elektra odia, es cierto, pero también ama. Así, la orquesta nos muestra palmariamente el odio entre Elektra y su madre Clitemnestra o el mismo odio por el amante de esta, Egisto; y sin embargo la orquesta se recoge para mostrar el amor entre Elektra y Orestes. Strauss diferencia acertadamente a través de la música esos distintos sentimientos. En esta ópera hay lugar para el intimismo. A pesar de una enorme orquesta, a pesar de ese primer acorde que parece presentarnos una ópera inabarcable Elektra tiene también ese punto cuasicamerístico que permite al personaje principal abrir su corazón.

Decíamos también que Elektra es una ópera femenina. Todos los papeles masculinos son episódicos con excepción del de Orestes. Todos los demás son meros instrumentos de las mujeres y son prescindibles en la historia que se cuenta. Toda la obra puede ser entendida prescindiendo de lo masculino. Queda dicho que la excepción es Orestes pero, en realidad este es también instrumento de Elektra dando fin a la vida de su madre y su baboso amante y al sufrimiento de la protagonista. La diferencia es que la instrumentalidad de Orestes es importante, fundamental en la ópera.

El primer acorde de la ópera es brutal y nos advierte de la violencia que nos viene; el último, tan contundente como el primero, es como una puerta que cierra de forma enérgica la historia. No se puede decir nada más, no se puede admitir más crueldad. Elektra no puede sufrir más y en la última escena, enfrascada en una danza tan loca como salvaje, muere. Elektra está muerta y todo a su alrededor, su madre y el amante de esta, es cadáver.

Esta ópera maravillosa exige de la protagonista un esfuerzo enorme pues permanece prácticamente toda la ópera sobre el escenario y por si esto fuera poco ha de sacar una voz muy grande y de carácter dramático capaz de superar la magnitud de la orquesta de Strauss.

He aquí los tres fragmentos musicales que he elegido. En el primero Elektra se encuentra a un desconocido. No reconoce a su hermano y comienza a interrogarle con idea de saber quién es. (1) Was willst du, fremder Mensch? (¿Qué deseas, extranjero?).

En el segundo Elektra, ya consciente de quien es el extranjero, comienza a maquinar con su hermano su venganza. Al mismo tiempo Elektra  se avergüenza de su penosa situación personal pues ha sido tratada como un animal. (2) Es rührt sich niemand (Se mueve sin…).

Para finalizar, la conclusión de la ópera. Reconozco que esta soprano no lo interpreta de forma convincente pero es innegable la fuerza de la escena final, donde Elektra danza de forma loca y  salvaje hasta perder la vida. (3) Schweig und tanze (Calla y baila).

Versión: Elektra, de Richard Strauss (1909), Anny Konetzni (Elektra, soprano), Hans Braun (Orestes, barítono), Daniza Ilitsch (Chrisothemis, soprano), Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, Dimitri Mitropoulos (dirección musical).